tonk´s manganime corner

Cinco recomendaciones del 2011 (Anime)

2011-12-31T00:31:00.001+01:00

Nos despedimos en breve del año 2011 para entrar en el 2012 y es un buen momento para hacer un rápido balance de lo mas destacable (creo yo) que ha dado la animación japonesa. No ha sido un gran año, y hay una buena cantidad de series que ni he visto (se puede comprobar viendo el número de entradas que he hecho a lo largo de este año). En fin, ahí va mi Top 5.

5# Ikoku Meiro no Croisee

Todos los años me gusta disfrutar de un buen Slice of Life, pequeñas historias cotidianas agradables de ver donde los grandes sucesos que ocurren son siempre de tipo personal (y se acaban resolviendo). La que he elegido este año ha sido Ikoku Meiro no Croisee.

He dudado considerablemente entre esta y Usagi Drop, una decisión muy difícil. He escogido Croisee por su peculiar ambientación y premisa, que creo que la separan de otras propuestas similares: ocurre en la Francia del siglo XIX, cuando Japón empezó a ser algo más conocido en Europa. La protagonista es Yune, una niña pequeña acostumbrada a ejercer como sirvienta japonesa (en este caso, nada del estilo de sirvientas al estilo Europeo que sobreabundan en los animes japoneses, con claras intenciones discutibles), que se traslada a París bajo la tutela del propietario de una tienda de antigüedades.

Está primorosamente animada por Satelight, con unos fondos impresionantes. Y aunque la serie podría entrar en la categoría de “personaje mono teniendo reacciones monas”, es el choque de culturas lo que de verdad hace sobresalir a la serie. También es algo más dramática que otras series de este tipo.

4# Level-E

La adaptación animada del manga de Yoshihiro Togashi ha sido realmente ejemplar. Muy fiel a la obra original, tanto visual como argumentalmente supone un punto y aparte en las series actuales, con un estilo que recuerda a los animes de finales de los 80.

La extraña mezcla de ciencia-ficción, comedia y terror, funciona como un reloj. Todo arranca con un Alien que decide quedarse en el apartamento de Tsutsui, a partir de ahí es difícil saber si todo lo que ocurre va en serio o no.

Como ya lo fue el manga original, es una de las propuestas mas divertidas, y a la vez inteligentes, del año.

3# Tiger & Bunny

Uno de los grandes éxitos del año, Tiger&Bunny empezó a hacerse notar por incluir publicidad real en su argumento. Pepsi, SoftBank… toda una serie de marcas aparecen constantemente en pantalla, justificadas por la idea de la serie: un grupo de dispares superhéroes que se enfrentan al crimen, esponsorizados por grandes marcas y con las cadenas de televisión siguiéndoles como si fuese todo un gran espectáculo (hasta les asignan puntos como si se tratase de un concurso).

La mejor parte de la serie es que el protagonista es un superhéroe no especialmente bien considerado, bastante veterano y que tiene una hija. Se agradece que un anime siga por una vez los pasos de un personaje poco popular y ya entrado en años, logra darle a la serie un cierto tono crepuscular muy llamativo. En el primer episodio de la serie la compañía para la que trabaja es vendida y se ve obligado a trabajar como compañero de un nuevo superhéroe, mucho más joven.

También es de agradecer el plantel de secundarios, toda una serie de estrafalarios “supers” que la serie se preocupa de darnos a conocer mejor a lo largo de los capítulos, haciendo mucho hincapié en la diferencia entre su vida normal y su vida heroica.

2# Redline

Para muchos (yo incluido) es la película del año. Dirigida por Takashi Koike (Animatrix-World Record, Trava) en su debut en formato largo, sigue los pasos de un conductor experto en carreras de coches, que es seleccionado para participar en Redline, una enorme competición que se celebra cada x tiempo en diferentes planetas.

Usando la historia como un simple motor, la verdad es que la película le mantiene a uno pegado al asiento. Es un despliegue visual y narrativo sin precedentes, del tipo que sería imposible recrear en acción real: deformaciones, montajes paralelos… y una visceralidad y adrenalina increíble.

Es todo un espectáculo de luz y velocidad, tremendamente creativo. Pocas propuestas de este nivel se producen ya en la animación en general.

1# Mahou Shoujo Madoka Magica

Y si hablamos de éxitos y de series que lo tienen todo para merecer ya casi la categoría de clásicos dentro del mercado japonés, Madoka ocupa el lugar más importante del año. No solo ha arrasado en ventas, sino que ha tenido a millones de personas pegadas a la pantalla de su televisor (o monitor) deseando saber como iba a evolucionar cada aspecto de la historia.

Partiendo de una premisa sencilla y bastante manida (chica joven encuentra una criatura mona que le ofrece convertirse en magical girl) la serie le daba la vuelta una y otra vez a las ideas y conceptos habituales, dirigiendo el tono y las reflexiones a un público bastante más adulto del habitual. Si bien el primer par de episodios pueden parecer mundanos, el tercero impactó en los espectadores como pocos han logrado en los últimos años. Personalmente en su momento no me pareció para tanto, pero es a partir de ahí cuando la serie empieza a jugar con una serie de conceptos muy interesantes y cambia radicalmente el tono. Los clímax que posee la serie son de una intensidad y brutalidad chocantes.

Su guionista ha sido Gen Urobuchi, especialmente célebre por sus guiones para aventuras de ordenador japonesas como Phantom of inferno o Saya no uta. Más de uno se extrañó al ver su nombre asociado a una serie de Magical Girls, y solo cuando la serie progresó se vio claramente que el tono iba muy acorde a su estilo.

Para el diseño de personajes en cambio, se eligió a Ume Aoki, que tiene unos diseños bastante peculiares. Especialmente célebre por Hidamari Sketch, sus diseños son a veces algo extraños, con unas cabezas mas anchas que altas en la mayoría de los casos. En cualquier caos son diseños bastante “monos” que contrastan radicalmente con el resto de la serie, de forma sin duda intencional.

A nivel visual como es habitual en el estudio Shaft tenemos un nivel altísimo, no siempre en lo relativo a la calidad de la animación en si, sino a la creatividad que exhiben al planificar las escenas. El diseño de enemigos y sus mundos merecen todo el reconocimiento posible.

No se muy bien como de fácil sería vender algo así en occidente porque por un lado no es lo que parece, y por otro… lo que realmente es, no parece fácilmente vendible. En cualquier caso, ahí queda la recomendación (! Y llegad hasta el episodio 3 como mínimo ¡).

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Finalmente creo que merecen una mención especial Usagi Drop (por su seriedad al tratar una temática tan delicada), Mawaru PenguinDrum, Fate/Zero (que es difícil de situar porque de momento está inconclusa), la secuela de Last Exile (me está sorprendiendo bastante), Gosick y Black Lagoon: Roberta’s Blood trail.

Y eso es todo. Feliz 2012, y disfrutad de las fiestas ;)

Shingo Araki (01/01/1939 - 30/11/2011)

2011-11-30T23:45:00.000+01:00

Ayer falleció a la edad de 72 años el animador y diseñador Shingo Araki.

Aunque no es lo habitual, alcanzó bastante fama en el mundo de la animación japonesa sin ser director ni guionista de ninguna serie o película. Poseía un estilo bastante definido y particular, que colaboró enormemente al éxito de algunas series.

En 1965 entra a formar parte de Mushi Productions y cinco años más tarde ejerce de director de animación de “Joe del mañana” (Ashita no joe), una de las series de mas éxito de la época. Durante los años siguientes no le falta el trabajo, principalmente en adaptaciones de Go Nagai como “Devilman”, “UFO Robot Grendizer” y “Cutie Honey”. Alrededor de esta época ya empezó a encargarse también de los diseños de personajes.

Durante los años 70 su fama aumentó por toda una serie de productos : Captain Harlock SSX, Galaxy Express 999, La rosa de Versalles, Ulises 31… y entrando en los 80 con La panda de Julia o la película de Space Adventure Cobra. A mediados de los 80 realizó el trabajo por el que probablemente será más recordado: Saint Seiya (los caballeros del zodiaco).

En Los caballeros del Zodiaco Araki cogió los diseños originales de Masami Kurumada y les dio un aspecto mucho más dinámico y “actual” , un look por el que ha sido siempre reconocida. Trabajó tanto en la serie original y en sus 4 películas, como en la más reciente continuación, la saga de Hades.

Cabe destacar también que en los años 90 se encargó de los diseños de personajes de una de las series de Gegege no Kitaro, y de las adaptaciones de otros dos mangas de Masami Kurumada: Fuma no kojiro y Ring ni Kakero. Aparte de Los caballeros del Zodiaco, seguramente su trabajo mas destacable en la última década y media sea el diseño de personajes de las dos primeras series de la popular Yu-Gi-Oh!.

Al parecer falleció tras llevas un tiempo ya enfermo. Solo queda agradecer a Araki los buenos momentos que nos deja, y reconocer un estilo que marcó a varias generaciones.

Listado de títulos en DVD/Blu-ray editados y anunciados a lo largo de este año

2011-11-23T19:35:00.000+01:00

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Selecta sigue siendo la editora que más cuida el mercado español, con una buena cantidad de títulos. Aunque este año el número de anuncios durante el Salón ha sido bastante reducido, es de esperar que vayan licenciando más cosas conforme pase el tiempo.

Prosigue editando todo lo relacionado con Los Caballeros del Zodiaco. Una lista ya más que respetable:

-Finalizaron la primera temporada de Saint Seiya: Lost Canvas, la han reeditado en un pack y han empezado a editar la segunda temporada (Blu-ray/dvd) en volúmenes individuales.

-Tras varios años están sacando tanto la continuación de la saga de Hades (solo Dvd) como las películas (Dvd) de la serie clásica.

-También tiene en preparación la película Mekai Hen.

Desde luego son buenos tiempos para ser aficionado a esta saga en España.

Reedición de esa gran película que es El verano de Coo en Blu-ray (previamente editada solo en Dvd). Es la bonita y a veces dura historia de un kappa en la época actual, en una película colorista y entrañable. Su director Keiichi Hara parece llamado a ser uno de los nombres relevantes de la industria nipona en los próximos años.

Y relacionado con lo anterior, han decidido volver a apostar por el director y han editado Colorful (Blu-ray/Dvd). Ha sido ganadora del premio del público en el prestigioso festival de Annecy y de la categoría de mejor animación en los premios de la academia japonesa. Narra la historia de una persona que acaba de morir y se le concede la oportunidad de volver al mundo para redimirse de sus pecados, en el cuerpo de un chico que ha cometido suicidio. Es un duro drama (de los que están bien hechos) que busca la redención y la esperanza en las peores situaciones posibles.

Apocalipsis en el instituto. Highschool of the dead (Blu-ray/Dvd) Los zombies están de moda, como The walking dead, Zombieland y una buena cantidad de producciones más lo atestiguan. Esta licencia seguramente pretende sumarse a esa moda ofreciendo un Anime que tiene bastante en común con los viejos anuncios de Manga Films cuando la animación japonesa se habría un hueco en España. La serie propone unos elementos muy concretos: chicas con poca ropa, senos (muy muy) grandes, zombies y acción. Reconozco que no es ni de lejos mi estilo de serie, repleta de un fanservice totalmente directo y obvio, pero es una producción muy moderna, de gran éxito y que seguramente atraerá a mas de uno.

La isla de los recuerdos y el espejo mágico: Con un aspecto netamente japonés a pesar de estar realizada íntegramente por ordenador, La isla de los recuerdos parte de la curiosa premisa de que existe un lugar en un mundo paralelo donde van a parar todos aquellos juguetes de nuestra infancia que perdimos cuando éramos pequeños. Unos pequeños seres los utilizan para construir su propia isla. La protagonista de la historia, Haruka, se ve transportada a esa dimensión.

Con una historia sencilla pero atractiva y unos diseños muy vivos y coloristas, parece una muy buena apuesta de cara al mercado doméstico. De momento parece que se va a comienzos del 2012, y solo en Dvd, pero veremos a ver conforme se acerquen las fechas en que condiciones finales sale.

Trigun Badlands Rumble (Blu-Ray/Dvd). Tras bastantes años desde que finalizó la serie, llega una nueva película animada de Trigun, Es un caso parecido al de "Llamando a las puertas del cielo" de Cowboy bebop: Es una película cerrada que puede verse perfectamente de forma independiente, pero que será mucho mas disfrutada por quienes hayan visto la serie.

Adapta el manga del mismo nombre, realizado por el mismo autor original. Está muy bien animada por MADHOUSE y cuenta con un apartado visual acorde a los tiempos que corren. Dudo que decepcione a los seguidores de la serie (y por lo que se ve, en ciertos aspecto, es mejor que buena parte de los episodios de la misma).

Por lo demás, Selecta ha lanzado algunas reediciones de series ya editadas a lo largo del año, y anuncian alguna nueva, como es el caso de Serial Experiments Lain, o todo Death Note en un mismo pack, ambas en Dvd exclusivamente. También van a relanzar la serie de Mazinger Z Edición impacto en dos packs recopilatorios.

Están en negociaciones con varios títulos más, pero de momento no pueden decir gran cosa. Se habla bastante de Summer Wars (ojalá) y la nueva película de Full Metal Alchemist, pero no hay nada fijo. Esperemos que sean novedades que merezcan la pena.

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Para variar, bajo mínimos. Sigue editando la serie Dr. Slump satisfactoriamente en Dvd, en packs de 12 episodios. Todavía no han confirmado si las ventas han sido suficientes para seguir editando mas allá del volumen 4 (que es lo que tienen adquirido ahora mismo).

Desgraciadamente eso es lo único que está editando. Y no parece que vaya a cambiar el panorama en el futuro.

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No me lo esperaba en absoluto, pero Sony ha sorprendido a propios y extraños anunciando un par de largometrajes de animación japonesa. La segunda sale en principio en alquiler, pero lo normal sería que más adelante salga a la venta.

La leyenda del dragón milenario (Onigamiden), dirigida por Hirotsugu Kawasaki y animada por el estudio Pierrot, es una película de animación estrenada este mismísimo año en Japón. Narra la historia de un joven japonés que se ve transportado a la era Heian (siglo X) en medio de una enorme guerra.

Visualmente parece muy competente, y sus toques mitológicos son bastante atractivos. No he escuchado lo mismo sobre la historia en si, así queme mantengo un poco a la expectativa.

Primer Squadrón (First Squad) dirigida por Yoshiharu Asino, es una producción bastante peculiar. Está realizada por el prestigioso Studio 4ºC, en colaboración con el estudio Molot recién creado, resultando así en una co-producción entre Japón y Rusia.

La historia sigue a unos jóvenes soviéticos especiales durante la II Guerra Mundial, que son asignados a un nuevo grupo para combatir la invasión de las fuerzas alemanas. En medio se mete una historia de tintes sobrenaturales, con los Nazis haciendo complicados experimentos para tratar de devolver la vida a los soldados muertos.

La ambientación parece de primera, con temas algo extraños para ser una producción en parte japonesa (incluyendo algunas escenas en plan falso documental). Se llevó algunos premios en Rusia y lleva un tiempo dando vueltas por varios festivales con opiniones bastante positivas.

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Prácticamente nada. Han finalizado de editar en Dvd FateStay Night y reafirmado sus intenciones de editarla en Blu-ray, pero de momento sin fecha.

Para aquellos interesados en la edición en Dvd, lanzarán en breve un pack completo a precio reducido.

Supongo que deben seguir interesados en la película Unlimited Blade Works ambientada en el mismo universo.

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Sigue completando el panorama Ghibli en España. Si a finales del año pasado editaron Nausicaä del valle del viento en blu-ray, este año han hecho lo propio con la estupenda El castillo en el cielo.

En Enero publicarán la edición en Dvd/Blu-ray de Arrietty y el mundo de los diminutos. Y han vuelto a confirmar su intención de ir publicando más Blu-rays según vayan negociándolos con Japón.

Es interesante también que en alguna entrevista han reiterado que están interesados en cosas como El castillo de Cagliostro y La tumba de las luciérnagas, así que esperemos que las negociaciones acaben en buen puerto y podamos disfrutarlas al fin como se merecen.

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Esta pequeña compañía ha lanzado (o lanzará, no tengo muy claro cuando sale) un pack con la primera temporada de xxxHOLIC al precio de 29,95€ (previamente la había editado en dos packs). Es una editora que se suele obviar, pero ahí está.

La serie es una especie de spin-off/narración paralela (o algo así) de la serie Tsubasa: reservoir chronicle.Ambas están basadas en historias y diseños de las prestigiosas mangakas CLAMP (Card Captor Sakura, Clover,X,RG Veda, Tokyo Babylon,Wish, Kobato...).

La serie cuenta con una segunda temporada, una película y varios OVAS.

Arrietty y el mundo de los diminutos (Hiromasa Yonebayashi, 2010)

2011-10-26T20:52:00.001+02:00

Aurum sigue con su buena y sana costumbre de estrenar en salas españolas las nuevas producciones del prestigioso estudio Ghibli. El numero de copias fue bastante respetable (aunque no ha llegado a todas partes) y la película cuenta con un doblaje muy bien llevado, y se ha proyectado en digital, medio que garantiza una imagen nítida y fiel se vaya a la sesión que se vaya.

Hace ya bastante años, en 1995, Yoshifumi Kondo dirigió “Suspiros del corazón”, la primera película pensada para cines en la que el puesto de director era ocupado por alguien ajeno al tándem habitual (Miyazaki y Takahata). El resultado fue un rotundo éxito de crítica y público, Ghibli parecía tener un brillante futuro por delante… pero desgraciadamente murió un par de años después de un problema cerebral.

En los últimos años le han dado bastantes oportunidades a nuevos directores: Hiroyuki Morita con “Haru en el reino de los gatos” y Goro Miyazaki con la muy decepcionante “Cuentos de Terramar” (y la futura “From up on Poppy Hill”, que ha cosechado muy buenas críticas). Da igual lo que se haga, los zapatos de Hayao Miyazaki e Isao Takahata parece que siguen siendo muy difíciles de llenar.

Lo cual nos lleva al año 2010 y a Hiromasa Yonebayashi, un tipo con una trayectoria como animador muy buena (Serial Experiments Lain, La princesa Mononoke, Jin-roh, El viaje de Chihiro, Ponyo en el acantilado…) y que se ha convertido en el miembro más joven del estudio en dirigir una película, con 38 años. ¿Puede ser él uno de los que tomen el relevo generacional del estudio?

Antes de comenzar la crítica en sí, me parece justo comentar una cosa que me ha llamado poderosamente la atención. No se si ha sido por motivos publicitarios o no, pero lo cierto es que se oye casi más el nombre de Hayao Miyazaki que el de Yonebayashi. Miyazaki actuó en las primeras etapas del desarrollo como planificador del proyecto y como co-guionista (el otro autor es Keiko Niwa, otro habitual del estudio) basándose en la novela original de Mary Norton. Pero todo el peso real de la producción cayó en los hombros de Yonebayashi, que no solo dirigió la película, sino que se encargó de todos los storyboards y de dirigir personalmente la principal unidad de animación. Casi equivale, salvo en el aspecto del guión, al papel habitual que Hayao Miyazaki desempeña en sus propias películas. Creo conveniente entonces atribuir todos los méritos y deméritos del film a él, que ha cogido al toro por los cuernos y se ha implicado al 100%.

La acción sucede en los alrededores de una pintoresca casa de campo. Un joven llega en coche para pasar unos días tranquilo en ella, y en su primer día ve lo que parece ser una pequeña persona en el jardín. Debajo de la casa, tienen construida su vivienda una familia de “gente pequeña” (apenas 10 centímetros), que hacen pequeñas incursiones en la casa para tomar prestado aquello que necesitan. Por su tamaño y modo de vida, tratan por todos los medios de no ser vistos por los seres humanos. La hija de la familia, Arrietty, entra en contacto con el chico y empiezan a surgir diferentes problemas.

Acorde al tamaño de los personajes principales, la película opta por un estilo muy intimista, con muy pocos personajes y localizaciones. Al poco de arrancar seguiremos los pasos de la chica protagonista en su primera “incursión” nocturna en la vivienda de los humanos bajo la atenta mirada de su veterano padre, para tomar prestadas algunas cosas que les hacen falta. Se trata de una secuencia considerablemente larga, repleta de sentido de la maravilla (por parte de Arrietty) al ir descubriendo los cotidianos elementos que componen la casa. La dirección de esa secuencia en solitario merece un excepcional reconocimiento, por la gran sensación de escala que transmite y el ejemplar uso de la iluminación.

Hay también de fondo durante toda la película un tema que probablemente es más importante que lo que les sucede a los personajes: la supervivencia de toda una especie tan pequeña que debe vivir oculta para seguir adelante. Es una cuestión tan importante que dicta la dirección de todo el film, y esquiva así el caer en la sensiblería mas tontorrona tipo “todos somos iguales, vivamos en paz y harmonía” que tanto suele abundar en las películas destinadas a todos los públicos.

No creo que tenga problemas de ritmo, aunque me consta que suele gustar más la primera parte del metraje que la segunda. No ha sido mi caso. Son precisamente esos temas que se remarcan en la segunda parte los que más llamativos me resultaron, porque son más grandes que los propios personajes.

Sobre la calidad técnica no creo que haga falta a estas alturas repetir el consabido “El estilo artístico es impresionante” o “La calidad de la animación es admirable”, es el estudio Ghibli a fin de cuentas y cumple de sobra en esos apartados incluso en sus peores producciones. Un detalle a destacar es lo peculiar que se hace la banda sonora de Cecile Corbet (artista francesa de estilo muy pastoral) que no solo proporciona la atmosfera apropiada a la película, sino que le da un toque muy distintivo respecto al resto de la filmografía Ghibli, con mucha personalidad.

No se cuando volveremos a ver al señor Yonebayashi tras las cámaras, pero Ghibli tiene motivos de sobra para volver a confiar en él en el futuro.

Aurum ya ha anunciado su lanzamiento en DVD y Blu-ray para comienzos del próximo año (y mientras, relanza “El castillo en el cielo” en Blu-ray (esto lo comentaré en una próxima entrada de lanzamientos en formato doméstico, que hay bastantes cosillas interesantes).

JAPAN WAR 1945

2011-09-22T22:38:00.001+02:00

Entre los títulos que recientemente Glénat ha relanzado a precio reducido se encuentra “Japan War 1945”, realizado por Lazy Hagiwara. La información sobre el autor es escasa, incluso usando su nombre real “Reiji Hagiwara”. Si nos fiamos de la muy escasa información que viene en el propio tomo: tiene 44 años, desde joven es aficionado a montar y pintar maquetas de tanques, y está especializado en el genero bélico. También se cita otra obra suya: Tenshi dake ga tsubasa o motteiru (Solo los ángeles tienen alas).

El tomo está compuesto por dos historias diferentes, que no tienen ninguna relación entre si más allá de la época en que ocurren:

-”Between heaven and hell” Sobrevolando la capital imperial.

-“97 Overdrive” La estepa de Manchuria.

Tras cada historia vienen algunas páginas sobre su creación y datos técnicos de las máquinas de guerra que aparecen.

La primera de las narraciones se centra en la lucha aérea que los japoneses mantuvieron al final de la guerra contra los celebres B-29 (llamados “la Fortaleza Voladora”). Estos enormes aviones tenían el único propósito de arrojar un elevado número de bombas sobre la capital nipona, tratando de provocar el mayor número de destrozos posible (aunque con una precisión bastante baja). Los protagonistas despegan para interceptar y derribar ese tipo de aviones, pero sus recursos escasean y apenas les quedan un par de aviones Gekko (más pequeño, pero rápido y maniobrable). Cuando uno de los Gekko es derribado por un nuevo tipo de avión Americano, ampliamente superior al Gekko japonés, deberán ingeniárselas para poder hacerle frente.

Es una historia relativamente convencional, con un tono bastante agridulce. Las batallas aéreas están muy bien dibujadas y es muy fácil distinguir los modelos a aviones. En la parte dramática los personajes no acaban de tener demasiado interés, es un relato muy corto y da la sensación de que se hubiese beneficiado de algo más de longitud. La conclusión es buena, pero resulta algo brusca.

La segunda historia narra algo totalmente diferente. Ocurre en una localización que muchos occidentales tendemos a mirar muy por encima: Manchuria. Cuando la guerra daba sus últimos coletazos, el ejercito soviético atacó expulsando a los japoneses del territorio (y el alto mando Japonés acabó abandonando a un buen número de soldados). En medio de esa situación los protagonistas de la historia se encuentran casualmente en un cruce: un anarquista que da por perdida la guerra, un teniente que tuvo que abandonar su puesto de vigilancia, una enfermera militar y un par de soldados que se han hecho con un tanque soviético.

Contrariamente a lo que pasaba en la primera historia, en esta ocasión los personajes son muy interesantes y cada uno tiene una forma diferente de pensar y afrontar la situación. El anarquista solo está preocupado por rescatar a su chica y le importa poco luchar por su país, mientras el teniente se aferra a su honor como Japonés incluso sabiendo que la guerra está perdida. Es un grupo muy peculiar, pero tienen un propósito común que les hace cooperar.

En general Hagiwara dibuja bien, con formas muy redondeadas y un estilo que a ratos recuerda al habitual de los años 80. Está claro que su especialidad son los modelos mecánicos que usa en las historias, dibujados con un nivel de detalle bastante alto.

No es un gran cómic, en mi opinión. La primera historia tiene algunos problemas de ritmo y los personajes son bastante poco interesantes. La segunda es todo lo contrario, y es claramente la superior de las dos. El conjunto es una lectura agradable con dos historias “pequeñas” dentro de un conflicto mastodóntico, pero menos ambicioso quizá de lo que su titulo parecía indicar.

NOTA: Solo he empleado la portada española, y los datos que vienen en el propio tomo, porque la información que hay en la red sobre este cómic es ridículamente inexistente. Lamento que haya quedado una entrada tan poco visual, pero no he podido remediarlo.

RAY

2011-08-26T04:16:00.000+02:00

Glenat ha lanzado una nueva tanda de cómics a precios muy reducidos (probablemente para reducir Stock). Los títulos son los siguientes: King of Thorns, Sex, Ray, Missing Holiday, Calling You, Japan War y Lolita HR. Como es habitual cada volumen ha sido rebajado a 2,99€.
King of Thorn, Missing Holiday y Calling You ya los analicé en su debido momento y son cómics más que satisfactorios. Sin embargo he querido aprovechar esta nueva tirada para adquirir un par de títulos que llevaba tiempo queriendo leer. Ray es el primero de ellos.
Ray comenzó a publicarse en Japón en el 2003, escrito y dibujado por Akihito Yoshitomi. Puede a algunos les suene lejanamente el nombre, porque a España llegaron algunos números de su obra más celebre “Eat-Man”, la historia de un hombre con la habilidad de transformar objetos en armas. También ha sido autor de la saga Blue Drop y de una curiosa nueva versión del Black Jack de Osamu Tezuka.
Y precisamente con ese personaje arranca RAY. BJ (solo se dan las siglas, pero está muy claro quien es) salva a la protagonista de la historia, después de que una organización ilegal de tráfico de órganos le quitasen los ojos. Años después, RAY se ha convertido en médico ilegal que realiza todo tipo de operaciones por el precio adecuado, buscando a la organización que le robó sus ojos. Cuenta eso si con una habilidad única: sus ojos pueden ver a través de las cosas (de ahí también el título, podrían considerarse rayos X).
Antes de entrar en lo que tiene que ofrecer este cómic creo conveniente puntualizar una cosa: NO es un cómic médico realista o serio. Es algo más serio de lo habitual para una revista Shonen quizá, pero eso no quiere decir que tire por el camino de lo real. De hecho, tiene más en común con un thriller de acción, que con obras del estilo de Say hello to Black Jack o la propia Black Jack de Tezuka. Las operaciones duran muy poco, y la protagonista se ve involucrada en persecuciones y tiroteos constantemente.

El dibujo de Yoshitomi es muy limpio, con mucho blanco y negro, y un uso de tramas muy sencillo. Ya se notaba en Eat-Man y el paso del tiempo le ha sentado muy bien al autor. Los personajes son muy estilizados y las escenas de acción son muy dinámicas. Tengo especial debilidad por las portadas que ha realizado para cada tomo, con Ray en blanco y negro (y otro color) sobre una imagen collage de personajes que salen a todo color.
Cada tomo se estructura en diferentes capítulos con historias separadas, pero su muy medida duración (7 tomos) hace que en cada una de ellas la historia de fondo del personaje avance. Los dos primeros tomos introducen muchos personajes secundarios (algunos muy rocambolescos) mientras que el último par de tomos (6 y 7) son prácticamente una historia continuada que pone fin (y da respuestas) a la historia general.
Es muy fácil separar la historia en dos partes: el caso que estamos leyendo, y el hilo conductor de todos los capítulos en torno a la protagonista. Los primeros van desde interesantes (la mayoría) a algo ridículos (sobre todo en sus resoluciones), pero por otro lado, ese hilo conductor es sumamente interesante y está muy bien llevado. Es una obra bastante irregular hasta que mete la directa en los últimos tomos.
Seguramente otro problema de Ray es el tipo de público al que va dirigido. Al consumidor habitual de Shonen probablemente le parezca poco divertida y demasiado seria. Y el comprador de Seinen que espera algo “serio” se va a encontrar con premisas más alocadas de lo normal, muchas escenas de acción bastante exageradas y algunas chicas ligeritas de ropa de regalo.
No es un manga sobresaliente y para muchos no será ni notable, pero es muy entretenido de leer y en general merece la pena por su dibujo y su acertada historia de fondo. Una buena opción a esos 2,99€ que está ahora, siempre y cuando uno sepa lo que tiene que ofrecer.
Algo de información extra:

-El manga tuvo una continuación de un solo tomo llamada “Ray+”, que no ha sido publicado en España.

-Hubo adaptación animada, de 13 episodios de duración. Solo he podido ver el primer episodio, pero en principio parece una adaptación competente y bastante fiel.

Hellsing

2011-07-14T23:15:00.001+02:00

Hace unas pocas semanas Norma Editorial publicó el primer tomo de “Drifters”, el nuevo cómic de Kohta Hirano. Está claro que se publica porque su obra previa “Hellsing” tuvo bastante buena acogida en España desde que salió el primer tomo allá por el 2003.

Comenzó su andadura en Japón en 1997 en forma de one-shot subidito de tono, bajo el nombre de “The legend of the Vampire Hunter”. Tiene personajes con diferentes nombres y algunos diseños diferentes, pero la historia y estilo son prácticamente los mismos. Se publicó en la revista Seinen (para adultos jóvenes) Young King Ours, y unos meses después empezó el manga regular “Hellsing” prescindiendo de la parte erótica.

Yo compré el primer volumen en el Salón del Manga de Barcelona (2003) atraído por su historia de vampiros y su estilo visual. Han pasado bastante años hasta que la he completado porque Hirano es un autor bastante… lento. No digo “lento” en el sentido de “vago” como podría ser el caso de Kentaro Miura (Berserk) o Kazushi Hagiwara (Bastard). Hellsing sí ha ido saliendo de forma más o menos regular, lo que pasa es que su autor tarda mucho en dibujar, y como él mismo reconoce en los propios tomos, tuvo pocos ayudantes durante gran parte de su desarrollo. Con suerte publicaba un tomo al año, pero no era raro que pasase algo más de tiempo entre entregas.

Creo que está claro que hay dos cosas fundamentales que influyeron en la creación de este manga. Por un lado cuando empezó estaba reciente el aniversario de Drácula y había un cierto interés por el tema. Por otro lado el personaje principal parece un cruce entre Vash (Trigun) y D (Vampire Hunter D) a nivel estético. Lo de Vash no es casual, incluso hay alguna referencia al mismo dentro de Hellsing. También es fácil reconocer títulos de canciones, homenajes y referencias a películas…

La acción arranca en un pequeño pueblecito Inglés asediado por unas voraces criaturas que están matando a sus habitantes. Pronto queda claro que un vampíro había llegado y está provocando un efecto contagio. La policía, incapaz de hacer frente a una amenaza tan grande, llama a la “Sagrada Orden de Caballeros Protestantes” Hellsing, fundada mucho tiempo atrás por Abraham Van Helsing. La organización se encarga de buscar y erradicar los vampiros que suponen una amenaza para la raza humana y su principal arma es Alucard, un poderoso vampiro que lucha a su lado.

Seras Victoria por su parte, es una policía que se ve involucrada en la lucha y para sobrevivir “accede” a convertirse en vampiro y ponerse del lado de Alucard. A través de ella iremos viendo como funciona la organización y sus trabajos.

Los vampiros son autenticas bestias en este cómic. Se ven a sí mismos como seres superiores a los humanos y los usan para su propio provecho. Son depredadores… y Alucard es probablemente al mayor de todos. El hecho de que trabaje para una organización de humanos es cuanto menos intrigante, y una vez recibe ordenes se ve rápido que le gusta hacer las cosas a su estilo: directa y brutalmente. Y si de paso se puede burlar de lo inferiores que son todos lo que le rodean, lo hará riéndose como un loco.

Hellsing tiene un dibujo bastante estilizado repleto expresiones y gestos tremendamente exagerados. Es un cómic visceral y muy directo, las páginas están inundadas de negro y en las escenas de acción hay mas hemoglobina que bocadillos. La sensación que siempre me da es que su autor ha hecho lo que le ha dado la real gana, sin ningún tipo de complejo. Y conforme pasan los tomos la cosa no disminuye sino que el autor se suelta la melena cada vez más.

Las escenas de acción son furiosas y rápidas, y los personajes usan su poder todo lo que pueden. También sabe tener bastante sentido del humor, pero de tipo muy poco sutil. Bastante humor negro, rodeado de chistes bastante tontos, chuscos e infantiles, logra descolocar bastante cuando uno lo está leyendo. Una de las cosas que más me atrajo en su día es precisamente ese aire macarra que tiene, donde todo el mundo es un chulo sin remedio y donde casi todo vale.

El manga tiene bastantes puntos negativos. Aunque es muy disfrutable, es tan sumamente excesivo que por momentos se desequilibra bastante, sobre todo en los últimos tomos. Las escenas de acción se agrandan y alargan conforme avanza la historia y se nota que llegan a durar más de lo que deberían. Por otro lado el desarrollo de personajes ocurre sobre todo en los primeros tomos, y se quedan un poco en segundo plano hacia el final.

Sin embargo es tremendamente divertido. A ratos es una locura sin demasiada dirección, pero es esa apuesta por ofrecer un cómic tan desacomplejado y directo lo que hace que triunfe. La edición de Norma es mas que buena y está completa, es una compra muy recomendable si uno está interesado en este tipo de historias.

Hellsing: The Dawn

Esta precuela fue realizada por el propio Hirano tras acabar el manga principal. Desgraciadamente solo ha llegado a publicar 6 o 7 capítulos, y no ha llegado a calar demasiado. Ocurría durante la Segunda Guerra Mundial y seguía los pasos de Alucard y el mayordomo de la familia Hellsing durante la batalla.

Creo que no está recopilado de ninguna forma, y no se sí llegara a ser editado alguna vez. Hay rumores de que cuando acabe Hellsing Ultimate (Serie) podrían adaptarla a modo de Ovas o algo así. Pero no hay nada en firme.

Hellsing (Serie TV)

En 2001 la productora Gonzo (Last Exile, Blue Submarine nº 6, El conde de montecristo…) se lanzó a hacer una adaptación animada de 13 episodios. Por esas fechas había un problema serio: el manga llevaba solo unos tomos y seguía en curso. El resultado fue un anime que no fue demasiado fiel al material de origen, y con un apartado de animación bastante justito.

A diferencia de muchos otros aficionados yo si veo cosas interesantes y apreciables en esta serie. Tomaron la decisión de darle un tono mas serio a la historia, cosa que creo que le sienta bastante bien, y se aprecia más esfuerzo y tiempo a desarrollar los personajes. Pocas veces he visto una banda sonora tan adecuada al tono de la serie, oscilando entre el Jazz y la música electronica, da una atmosfera increíble. El opening me parece bastante memorable también.

El gran problema de la serie llega cuando pasan la mitad de los episodios y entra en una gran saga final (totalmente inventada) que se queda muy lejos de lo que pretendían conseguir. El malo no es especialmente memorable y algunos personajes quedan algo desdibujados. A pesar de de todo, como final no me parece que esté mal (para habérselo sacado de la manga) y quien solo vea la serie se quedará con una historia cerrada.

La editó Selecta Vision en España de forma más que competente, con un pack que recopila todos los episodios en 3 dvds. Yo la compré en su momento por 20 euros, precio más que adecuado.

Hellsing Ultimate (OVAS)

Planificada para ser una serie de 10 Ovas, Hellsing Ultimate empezó en el 2006, con el manga ya muy avanzado y con la idea de ser totalmente fieles al mismo. Al ser directos a video, el estudio encargado Satelight pretendía alcanzar unos niveles de producción inmensos, y tomarse el tiempo necesario para cada capítulo, de 50 minutos de duración.

Este mismo mes debería publicarse el 8º volumen en Japón, tras casi año y medio desde el 7º. Año tras año esta serie sigue acumulando retrasos y más retrasos en la publicación de entregas. Hasta ha cambiado el estudio encargado de la animación: de los 4 primeros se encargó Satelight, del 5 al 6 Madhouse, y de los siguientes Graphinica y Kelmadick.

A pesar de su accidentado desarrollo, hay que reconocer que el resultado es tremendamente vistoso. La animación es ampliamente superior a la serie de TV, y la historia no tiene relleno alguno, sigue fielmente el manga original. Incluso para la banda sonora se ha contado con una orquesta y coro que logra momentos absolutamente épicos (Aunque en general me suena más apropiada la de la serie de Tv).

En cambio, a gusto del que escribe, tienen algunos fallos que curiosamente no tenia la serie anterior. Los primeros capítulos parecen muy acelerados, como contados con prisa, y juraría que incluso se han dejado por el camino algún desarrollo de personaje. Se ve que tenían prisa por llegar a la parte no adaptada todavía. Han conservado el humor del manga, pero me temo que en pantalla queda bastante peor y por momentos lastra algunos episodios.

Es como si cada serie tuviese lo que le faltaba a la otra. Licencias vs Fidelidad, Animación justita vs animación por todo lo alto, desarrollo de personajes vs meterse rápido en la acción…

No ha sido editada en España y no se si llegará a estarlo algún día. Aún falta bastante tiempo hasta que acabe y en USA por ej creo que solo han sacado los 4 primeros. Va para largo, me temo.

Sword of the stranger (El samurái sin nombre)

2011-06-29T22:50:00.001+02:00

La película

Aunque solo nos llegan unas pocas películas de animación japonesa cada año, uno puede encontrarse con cosas muy interesantes. Sword of the Stranger ha estado ya unos cuantos años dando vueltas por festivales de todo tipo y llevándose críticas muy positivas por donde pasaba.

En la realización de la película está el estudio Bones, compañía algo irregular que suele dotar a sus producciones de un aspecto visual excelente: Eureka Seven, Scrapped Princess, Wolf’s Rain, RahXephon, Darker than black o FullMetal Alchemist son algunas de sus obras insignia. No es raro que produzcan alguna película de vez en cuando (Escaflowne, Cowboy Bebop, RahXephon…) pero salvo que me equivoque, esta que nos ocupa es su primera película no basada en una franquicia que ya tuviesen.

Fue un desarrollo muy largo, que empezó como una propuesta de los propios empleados al estudio. Masahiro Ando tenía la sensación de que últimamente se habían producido muy pocas películas de samuráis de calidad (es cierto que ha salido alguna serie de vez en cuando, pero de forma muy esporádica y no siempre con la suficiente calidad) y creyó que era un buen momento para intentarlo. Hasta entonces su carrera profesional incluía haberse ocupado de la animación de bastantes series y películas (incluyendo Ghost in the shell, Patlabor 2, Jin-Roh, Metropolis o Evangelion), y creyó que esta era la producción adecuada para dar el salto a la dirección.

Como el estudio no lo veía muy claro (los enfrentamientos a espada siempre han sido bastante difíciles de realizar en animación), durante varios meses Ando y un reducido equipo, realizaron un pequeño corto llamado “Oda a la espada sin señor” con una secuencia de acción acompañada de una narración en off. El piloto gustó y se dio luz verde al largometraje, que se estrenó en 2007 y ha sido ya publicado en montones de países desde entonces.

Si uno se fía de sus palabras, la intención era conseguir una película que por un lado mostrase cosas que en acción real serían muy complicadas, pero por otro tratar de que los personajes tuviesen peso y se moviesen de manera creíble. No hay enemigos con poderes extraordinarios, y aunque los personajes saltan más de lo normal, no son más exagerados de lo tolerable. Ese equilibro entre espectacularidad y “no caer en el ridículo” es posiblemente el gran logro de la película y lo que la distancia de otras muchas.

Los protagonistas son dos (tres si contamos al perro), un niño que intenta llegar a un templo porque hay un grupo de gente que le persigue, y un ronin (samurái sin señor) vagabundo. Siguiendo los pasos de otras películas clásicas, el vagabundo accede a escoltar al chaval hasta su destino a cambio de una pieza de gran valor. En la historia de estos dos personajes, intervienen además muchos otros, desde un grupo de Chinos enviados por su emperador para no se sabe muy bien qué, el gobierno japonés que desconfía de las intenciones de los Chinos, o uno de los miembros del ejercito japonés más importantes, con aspiraciones mucho mayores. La narración va saltado de unos personajes a otros con mucha agilidad, y aunque hay un par que quizá tienen menos tiempo del que necesitarían, el resultado es muy rico y variado. Es difícil encontrar películas tan enfocadas a la acción, y que no descuiden estos otros aspectos.

Como ya dije antes, siendo el estudio Bones uno puede esperar un aspecto visual magnífico. Los fondos tienen un aspecto totalmente artesanal, muy clásico y natural, y la decisión de que todo se ambiente en Otoño le da un look muy distintivo a todo, con colores más apagados que en otras producciones, y tonalidades con verdes oscuros y marrones. Los diseños de personajes no son un portento, pero son muy diferentes entre sí, y gozan de una expresividad muy buena. Y la animación… va desde “muy buena” en las escenas más pausadas (donde brillan más los fondos) hasta “impresionante” en las secuencias de acción. No creo exagerar si digo que tiene alguna de las mejores peleas a espada que he visto en mucho tiempo: rápidas, vibrantes y muy dinámicas.

No puedo evitar mencionar a otro de los grandes nombres que hay en la película: Naoki Sato. Me dejó tremendamente sorprendido hace ya unos años con la estupenda banda sonora que compuso para la serie Eureka Seven. Entre otras cosas ha realizado la música para X (tanto la Ova como la serie de Tv), Heroic Age, o la película para Tv de Hiroshima. En el caso de Sword of the stranger, ha optado por una composición totalmente sinfónica, repleta de momentos evocadores y épicos. Probablemente por no haber usado instrumentos tradicionales japoneses, el resultado a veces suena un poco a medio caballo entre la música de películas como Braveheart, combinado con un lirismo mucho más asiático.

Desde luego cualquier aficionado al que le guste mínimamente este estilo de película, encontrará pocas mejores. Funciona como película de acción pura y dura, funciona como película de personajes, y es en todo momento entretenida. Absolutamente recomendable.

La edición española

Originalmente fue publicada a principios del 2010 por Selecta-Visión, en tres ediciones diferentes:

-Edición en Dvd simple, que solo incluye la película y algunas fichas.

-Edición en Dvd doble. El segundo Dvd incluye el cortometraje “Oda a la espada sin señor” que mencioné arriba, un par de “entrevistas” (que en realidad son un largo making off detallando el proceso de creación de la película), y los trailers originales del estreno.

-Edición en Blu-ray. Que incluye los mismos extras que la anterior. Tanto película como extras van a 1080P.

Como algunos sabrán Selecta-Visión cambió de distribuidor, así que ya no se pueden encontrar en comercios normales. No obstante, la volverán a lanzar el próximo 12 de Julio en una edición combo (Blu-ray + Dvd) que seguramente sea igual que las anteriores. El precio es de 19,95€.

La edición que yo he analizado es la lanzada en formato Blu-Ray. Se nota enormemente que es una producción muy actual y que está perfectamente planificada para este tipo de formato. La calidad de imagen es cristalina, perfectamente nítida hasta en las complicadas escenas de acción, sin ningún tipo de defecto visible y con un detalle muy bueno.

El menú es sencillo y directo, sin alardes, pero fácilmente navegable. Y se incluye doblaje español, el japonés original, el doblaje al Catalán, al Francés y al Ingles, además de los imprescindibles subtítulos.

En términos de ediciones de anime en España me parece modélica, y la verdad, no se me ocurren pegas… ojalá futuras ediciones mantengan este nivel.

Un vistazo a One Piece

2011-05-31T23:31:00.000+02:00

En agosto de 1997, en la revista semanal Shonen Jump apareció el primer capitulo de “One Piece”. En Febrero de 2011 su tomo recopilatorio número 61 vendió 3.8 millones de unidades en su primera tirada, la mayor de la historia, batiendo records que ya tenía el propio cómic con tomos anteriores. El total supera ya los 235 millones de unidades, superando a Dragon Ball y convirtiéndose en el manga más vendido de todos los tiempos. La clave de todas estas cifras es que 61 tomos y 14 años después… One Piece sigue logrando nuevos lectores.

Sobre su autor, Eiichiro Oda no hay demasiado que decir. Es un declarado fan de la obra de Akira Toriyama (creció leyéndola y por eso quiso ser mangaka) y de “Vicky el vikingo”. A los 17 años realizó “Wanted!” con la que ganó bastantes premios juveniles, y con 19 entró a trabajar como ayudante de Nobuhiro Watsuki en la popular Rurouni Kenshin. Otro nuevo cómic corto de piratas “Romance Dawn” le dio la oportunidad de publicar el primer capítulo de One Piece (ambos tienen en común varios personajes principales). Popular desde el mismo primer capítulo, One Piece se ha convertido ya en todo un clásico reconocido por toda la población nipona, a pesar de estar lejos de terminar.

Las influencias del Toriyama de Dr. Slump o toda la primera parte de Dragon Ball se notan mucho. One piece es una serie con unas dosis de humor bastantes más elevadas de los normal en los Shonen de hoy en día, y su mundo está repleto de entornos naturales con todo tipo de estrafalarias criaturas. Puede que sea un cómic juvenil de acción… pero lo que más prima es el humor y la aventura, y seguramente es ese tono vitalista y alegre lo que lo separa de otras obras más propensas a tomarse demasiado en serio a ellas mismas.

La acción transcurre en un mundo poblado por mares e islas, con un progreso tecnológico algo variable (varía un poco según la isla), y donde los piratas y la Marina tienen un papel principal. Años atrás, el gran pirata Gold Roger fue ejecutado públicamente, pero poco antes de morir gritó al mundo que había dejado un gran tesoro, y que sería para quien lo encontrase. De dicho tesoro, el One Piece, pronto se dijo que quien lo consiguiese se convertiría en el nuevo rey de los piratas, y toda una nueva generación de piratas se hicieron a la mar en su búsqueda. Resumiendo: mundo con islas, y piratas a la búsqueda de un gran tesoro… algo más o menos típico pero que no se había aplicado aún al manga Shonen (juvenil) de toda al vida.

El protagonista de la historia, Monkey D. Luffy, es un chaval que por error se come una “Fruta del Diablo”, concretamente la de Goma Goma, lo que le permite estirar su cuerpo a voluntad. No es el tipo de personaje que se piensa las cosas demasiado, y tiene decidido convertirse en un pirata, reunir una tripulación y recorrer los mares para encontrar el One Piece. Por supuesto, a lo largo del camino irá pasando por muchas islas, conociendo muchos otros personajes y añadiendo alguno de ellos a su tripulación de vez en cuando.

Aunque se trata de una serie con peleas, es bastante curioso como la mayoría de personajes principales no son especialmente musculosos. Se centra más en las características y habilidades individuales que en la fuerza en general (si, lo digo mirando de reojo a Bola de Dragón Z). Pero por encima del aspecto pugilístico de los personajes… están sus personalidades y la forma en que interactúan entre ellos, provocando continuamente situaciones hilarantes (incluso al encontrarse delante de enemigos poderosos).

Todo barco pirata requiere un cocinero, un navegante, un capitán, un médico o un carpintero, por citar trabajos que suelen ser necesarios. Los “amigos” de Luffy en muchas ocasiones serán además piezas clave en la dinámica de grupo. De hecho, aunque es muy bienintencionado y simpático, es habitual que sus ansias de aventura sean mayores que su capacidad para pensar realmente lo que está haciendo, y es todo ese grupo de personajes que se forma a su alrededor los que le controlan/apoyan.

En la parte inicial del manga, el autor suele dedicar una saga de unos pocos tomos a cada personaje, presentándolos y mostrando las razones que les llevan a unirse a Luffy. Creo que el argumento está ya lo suficientemente tocado para que no haga falta entrar en cada personaje en concreto, más que nada porque es difícil empezar a nombrar personajes sin entrar en Spoilers. Una de las grandezas de One Piece es precisamente como saga a saga se va ampliando el plantel de personajes (principales y secundarios) y Oda es capaz de manejarlos a todos de manera admirable. No es el tipo de autor que saca personajes y luego los abandona, sino que con el paso del tiempo suele retomarlos para que el lector sepa que ha sido de ellos, y el uso de Flashbacks es habitual.

Otra de las cosas que han hecho destacar a One Piece, además de la temática piratil, su estilo desenfadado y vitalista, y sus carismáticos personajes, es sin duda su estilo de dibujo. Los personajes los realiza de una forma muy variada, con rasgos muy distintivos entre ellos siempre, y con exageraciones y licencias por todos los lados: personajes de medio metro de altura frente a personajes de más de 3, gigantes, piratas con aspecto de payaso, o individuos poco proporcionados… prácticamente todo tiene cabida, Oda es capaz de “estirar” su estilo hasta niveles absurdos.

Y no menos llamativos son los entornos. Cada isla que visitan, cada ciudad por la que pasan, tiene su propia flora/fauna y estilo. Son muy habituales las poblaciones relativamente pequeñas, rodeadas de naturaleza y animales extravagantes, y es normal que la historia refleje sus pasados y costumbres. Con la idea de hacer un cómic marino que funciona a base de exploración e islas, el autor ha encontrado la excusa perfecta para realizar sagas completas en torno a una localización, cosa que en otros cómics resulta constantemente forzado.

Desde que empezó One piece muchos otros Shonen han salido al mercado japonés, y la mayoría ya ha caído mientras One Piece sigue creciendo. De hecho hasta está surgiendo ya una nueva generación de cómics de este tipo, y dudo que nadie espere que alguno de ellos llegue a estos niveles, durante 14 años ha sido EL cómic… y parece que va a ser un reinado mucho más duradero aún.

Ediciones en España

-Comic book (grapa): Planeta intentó publicarla hace ya bastantes años, en formato cómic book y fracasó. Desde luego no se trataba del formato adecuado, y el papel era horrendo. En cada número apenas cabía un capítulo, y solo se llegó a publicar la parte correspondiente al primer tomo. Recuerdo que yo compré la primera entrega, y aunque me agradó, el tipo de formato me echó para atrás.

-Tankoubon (Tomo estilo japonés): Afortunadamente Planeta le volvió a dar otra oportunidad, esta vez en un formato adecuado para una obra de larga duración como esta, y actualmente se sigue publicando (bastante cerca de la edición japonesa) a un precio de 6.95€. Aunque el precio es más que aceptable, las críticas sobre su poca robustez y su papel de calidad mediocre han sido habituales. En mi opinión la edición es bastante correcta, no tanto como algunas colecciones shonen de Norma editorial o Glenat, pero en ningún caso desaconsejable.

- Wanted!: Recopilación de historias cortas (Tankoubon): Este mismo año Planeta ha editado un tomo especial, que recopila las historias cortas que realizó Oda antes de ponerse con One Piece. Aunque obviamente no tienen la elaboración ni el refinado dibujo que alcanzó luego, son un muestra inmejorable se su estilo de humor, y constantemente está presentado personajes y elementos que luego aparecieron en One Piece. Junto con la serie regular completa toda la producción de historias de su autor. El tomo cuesta 7.95€ y es único.

No editados en España

-Data Books: Son libros repletos de datos, fichas de personajes y resúmenes de lo ocurrido en el manga (a veces completando algún pequeño trasfondo). A día de hoy en Japón se han publicado 4 (Red, Blue, Yellow, Green) y Planeta ya ha dicho varias veces que no descartan publicarlos. Con todo, no tendría más esperanzas de las justas.

-Art Books: Cinco Art books han sido publicados en Japón, recopilando las ilustraciones originales de Oda: Color Walk 1, Color Walk 2, Color Walk 3 – Lion, Eagle y Shark.

-De manera especial, también hubo una pequeña historia cross-over entre One Piece y Dragon Ball. Es una pequeña tontería pero simboliza muy bien hasta donde está llegando la repercusión de este manga.

El anime

-Ova de 1998: Seguramente como una forma de tantear el terreno, se lanzó esta sencilla OVA de corta duración, y con una historia creada desde 0. No tenía ni presentación de personajes y quedaba como una simple aventurilla sin mayor repercusión. A diferencia de la serie de TV posterior, estuvo animada por Production I.G.

-Serie de TV: En 1999 se empezó a emitir esta adaptación del manga, realizada por parte de la Toei Animation, prolífica y clásica compañía que ha adaptado desde Mazinger Z o Dragon ball, hasta la más recientes Toriko o Digimon. Actualmente sigue en antena, con gran éxito, y ya ha sobrepasado los 500 episodios emitidos.

La banda sonora es competente (aunque la llevan reciclando casi desde el principio), usa unos muy buenos dobladores y como es habitual en estas producciones tan largas, la animación oscila entre lo muy aceptable y lo terrible. También como suele ser habitual, cada X capítulos suele haber alguna saga de relleno (inventada) para dar margen al manga y poder seguir sacando un capítulo semanal.

En Estados Unidos ha pasado tristemente a la historia como uno de los trabajos de censura y alteración mas infames, en lo que a series de animación japonesa se refiere: Cambiando cigarrillos por piruletas, dándole aspecto de juguete a las armas (con colorines) o eliminando secuencias enteras y cambiando los openings/endings. Afortunadamente para el público americano, la compañía que realizó esa barbaridad (4Kids), perdió los derechos y ahora pueden seguirla en condiciones más normales.

Aquí en España ha sido emitida por varias cadenas, y actualmente se puede seguir a través del canal Boing, especializado en series de animación. Desgraciadamente se trata de una versión censurada (de forma bastante poco disimulada, pero mucho más tolerable que la Americana original), y cuenta con un doblaje con pocas voces y algunas decisiones discutibles en la traducción.

-Películas: Un total de diez películas han sido emitidas en los cines nipones desde que empezó la serie. Normalmente son historias autoconclusivas con poca o ninguna relevancia en la historia canónica. Son mucho mejores técnicamente que serie de Tv (es lo esperable), pero no todas tienen historias especialmente interesantes.

La tendencia cambio tras la película numero 7. La 8ª es una adaptación de una importante saga del Manga/Anime, resumida en 2 horas. Repitieron la misma jugada en la 9ª. Aunque el ritmo se hace algo extraño, no están mal, y toda la animación está hecha desde cero.

Con la 10ª película hubo una sorpresa, ya que el propio autor del manga se metió en la producción y colaboró en la historia, cuadrándola dentro de la cronología del anime. La película fue un éxito enorme en cines.

Merchandising

-Videojuegos: Cosa también habitual en estas cosas. A lo largo de los años han sido bastantes, y de géneros variados: lucha, plataformas, tipo juego de mesa, aventuras… y curiosamente han salido de Japón un numero respetable de ellos. No voy a extenderme sobre los que hay o deja de haber, pero hay entregas en cada generación de consolas.

-Discos, novelas, libros de arte de la serie, figuras de todo tipo, peluches… Tratándose de One Piece la pregunta sería: ¿Qué tipo de Merchandising NO tiene?

Y todo lo que añadiese ahora sería redundante, me parece. He dado mi opinión sobre los que creo que son puntos clave de esta monumental saga, y he resumido un poco el tipo de material que hay disponible. Recorrer los centros comerciales de Tokyo equivale a ver One Piece representado en todas partes. Las ventas que acarrea han provocado que todo Japonés lo conozca y muchos lo sigan (incluso adultos no aficionados habitualmente al cómic). Semejante poder de atracción está solo en poder de unos pocos cómics que surgen muy de vez en cuando, y One Piece parece destinado a ocupar una posición inalcanzable incluso para auténticos clásicos del pasado.

Estrenos de Anime Primavera/Verano/Otoño/Invierno 2010

2011-05-07T23:30:00.003+02:00

Si, prácticamente un año entero de animes. Creo que es bueno explicar porqué no he ido temporada a temporada: Cada una por separado apenas daba 3 o 4 series dignas de mención, y hoy en día todo el mundo tiene acceso a las series que se estrenan en cada época con solo buscar en google “Estrenos anime” + la estación en cuestión.

En este post voy a destacar 3 o 4 animes de cada temporada. Y no voy a mentir, fue un año MUY flojo, tanto… que se quitaban un poco las ganas de escribir nada. Estoy incluyendo alguna cosa que ha tenido bastante éxito aunque no me hayan convencido realmente, y de momento excluyo esta temporada de primavera que acaba de empezar, ya que no he tenido tiempo de revisarla en condiciones aún (pero parece bastante decente).

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Angel Beats

Con la gente de Key detrás (Kanon, Clannad, Air) se presentaba esta serie como una de las grandes promesas del año.

El protagonista se despierta en medio de un instituto, y se entera de que ha muerto y esta en una especie de purgatorio donde para sobrevivir deben enfrentarse a un ángel. Capitulo tras capitulo veremos a esta agrupación de estudiantes luchar por seguir siendo ellos mismos.

Personajes atractivos, un gran sentido del humor, buena animación y una gran banda sonora deslumbraban en sus primeros episodios. Desgraciadamente se queda corta, muchos personajes quedan sin desarrollar y las “explicaciones” se quedan a medio gas. Una pena que no llegase a explotar su potencial.

Tatami Galaxy (Yojōhan Shinwa Taikei)

La nueva maravilla de Masaaki Yuasa (Kaiba, Mindgame), conserva todo su estilo habitual: diseños un tanto estrafalarios, un ritmo demencial, y saltos narrativos por doquier.

La serie sigue a un adolescente y como evoluciona su vida según las decisiones que tomó en el instituto, presentándonos una serie de “universos alternativos”. De lo mejorcito del año sin duda, vibrante y colorida.

Arakawa under the bridge

Un hombre de negocios es salvado de morir por una indigente que vive bajo un puente. Sus principios le impiden estar en deuda con alguien, así que accede a hacer algo a cambio de ella. El problema es que ella decide que lo que quiere es que él se enamore de ella, así que le obliga a irse a vivir con ella bajo el puente. La vida allí es más viva de lo que parece, y se topará con vecinos cada vez más extraños que parecen haberle dado la espalda al mundo real.

Es una serie muy divertida, repleta de personajes pintorescos, y que se termina rápido. Muy agradable.

House of five leaves (Sarai-ya Goyou)

Sigue los pasos de un tímido Ronin, experto espadachín, pero que siempre acaba despedido. Al comienzo de la serie se plantea aceptar un trabajo como guardaespaldas del misterioso grupo de “las cinco hojas”.

Con un estilo visual bastante peculiar, esta pequeña serie de 12 episodios aporta un punto de vista sobre la época medieval japonesa bastante interesante. Recomendable.

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Shi Ki

Es una serie de terror/misterio sobre las sucesivas muertes que se van produciendo en una pequeña localidad, bastante aislada del mundo exterior.

No puedo opinar con fundamente ya que aún estoy pendiente de verla entera, pero el primer par de episodios han sido de muy buena calidad, y la ambientación es espectacular. Espero que no defraude más adelante.

Highschool of the dead

Adaptación del popular cómic de zombis (y señoritas pechugonas, también). La historia… pues bueno: estudiantes y zombis… supongo que el título no prometía nada más.

En su favor hay que decir que tiene un nivel de producción bastante bueno, y ha tenido un público bastante entusiasta. Pero es el típico producto solo apto para aficionados a los muertos vivientes más o menos típicos, y a toneladas de fanservice.

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Shinryaku! Ika Musume

Es una simpática serie de humor, donde una chica-calamar llamada Ika Musume jura que dominará el mundo, aunque tendrá que posponerlo debido a los destrozos que causa en un restaurante.

Es sencilla, directa y muy agradable. Los chistes no siempre funcionan y algunos personajes son algo típicos, pero cuando funciona bien es de las mejores comedias del año.

My little sister can’t be this cute (Ore no Imōto ga Konna ni Kawaii Wake ga Nai)

Uno de los fenómenos del 2010. Un tópico de los videojuegos de citas japoneses suele ser el poder elegir quedarte con la hermana del protagonista, aunque suene (y sea) bastante discutible.

La serie coge esa temática y le da la vuelta: el protagonista es un estudiante normal y su hermana está enganchada a ese tipo de juegos. Episodio tras episodio veremos como va arrastrando a su hermano a ese mundillo “otaku”, siempre con mucho sentido del humor, generalmente auto-referencial con el propio mundillo. Funciona bastante bien, la verdad.

Panty & Stocking with Garterbelt

Una de las propuestas arriesgadas, obra de Hiroyuki Imaishi (Flcl, Dead leaves, Tengen toppa gurren lagann) apostaba por un estilo visual reminiscente de cartoons americanos tipo Cartoon Network.

Sigue los pasos de dos ángeles que se dedican a exterminar fantasmas y demonios. Panty es un ángel liberal que siempre va buscando sexo y usa como arma sus bragas. Stocking por su parte, es una apasionada de los dulces, es un poco gótica, usa de arma sus medias.

Visualmente es arrebatadora y tiene un ritmo endiablado, pero su obsceno y chabacano sentido del humor son en cierta forma su talón de aquiles. A veces parece como si los guiones estuviesen escritos por chavales de 14 años mientras se toman unas cervezas. Reconozco que yo no pasé del episodio 4.

Kuragehime (Jellyfish Princess)

Realizada para el programa Noitamina donde se suelen emitir productos de tono más adulto del habitual, es una serie corta (11 eps) sobre un edificio habitado por mujeres otaku. La protagonista adora las medusas, y acoge en su apartamento a un hombre (travestido. el edificio es solo para mujeres) que le ayuda a rescatar una medusa.

Y así continúa la serie, con las vivencias de sus pintorescos personajes y un tono muy agradable. Sigo agradeciendo mucho el tono inteligente y maduro que suele tener Noitamina.

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Puella Magi Madoka Magica (Mahou Shoujo Madoka Magica)

De esta hablaré en profundidad en breve, pero surgió como un proyecto repleto de nombres importantes, y se ha convertido en todo un fenómeno. Tome de referencia un género tan manido como las “magical girls” y le da una vuelta completa.

Fractale

Para mi ha sido uno de los mayores errores de los últimos años. Tiene una gran premisa y es preciosa estéticamente, pero ha sido incapaz de estar a la altura de sus propias promesas. Narra como un chico parte a la búsqueda de una misteriosa chica que desapareció dejando un colgante.

La idea de fondo es buena, pues representa un mundo de ciencia ficción utópico que gira en torno al “Sistema fractale” compuesto por un numero demencial de ordenadores y donde el contacto entre seres humanos hace tiempo que dejó de ser lo que era.

Su gran problema, como digo, es que tras unos primeros episodios que prometen mucho, acaba cayendo en clichés, fanservice (¿porqué en una serie así? Es inexplicable) y las respuesta que da a interesantes premisas son tan pueriles y a veces incoherentes que derrumban todo el conjunto. El haber modificado su aspecto visual respecto al manga, para asemejarse a un estilo casi Ghibli tampoco es un acierto, porque hace que el resultado sea mas decepcionante aún.

Level E

Adaptación del manga de ciencia ficción de Yoshihiro Tohashi, publicado en su día en España por la editorial Planeta. Es una curiosa historia de un príncipe de otro planeta que disfruta usando su inteligencia superior para atormentar a los que le rodean.

Es difícil de clasificar, pero tiene un aspecto visual muy distintivo, es una historia que empieza y acaba en 13 episodios (solo hubo 3 tomos del manga) y que oscila entre la ciencia ficción y la comedia sin ningún tipo de complejo.

Wandering Son (Hourou Musuko)

Es una serie un tanto polémica, porque sigue las vivencias de un joven estudiante que quiere ser mujer y acostumbra incluso a vestirse como tal llegado un momento. Capitulo a capitulo iremos viendo sus dudas y su relación con una compañera de aspecto y actitud muy masculina. Vamos que si, va fundamentalmente de dos adolescentes con problemas de identidad sexual.

No puedo decir que sea una serie que me interese demasiado, pero está realizada con muy buen gusto, y esquiva de manera bastante hábil el chiste fácil o el fanservice gratuito. Por contra, la imagen de los personajes no siempre parece casar con el tipo de frases que ponen en su boca, y los momentos sentimentales muchas veces no acaban de quedar demasiado creíbles (quizás por la edad de los personajes). Desde luego no es una serie que pueda interesar a todo el mundo.

Osamu Dezaki (1943-2011)

2011-04-22T20:38:00.002+02:00

El pasado día 17 murió el gran Osamu Dezaki a la edad de 67 años de un cáncer pulmonar. Es probable que a día de hoy el aficionado al Anime más joven ni le conozca, pero su trayectoria es incomensurable y ha sido por mucho tiempo uno de mis directores favoritos.

En 1963 fue uno de los muchos jóvenes que entró a formar parte de Mushi productions (la productora de animación de Osamu Tezuka) y trabajó en labores muy diversas en series como Astroboy o Dororo.

En 1970 pasó a las labores de dirección en su primera serie: Ashita no Joe (Joe del mañana), probablemente la más célebre serie de animación de boxeo que se ha hecho en Japón, basada en el manga de Asao Takamori y Tetsuya Chiba. La serie ya contiene todo ese estilo visual tan personal que caracterizaba todo lo que dirigía: imágenes divididas, ilustraciones estáticas para resaltar momentos cumbres, o efectos de sonido de relámpagos en momentos impactantes. Dezaki además escribió la serie, que finalizó tras 79 episodios.

A partir de ahí la lista de sus trabajos es absolutamente demencial. Dejo una lista de sus obras más importantes.

Serie TV - Aim for the ace! 1973 (Raqueta de oro, en Español), así como su película, y unas ovas a finales de los 80, fue una de esas series que tuvo éxito en Europa, aunque nos llegó algo más tarde.

Serie TV - Gamba no Boken 1975 (Las aventuras de Gamba)

Serie TV – Remi: sin familia 1977, adaptación de la novela de Hector Malot.

Serie TV -Takarajima 1978 (La isla del tesoro), adaptación de la novela de Stevenson que fue emitida por Europa. 25 episodios.

Series TV/Película - Space Adventure Cobra 1982, tanto la película como la serie de 31 episodios, que adaptaban la obra original de Buichi Terasawa.

Película / Ova - Golgo 13: El profesional 1983/ Golgo 13: Queen Bee, dos adaptaciones del mítico cómic de Takao Saito, que llegaron con la primera gran oledada de Anime a occidente de la mano de Akira y similares en los 80.

Serie Tv - Orbots 1984, una corta serie de mechas de solo 13 episodios.

Ova - One Pound Gospel 1988, adaptación del popular manga de Rumiko Takahashi sobre la relación entre un boxeador y una monja.

Serie Tv - Oniisama e 1991, adaptación de un celebre manga de Riyoko Ikeda (La rosa de Versalles), que también tuvo presencia en occidente.

Ova / Película - Black Jack 1993… hasta 2000. Una serie de 10 ovas, más una película publicada en el 2005, adaptando el inmortal personaje de Osamu Tezuka. Posiblemente lo mejor que se ha hecho con el personaje y una de las cumbres del estilo de Dezaki.

Serie TV - In the beginning… (Historias de la biblia) 1997, adaptación del antiguo testamento, que había sido planificada originalmente por Osamu Tezuka y que tuvo distribución europea.

Serie Tv - Hakugei: Legend of the Moby Dick 1997, una estupenda adaptación de la historia de Moby Dick, ambientada en el espacio.

Peliculas - Hamtaro: Películas 1-4, del 2001 al 2004.

Serie Tv -The snow Queen (La reina de las nieves) 2005, adaptación del clásico cuento de hadas de Andersen.

Peliculas - Air 2005 / Clannad 2007, dos películas adaptando las historias de dos populares juegos de Pc. Ambas tuvieron también adaptaciones en forma de Serie por parte de Kyoto Animation.

Serie Tv - Genji Monogatari Sennenki 2009, su última serie, adaptado el que es posiblemente el mayor clásico de la literatura clásica japonesa.

También dirigió 5 especiales de TV de Lupin III, en diferentes años.

Como se puede ver, una carrera larga, plagada de grandes series y películas, y todo ello siempre hecho con un gran sentido narrativo y personalidad. En cuanto uno ha visto varias de sus series, identifica perfectamente su estilo y lo reconoce haga lo que haga.

Descanse en paz uno de los grandes, que desgraciadamente no ha gozado en occidente del reconocimiento que seguramente merecía.

Actualizando el Blog

2011-02-16T19:53:00.004+01:00

Pues gracias al comentario de uno de los lectores del Blog, me he dado cuenta de lo anticuado y erróneo del aspecto que tenía el blog.

Lo creé ya hace años y el aspecto visual era lo que menos me interesaba. Como actualizo a través de un programa externo, no había reparado todavía en lo necesaria que era una pequeña actualización.

El fondo negro con letras blancas, podía resultar molesto a algunas personas, así que he añadido un pequeño fondo gris oscuro en la zona del texto, y he puesto las fuentes de un color gris muy claro, para que el contraste no sea tan exagerado como antes. Como se puede ver, sigue teniendo una linea muy parecida al antiguo diseño, pero a la vez es más agradable a la vista. Aunque alguno no notará la diferencia si lee el blog mediante RSS.

Y sobre actualizaciones de contenido: El tema de novedades de manga en España está exageradamente parado, recurriré a algún comentario de series antiguas, pero ya digo que el panorama es un poco triste. Sobre Anime si que tengo preparadas unas cuantas críticas.

Espero que guste el nuevo diseño. Nos leemos ne breve.

Anime en Blu-ray, ediciones en España

2011-01-31T23:28:00.001+01:00

El año 2010 ha sido uno con bastantes cambios. Por un lado hemos tenido los problemas editoriales que muchos ya conocen, con un numero de tomos y novedades muy inferiores a los de otros años, y por otro la oferta de anime seguía un poco a medio gas, aguantando gracias a Selecta-Visión, Aurum (Ghibli) y en muy menor medida, Anime Project.

Pero en general, animación aparte, ha sido el año de la consolidación evidente del formato Blu-Ray. Por un lado reproductores a precios asequibles (inferiores a 100€ ya hay unos cuantos, y en determinadas ofertas incluyendo una buena cantidad de títulos) y por el otro todas las novedades importantes, y algunos clásicos, ya están siendo editados a la vez que en dvd. Una idea que está proliferando bastante es el incluir la versión en dvd, como añadido en la edición en blu-ray, fomentando así que muchos aficionados al dvd puedan ir adelantando terreno incluso antes de la compra de un reproductor. En Japón sin ir más lejos, el mercado blu-ray ya mueve más unidades que el del Dvd, si bien es cierto que allí se adaptan a los nuevos formatos con una rapidez envidiable.

¿Y esto se ha notado en nuestro mercado de Anime? Pues contrariamente a lo que yo pensaba, rotundamente si. Selecta-visión sobre todo se ha puesto las pilas y ha editado bastante material, a veces incluso antes que en el resto de Europa, cosa bastante sorprendente.

Por parte de Aurum tenemos lo poco que se puede sacar de Ghibli ahora mismo en Blu-Ray: Ponyo en el acantilado, y Nausicaä del valle del viento. La más reciente y la primera película del estudio Ghibli (a falta de que nos llegue Arrietty). Ambos cuentan con una calidad de imagen espectacular, especialmente Ponyo, y están al mismo nivel que otras ediciones que hay en otros países. Ponyo se pudo comprar durante un par de meses a 11,95€ en la Fnac, pero hoy en día están al precio oficial (aunque estamos en periodo de rebajas y salen más baratos, claro) de 20€ y 25€ respectivamente.

En Japón han empezado a sacar el resto de películas en el nuevo formato, así que es de esperar que vayan llegando poco a poco. Eso si, no llevan un ritmo muy alto, y solo van a sacar unas pocas cada año.

Por parte de Sony, y editadas ya hace un tiempecito, Paprika (del gran Satoshi Kon) y Tekkokinkreet, también a precios similares. Anime project ya ha indicado que editará Fate/Stay night en blu-ray tarde o temprano, porque tienen los derechos. Y Warner tiene ediciones de Animatrix y de Batman: Guardián de Gotham.

Lo cual nos deja con Selecta. Voy a enumerar así por encima lo que ha ido publicando para tenerlo más o menos claro:

Serie TV -Saint Seiya: Lost Canvas –> Recién salida en Japón, Selecta la ha editado a la velocidad del rayo en 3 blu-rays.

Serie TV -Mazinger Z (la serie moderna del 2009) –> Editada en 6 blu-rays individuales, uan vez más, empezó a publicarse a los pocos meses de finalizar en Japón.

Películas – Evangelion 1.11 / Evangelion 2.22 –> Publicadas en España con apenas un año de margen entre la primera y la segunda. Evangelion en España vende, y se nota, esta actualización/remake de Hideaki Anno no escatima en medios y es espectacular.

Peliculas – The sky Crawlers / Ghost in the Shell 2: Innocence –> Dos de las últimas películas del maestro Mamoru Oshii han sido editadas con abundantes extras, cosa siempre algo extraña conociendo como son los japoneses.

Pelicula – The Sword of Stranger –Muy reciente película del estudio Bones, y posiblemente una de las mejores producciones “de época” que se han hecho en los últimos años, con una animación espectacular.

Película - La chica que saltaba a través del tiempo – Una de las producciones más premiadas y celebradas de los últimos años. Dirigida por Mamoru Hosoda, el nuevo gran valor de la industria nipona.

Sobre todas estas, que las he probado de primera mano (tengo todas, salvo Mazinger Z, y espero dar mi opinión tarde o temprano), decir que son ediciones magníficas, con una calidad de imagen y sonido muy acorde a lo exigible en este nuevo formato. Además en algunos casos cuentan con extras más o menos apañados, cosa no siempre posible en este tipo de cosas.

En los próximos meses editarán también Ghost in the shell 2.0 (remasterización con añadidos, supervisada por el propio director, de la mítica Ghost in the shell original) y la siempre presente Akira, que nunca falta a la cita con los nuevos formatos.

¿Lo negativo? Pues lo de siempre, que nuestro mercado es muy pequeño, y las pequeñas distribuidoras tienen dificultades siempre con los precios. Empezaron con un precio de 30€, que es de justicia decir que era el “standard” hace cosa de año y medio, pero desde entonces han cambiado muchos las cosas, y muchos blu-rays salen a precios inferiores a 20€ ya (Warner por ejemplo ha rebajado una buena tanda a 12€). Es cierto que Selecta ha rebajado el precio normal a 25€ y ha añadido un dvd con la película para los indecisos del formato, pero sigue siendo un precio “top” de mercado.

De todas formas se trata de Selecta-Visión, así que seguramente en un par de años haya reediciones de todas estas películas a precios mas reducidos, así como Packs de las series mucho mas asequibles. Llevan ya bastante tiempo con esta política en Dvds, y me extrañaría que no lo hiciesen en Blu-Ray. Soy consciente de que el formato dista bastante de estar implementado ya en el mercado, así que los mas tempraneros nos estamos comiendo precios superiores a los que habrá en un par de años.

Una pregunta que me hacen bastante es… ¿Pero de verdad se gana tanto? Por supuesto todo esto son cuestiones totalmente personales, pero ahí van toda una serie de cosas que yo creo que compensan:

1.- Calidad audiovisual: Esta es obvia, supongo. El formato Dvd ha estado con nosotros ya 12 años y en este tiempo las técnicas de compresión han mejorado una barbaridad. Así que tenemos una mezcla explosiva: Discos con hasta 50 Gb de capacidad frente a 8.5 Gb, con una calidad de compresión muchísimo mejor y más eficiente, y una resolución mucho mayor: 1920x1080.

2.- Se ha producido por fin una unificación de formatos de imagen. O lo que es lo mismo: desaparece la distinción PAL / NTSC. Aunque a mucha gente le pueda sorprender, desde siempre, por el estándar PAL que teníamos, estábamos viendo las películas a más velocidad que los Americanos o Japoneses, porque el formato PAL va a mas imágenes por segundos. Así una película que se rodó para durar 2 horas, en España duraba 1 horas y 55 minutos.

No solo se alteraba la banda sonora (se escuchaba un pelín mas aguda) y los diálogos, sino que había que hacer una conversión a PAL que no siempre quedaba bien. En anime era común ver tirones en la imagen cuando había planos en movimiento, o imágenes dobles o entrelazadas, todo ello culpa de malas conversiones. Todo eso desaparece en el formato blu-ray (aunque debería haberlo hecho hace mucho tiempo).

3.- A diferencia del paso del VHS al DVD, los reproductores de Blu-Ray también son compatibles con DVD, y suelen realizar un reescalado de los mismos de forma más competente. Es decir, no se trata de un “tiro mis Dvds a la basura porque ha llegado el nuevo formato”, sino que se han preocupado de que se pueda ir adoptando progresivamente.

4.- Las películas de animación, debido a su colorido y líneas de contorno, salen especialmente beneficiadas. Aunque es cierto que hay que matizar que hablo de películas grabadas para cine. En el caso de viejas grabaciones para TV la cosa se complica porque ya de por si se quedaban por debajo de lo que un Dvd podía ofrecer muchas veces, por una mala conservación o por haber grabado en video (como es el triste caso de muchas viejas series de la BBC británica).

¿Eso quiere decir que el material antiguo se verá mal? No. Hay muchos casos recientes de películas y series con bastante edad que se ven espectaculares, porque se han hecho los deberes como se debían: se conservaron bien los materiales y se ha remasterizado en condiciones.

Por supuesto hay más cosas positivas, pero estas son las que para mi son decisivas. Por ejemplo aquellos con equipos potentes de sonido multicanal salen también muy beneficiados (por la menos compresión), y los discos tienen soporte Java lo que permite unos menús y presentación mucho más atractiva…. en fin, la lista es bastante extensa.

Y aunque alguno crea que todo esto le va a venir mal, la realidad es muy diferente. A día de hoy las novedades siguen saliendo en DVD. No estamos en una situación de “o lo tomas o lo dejas”. Aun así creo que todo buen amante del cine en casa, que gusta de coleccionar sus películas favoritas y exige una calidad máxima, creerá oportuno dar el salto antes o después.

La desaparición de Suzumiya Haruhi (Película) y la saga en general.

2010-12-31T18:51:00.002+01:00

Mucho he aplazado todo lo que rodea a este absoluto fenómeno de masas, pero la verdad es que tenía serias dificultades para abordarlo. La publicación en Japón de la esperada película “La desaparición de Suzumiya Haruhi” me da pie a hacer una pequeña reseña.

No voy a extenderme de forma excesiva esta vez porque sobre todo quiero reseñar la película que salió este año. Pero de paso, voy a comentar la saga en general para situar la película en su contexto. (aceptad la imagen que hay bajo este párrafo a modo de felicitación navideña :P)

Un poquito de información

Esta saga narra las desventuras de Kyon, un adolescente normal que vive su rutinaria vida de instituto. O al menos eso parecía hasta que entró en su vida Haruhi Suzumiya, la chica más rara de la clase. Haruhi no está para nada interesada en la vida normal y corriente, solo le interesan las cosas extrañas y sorprendentes: viejos temporales, alienígenas o personas con poderes especiales. Y para ello funda la brigada S.O.S. arrastrando a Kyon de paso con ella.

La serie aglutina muchos valores en uno: por un lado va de estudiantes, pero por otro lado su premisa permite todo tipo de elementos de ciencia ficción. Sin destripar demasiado diré, que todos los personajes que se reúnen en la brigada S.O.S. son muy peculiares, que el objetivo de todos ellos es observar y controlar esa especie de huracán descontrolado que es Haruhi Suzumiya. Pero, ¿Quien es realmente Haruhi? A esa pregunta probablemente cada uno de ellos de una respuesta diferente, pero todos estarán de acuerdo en que es algo único en el universo. Se trata de una serie con un componente fantástico y de ciencia ficción muy fuerte.

Originariamente una saga de novelas ligeras de bastante éxito, Suzumiya Haruhi se difundió a nivel mundial gracias a la adaptación animada llevada a cabo por Kyoto Animation. No obstante, voy a abarcar las tres formas fundamentales en que se puede seguir esta historia.

1.-Las novelas.

Hace unos años me habría parecido un milagro, pero finalmente una editorial española (Ivrea) se ha animado a editar las novelas originales en España. Este enero sale en Japón la 10ª, mientras en España se acaba de publicar la 4ª.

Se trata de novelas ligeras, con un lenguaje bastante sencillo y abundancia de diálogos. Las ilustraciones que las acompañan son obra de Noizi Ito, artista conocida también por Shakugan no Shana.

La edición española esta cumpliendo bastante bien, pero están equivocándose bastante con las portadas. Cada novela que sale tiene un diseño de portada que rompe con los anteriores, y no da sensación de colección real. El precio es bastante adecuado: 9,95€. Para mi gusto, es la mejor opción.

2.- La serie de TV

Kyoto Animation (Air Tv, Kanon, Clannad, Lucky Star, K-on!) se encargó de animar las primeras novelas en una serie de 14 episodios, convirtiendo la historia en uno de los mayores éxitos de los últimos años.

A su espectacular estilo de animación habitual (técnicamente, es de los mejores estudios que hay en Japón), se sumó una forma de narrar dinámica y bastante curiosa: alteraron el orden de la historia original. Una de las primeras cosas que uno ve es a los personajes… antes siquiera de ser presentados, debido a la alteración temporal que hicieron.

Tras la primera temporada, en la que adaptaron la primera novela, y parte de la segunda y tercera, pasaron años sin animar nuevo material de la saga.

Todo cambió en el 2009, cuando salió una segunda temporada de otros 14 episodios. Es difícil llamarlo así, porque realmente solo rellena las partes de historia no adaptadas en la primera, hasta completar las tres primeras novelas. El resultado final es realmente una serie de 28 episodios que transcurren de forma cronológicamente normal (a diferencia de la primera temporada vista por separado).

Esta segunda temporada adaptaba cosas un tanto menores, a mi modo de ver, y estuvo un poco lejos de la primera. Sin embargo era imprescindible si se quería hacer una película de la 4ª novela, como fue el caso este año.

3.- El manga

Ivrea también está publicando el manga, que acumula ya 11 tomos en Japón. Es una narración muy fiel a las novelas originales, y va una a una tomándose el tiempo necesario. Desgraciadamente es la peor opción de las 3, visualmente no está a la altura de la serie de TV, y narrativamente su autor se queda un poco a medio camino. Es una adaptación algo desangelada.

La película

Las expectativas levantadas por esta película han sido astronómicas. Desde que se anunció hasta su estreno en cines toda información que salía era mirada con lupa. A pocos extrañó la decisión de adaptarla en forma de película, porque la 4ª novela es unitaria en el sentido de que es una única historia (las otras 3 novelas incluyen diferentes “aventuras”) bastante larga.

Además, se trata posiblemente de la mejor historia de toda la saga (hasta el momento, al menos) y es muy querida por los fans. El salto al cine prometía una calidad de animación brutal (y cumplió). Tras la algo decepcionante segunda temporada, parecía que por fin los aficionados iban a tener algo a la altura de lo esperado.

La premisa es que la brigada S.O.S. está preparándose para hacer una celebración navideña en el propio recinto de la escuela. Pero un buen día Kyon se levanta, va al instituto y se encuentra con que la brigada S.O.S. no existe, nadie conoce a Suzumiya Haruhi, y los que eran sus amigos, no parecen reconocerle. Algo ha cambiado en el mundo, y Kyon debe descubrir que ha pasado y solucionarlo.

Más de dos horas y media de película, para narrar una compleja historia de realidades cambiadas y viajes en el tiempo, tremendamente vibrante y divertida. El mérito es doble, ya que no solo no aburre ni un solo momento a pesar de su duración, sino que se detiene en no pocas ocasiones a profundizar en algunos personajes (sobre todo Kyon y Yuki) mucho más de lo que nunca hizo la serie de TV.

Como ya he dicho es una de las producciones mejor animadas del año, con una magnífica planificación y una atención al detalle apabullante, además de una fluidez en la animación que pocos estudios japoneses son capaces de lograr. En su parte final muchos incluso recordarán (como yo) agradables sensaciones de cuando vieron Neon Génesis Evangelion por primera vez.

Con esta película el año se cierra de la mejor forma posible. Si las series de TV no parecen en general andar en su mejor momento, películas como esta, Evangelion 2.22 o Macross Frontier demuestran a las claras la calidad que la industria japonesa puede lograr cuando se pone la pilas.

Dejo un enlace al tráiler de la película en Español, para los interesados: http://www.youtube.com/watch?v=B-JFZNOgFJ8

KITARO – Shigeru Mizuki

2010-12-09T03:23:00.002+01:00

Uno de los grandes lanzamientos del panorama manga en España este año ha sido “Gegege no Kitaro”, publicado por Astiberri en el pasado Salón del Manga de Barcelona.

El cómic llevaba ya anunciado mucho tiempo. Previamente nos había llegado “Hitler, la novela gráfica” por parte de Glénat y “Operación Muerte”/”NonNonBa” por parte de la propia Astiberri. Así que su autor, Shigeru Mizuki, ya estaba más que bien presentado en España, pero faltaba su obra más emblemática: Gegege no Kitaro.

Kitaro es un clásico indiscutible, una de esas historias que uno verá referenciadas una y otra vez en montones de sitios, uno de esos cómics que caló tan hondo en la población japonesa que ya forma parte de su propia cultura y todo el mundo lo reconoce. La verdad es que me costaba imaginar que esto llegase a ser editado en España, pero afortunadamente así ha sido.

El protagonista, Kitaro, es un descendiente de un largo linaje de “fantasmas japoneses” que a lo largo del cómic acostumbra a usar sus habilidades para mediar entre los humanos y los fantasmas y espíritus. Según se plantea, antes de la existencia de los seres humanos, había toda una población de Yokais (demonios, espiritus, fantasmas… es difícil de traducir) que fueron desplazados por el hombre cuando comenzó a expandirse por el mundo. Así pues, no son malos de por si, sino que hay de todos los tipos e intenciones. Por norma general las historias siguen a Kitaro tratando de mediar en algún conflicto entre ambos lados.

La inmensa fama que tiene se debe a muchas cosas, por un lado a los carismáticos personajes, y por otro a la reinterpretación que hace de montones de Yokais del folklore japonés. Hay páginas de una imaginación desbordante, a veces con ligeros toques de terror, pero siempre muy agradables de leer.

El estilo visual de Mizuki es fabuloso, cada personaje tiene un diseño tremendamente cautivador y es capaz de realizar viñetas con un detalle bastante sorprendente a veces. Los personajes tienen un toque caricaturesco muy llamativo, y tienden a ser exageradamente expresivos.

Muchos al ver alguna de las imágenes que acompañan esta entrada reconocerán el personaje, o les recordará algo. Ya digo que su presencia en los medios japoneses es muy habitual. Personajes como Manta Oyamada (Shaman King) o Ginko (Mushi-shi) son claramente homenajes nada disimulados a la gran creación de Mizuki.

Kitaro tuvo dos serializaciones. Por un lado la original “Hakaba Kitaro” (Kitaro del cementerio) en el año 59 para tiendas de alquiler de cómics, y posteriormente la versión que más celebre se ha hecho, en 1966: “Gegege no Kitaro”. La que nos ofrece Astiberri es la del 66, como bien reflejan las fechas de publicación de cada capítulo.

Hakaba Kitaro tenía un tono bastante mas oscuro y crudo. Aquellos interesados en comparar, pueden ver la adaptación animada que se hizo en el año 2008 con ése titulo (Hakaba Kitaro) y que adapta fielmente la publicación original en 11 episodios. Es un anime de muy alta calidad pero muy enfocado al público más adulto.

La edición que nos ofrece Astiberri ha sido y será objeto de polémica. Tiene un tamaño muy similar al de los cómics de Jiro Taniguchi editados por Ponent Mon, pero con un papel notablemente peor, con un ligero color amarillo y algo transparente. No lleva sobrecubierta y respeta el sentido de lectura oriental. Bajo el punto de vista del que escribe la edición sería simplemente correcta, si no fuese por el desorbitado precio: 18€. No se trata de un cómic autoconclusivo, y en Japón siempre se ha publicado siempre muy enfocado al público juvenil… semejante formato y precio no parecen adecuados para un cómic de publicación regular. Panini sin ir mas lejos está editando cosas en ese tamaño (Ikigami, Abara) con mejor papel, encuadernación y sobrecubiertas y no llegan a los 10€ de precio.

No se muy bien como le saldrá el asunto a Astiberri pero corren como muchas otras editoriales el riesgo de quedarse en territorio de nadie. Es demasiado japonés para gustar al aficionado más generalista (y está editado en sentido oriental), y el público mas consumidor de manga 1º) Suele pasar de los clásicos, y 2º) El desmedido precio es impropio para el tipo de productos que suelen comprar. También es bastante extraño que hayan decidido optar por una portadilla interior para la portada principal, que da una sensación bastante diferente al cómic en sí, en vez de elegir la portada original real.

Yo trataré de seguirla asiduamente porque es una absoluta maravilla. Pero la verdad es que no se muy bien cuantos estarán dispuesto a pasar por caja. Astiberri aún no ha anunciado nada relativo al segundo tomo, ni ha dado ningún tipo de periodicidad tampoco.

Por último, sobre las adaptaciones animadas de Kitaro, hay muchas, y darían para escribir varias entradas enteas. Yo solo he podido ver algunos sueltos. En los 60 y los 70 hubo dos dirigidas por Isao Takahata, y desde entonces se ha vuelvo a realizar en los 80, en los 90 y en la primera década del siglo XXI. En todas ellas ha estado involucrada la Toei Animation, y el personaje nunca llega a perder su popularidad. Se le mantiene casi siempre en antena y se trata de hacer accesible a cada nueva generación.

Como nota curiosa, hasta ha tenido dos adaptaciones en acción real, ambas dirigidas por Katsuhide Motoki, estrenadas en los años 2007 y 2008, aunque desconozco su calidad.

Por cierto, ¿De donde viene lo de “Gegege”? Si la información que he visto por internet es correcta, no viene del comic original (Hakaba Kitaro) sino de la primera adaptación animada. Se trata de la cancioncilla que los espíritus cantan para ensalzar los logros del bueno de Kitaro. Cada anime que ha salido ha tenido este mismo tema al comenzar, y es una de las canciones de anime mas conocidas en Japón. Dejo la introducción de aquel primer anime:

Tegami Bachi (Letter Bee)

2010-11-25T21:47:00.001+01:00

El Manga

El pasado Salón del Manga de Barcelona trajo bastantes novedades en materia de cómics, como suele ser habitual. Desgraciadamente a título personal, han sido pocas las cosas que me han interesado realmente.

Tegami Bachi es una de esas excepción. Alguno recordará a su autor, Hiroyuki Asada, por “Renka”, editada hace años por Planeta, o por sus contribuciones a “Robot”, publicada por Glénat. Con todo, es su primer manga de larga duración y seguramente ya es su obra más reconocible.

Se trata de un Shonen en toda regla, cosa que seguramente puede hacer recular a más de uno. Afortunadamente se aleja un poco de las dos corrientes mayoritarias de “Seré el tipo más fuerte del universo” y “¿Que hago yo rodeado de tantas mujeres?”, y ofrece una historia muy aventurera plagada de pequeñas historias personales y una sensacional ambientación.

El paralelismo más rápido que podría hacerse sería con Kino no Tabi/Kino´s Journey, por el protagonista viajando por diferentes países y enfrentado a diferentes historias. Tienen un tono bastante similar (muy recomendable la serie de Kino no Tabi a quien le guste Tegami Bachi).

La historia transcurre en un mundo en perpetua oscuridad que esta dividido en tres grandes regiones concéntricas separadas por rios. Solo en las ciudades se puede vivir de forma normal (gracias a un sol artificial que hay en la ciudad central). Los caminos que hay entre ciudades y pueblos son zonas oscuras y peligrosas, viajar entre ellas es complicado. Ahí es donde la figura de los Letter Bee (Carta abeja) se hacen fundamentales: son los mensajeros que se encargan de viajar entre ellas, y los únicos capaces de enfrentarse a los enormes insectos que pueblan el mundo. El protagonista es un chaval que está empezando en la profesión y quiere llegar a lo más alto para poder entrar en la ciudad central, donde cree que podría estar su madre.

Si algo destaca por encima de todo lo demás es el dibujo de Asada y la ambientación que rodea a los personajes. La luz juega constantemente un papel importante dando un halo semi-poético a algunas escenas. Se aprecia (y agradece) un gran intento de crear un mundo coherente y original. Posiblemente lo más cuestionable es su tendencia a algunos momentos lacrimógenos, y que el protagonista tiene una tendencia a los lloros a veces algo desconcertante.

Por lo demás no me parece un cómic imprescindible. Es interesante, bien hecho, con algunos destellos de originalidad, aunque por momentos cae demasiado del lado melodramático. Yo lo sigo porque su ambientación me encanta y es casi un oasis entre tanto Shonen genérico de que está inundado últimamente Japón. Asada es un portento dibujando.

El Anime

No voy a dedicarle mucho espacio a la adaptación animada porque viendo que estaba anunciado para España, apenas vi unos pocos episodios.

Por un lado se publicó una OVA a finales del 2008 de media hora, a modo de capitulo especial. Después en el 2009 salió una temporada de 26 episodios, y este 2010 ha salido una segunda temporada.

Todas ellas cuentan con un apartado visual muy competente, en línea con el manga y siguen la historia de forma relativamente fiel. Con todo, hay dos cosas que me escaman bastante:

1.- El uso de ordenador para mostrar a los insectos gigantes, que desentona un montón.

2.-El hecho de que al ser un manga en curso, el anime recurre a material propio, “relleno” vamos. Aunque no es de mala calidad por lo visto, alarga todavía más una historia que aun está en curso. Es un shonen que parece que va para largo, y el anime corre un gran riesgo añadiendo ese “relleno”.

Por lo demás, es una producción animada más que correcta.

Hideshi Hino (IV)

2010-10-29T14:17:00.002+02:00

Se acerca Halloween, y se acerca Hideshi Hino a España de nuevo con motivo del Salón del Manga de Barcelona de este año, exposición incluida. La Cúpula lleva ya 5 años editando sus obras a razón de dos volúmenes anuales y no parece que vaya a cerrar el grifo en breve.

Esta es ya la 4ª entrega (Partes: 1ª, 2ª y 3ª) de reseñas de Hino que hago, pero no se me ocurría nada más apropiado en esta época del año. Estas cuatro obras han sido publicadas en estos últimos dos años, a 10.95€ cada una.

Galeria de horrores

Siete historias cortas, ambientadas temáticamente en torno a siete colores diferentes. Lo de los colores es un poco excusa, ya que las historias no tienen nada en común y a veces queda bastante forzado.

Es una selección bastante irregular, con algunas historias bastante decepcionantes (especialmente los colores blanco/nieve, verde/arbol y negro/cuervos).

Obviamente no todo es despreciable: El color azul nos muestra a una niña pequeña que ve un niño muerto en una ciénaga, y empieza a verse acosada por él en sueños. Y el rojo a una chica que cada vez que ve algo de ese color, sufre todo tipo de macabras alucinaciones de los más sanguinolento. Curioso es también el amarillo, que Hino asocia al color del chubasquero que los niños japoneses llevan cuando llueve.

En esas tres historias veo al Hino más certero. El resto desgraciadamente no está a la altura. De todas formas hay que tener en cuenta que la colección de La Cúpula lleva 12 números, y que incluso en sus momentos mas bajos, Hideshi Hino sigue siendo algo único y recomendable.

Noches de Zipango

Se trata de otro puñado de historias cortas sin nexo común entre ellas, que es bastante mejor en su conjunto que la anterior. Es cierto que hay un par de historias bastante poco acertadas, pero el resto merece mucho la pena.

-La niña ratón: Es demasiado corta, y queda como una versión bastante menor de “El niño gusano”. Deja bastante indiferente.

-Lecciones de Muerte: Está bastante mejor, con una niña en clase imaginándose que su nuevo profesor es un Shinigami (Dios de la muerte) que quiere matar a todos los alumnos.

-Lo que tienes detrás: Parte de una premisa un poco floja y tiene un final muy forzado. La historia de una niña que un día se despierta con la cabeza al revés, da pie a algunas referencias a “El exorcista” y poco más.

-La mujer sin rostro: Es sensacional. La obsesión de una mujer que un día se despierta sin cara, y recurre a diferentes cirujanos para que la dejen guapa. El problema es que parece que cada vez que un hombre se fija en ella, su cara se descompone y vuelve a quedarse sin rostro.

-Fukutsuke el cerebro: La historia de un niño muy estudioso al que progresivamente la va creciendo el cerebro. Otra de las obsesiones recurrentes que suele tener Hino, con esos grotescos padres más preocupados de que su hijo sea el mas inteligente del mundo que de su propia salud. Bien llevado.

-¿Quien eres tú? : Es otra narración a destacar. Una mujer que se despierta un día y descubre que a su lado hay un bebé hambriento que no conoce de nada. Los problemas comenzarán cuando el bebé empiece a escupir gusanos.

-La bruja piruja: Cierra el tomo con una historia sobre la forma en que la gente prejuzga a los demás. Es un poco burda la verdad, pero juega un poco con esa siempre inquietante posibilidad de que a uno le sirvan para comer algo que parece humano.

Historias de la máscara

Cuando este año se publicó Historias de la máscara, lo compré esperando un cómic muy en la línea de los dos anteriores: una serie de historias irregulares con poca conexión entre ellas. Y aunque no se aparta de esa tendencia, el resultado final poco tiene que ver.

Todo el cómic gira en torno a una tienda de antigüedades que vende objetos de segunda mano, situada en lo alto de una colina. En la puerta hay una máscara llamada “Hannya” con aspecto de demonio, que según se dice en la primera página: “Vigila el porvenir de los humanos, que arrastran la carga de sus propias tragedias”.

Cada historia sigue el mismo esquema: Un desconocido llega a la tienda y se interesa por uno de los objetos que están a la venta. El dueño procede a contar la misteriosa historia que hay tras ese objeto, y el relato acaba con el desconocido completando esa historia y desvelando porqué quiere comprarlo.

Curiosamente, aunque hay escenas de “terror” propias de Hino, en general el tono es mucho más bonito y esperanzador que todos los demás publicados en España. También llama la atención que toda la ambientación es muy japonesa, desde la tienda de antigüedades (de estilo totalmente tradicional), hasta las historias, que recorren épocas muy dispares.

Hay lugar para la historia oculta tras los zapatos de una niña, la leyenda de una espada samurái maldita, las viejas peonzas con las que los niños jugaban a principios del siglo XX, una maqueta de tren, la caña de pescar de un pescador, la navaja de un viejo marino, la segunda guerra mundial o la clásica leyenda de la dama de las nieves.

Un lado diferente de Hideshi Hino con un atractivo muy especial, repleto de nostalgia.

Circo de Monstruos

Se publicó hace unas pocas semanas, seguramente con vistas al Salón del Manga de Barcelona, y va en una dirección ligeramente similar a Historias de la máscara.

El hilo conductor es un circo, repleto de magia y seres extraños, que asombran a todo el que va a visitarlo. Mientras la gente se pregunta como los artistas son capaces de hacer semejantes maravillas… en el interior del circo la realidad es muy diferente: un grupo de seres oscuros y demoniacos, cuyos poderes son una fuente de desgracias.

En anfitrión de cada historia es el Rey Negro, que dirige el circo y da cobijo a todos esos seres extraños que no tienen cabida en la sociedad. Y cada capítulo gira en torno a uno de los peculiares fenómenos que actúa en él.

Mientras las actuaciones de cara al público parece algo mágico y sorprendente, la realidad es que la magia ha condenado a sus poseedores.

-Un número de ventriloquía oculta la realidad de una madre unida a su hijo por la palma de su mano.

-Un legendario samurai cuyo tatuaje cobra vida, oculta a un hombre maldito por sus crímenes, condenado a sufrir eternamente.

-Dos caras, un chico cuyas dos personalidades luchan constantemente por hacerse con el control, tanto mental como físicamente.

-El espectacular número de un comefuego y una mujer capaz de prender fuego a lo que quiera.

-La imposible historia de amor entre una niña capaz de inundar su espectáculo de bellas mariposas y un espectador muy peculiar: un coleccionista incapaz de encontrar la mariposa que falta en su colección.

-El hombre de niebla, un ser extraordinario que sería capaz de cualquier cosa para poder tener un aspecto humano normal y poder vivir con la chica que ama.

-Y finaliza el tomo, la solitaria historia de uno de los últimos seres mitológicos que quedan en el mundo: la quimera.

Se trata de un volúmen sensacional, con montones de referencias al género (Freaks!, Jekyll & Hyde, Las 7 caras del dr. Lao) y con mucha tristeza y simpatía por esas incomprendidas criaturas.

Cuatro tomos variados, sugerentes y que siguen la buena línea a la que Hino nos tiene acostumbrados, a pesar del pequeño resbalón que supone “Galería de Horrores”.

Cat Shit One

2010-10-16T02:28:00.002+02:00

El manga

Entre las muchas series saldadas por Glénat en este último año, el mes pasado finalizó la “segunda remesa” de Cat Shit One. Que además está de plena actualidad por la serie animada que se ha lanzado en Japón este verano.

Su autor, Motofumi Kobayashi, es uno de los mejores creadores de historias bélicas del panorama actual. Esta es su obra mas célebre, seguramente por lo peculiar del planteamiento, pero lleva a sus espaldas una trayectoria de mas de 30 años.

El cómic sigue las diversas misiones de un grupo de tres soldados americanos (Perky, Rats y Botaski) durante la guerra de Vietnam. Apodados “Cat shit one”, forman un grupo de reconocimiento, y el manga refleja el tipo de situaciones en que ese tipo de grupos se veían involucrados. La edición americana para variar, cambia el nombre del cómic por “Apocalypse Meow”, en una referencia cinematográfica nada sutil (y poco adecuada, creo yo).

Uno de los puntos fuertes de Kobayashi es su estilo gráfico. La mayoría de sus obras tienden a un realismo bastante extremo (como atestiguan otras obras editadas en España), pero con Cat Shit One tomó la particular decisión de no mostrar a los personajes como seres humanos, sino como animales.

Los americanos son reflejados como conejos en un juego de palabras algo complicado para los occidentales (Conejo en japonés es USAGI – U.S.A. G.I. - United States of America Goverment Issue). Por su parte los vietnamitas son gatos, los coreanos perros, los chinos pandas o los japoneses monos.

La verdad es que no se trata de un recurso nuevo, Art Spiegelman usó un recurso parecido cuando a principios de los 70 empezó su obra magna “Maus”, en el contexto de la ocupación nazi y los campos de concentración. Sin embargo seguramente es este tipo de aspecto visual lo que lo hace tan peculiar, porque por un lado los personajes animales podrían crear algo de distanciamiento con el lector, pero a la vez los hechos que se presentan son absolutamente brutales y realistas (eso si, sin sangre).

El autor es un profundo conocedor del tema bélico y aunque a más de uno le pueda repeler, no es parco en datos y detalles del conflicto. Tácticas reales, localizaciones, armas, la línea de mando del ejercito… todo está debidamente colocado. Aunque es cierto que en condiciones normales eso podría convertir una historia en algo soporífero, está bien dosificada y los datos resultan francamente interesantes.

Se han editado los 3 tomos que comprenden la obra completa. Y un tomo 0 que actúa a modo de precuela y secuela a la vez. Es una verdadera lástima que vendiese tan mal, considero que es de esos cómics que demuestran lo variado que puede llegar a ser el panorama editorial japonés.

Totalmente recomendable si se encuentra (cuando lo saldaron estaban a 4.95€ el tomo). Eso si:

1) Aunque no contiene sangre, es obviamente un cómic +18.

2) Contrariamente a lo que los conejitos de la portada puedan sugerir, es un cómic plenamente bélico y adscrito al género completamente.

3) El Volumen 0, debe ser leído en 4º lugar, tras el 3º. Que no os engañe ese 0 en la tienda.

El anime

Aunque tiene un futuro incierto, este verano se emitió una adaptación del cómic por internet. Realizado totalmente en 3D y con un acabado muy bueno, usa a los mismos personajes pero trasladando la acción a los años 90 en un conflicto en oriente medio.

La traslación es bastante fiel dentro de lo que cabe, aunque bastante más enfocada a la acción y mas “liviana”. El nivel técnico es muy competente para ser en 3D, y tenía intención de seguirla asiduamente pero desde que se emitió el primer capítulo no hay noticias de cuando saldrá el segundo… si es que llega a salir.

Otras obras de Motofumi Kobayashi

Aunque no tengo todas, creo que viene bien nombrar de pasada las otras cuatro obras de este magnífico autor publicadas en España:

-Operación Barbarroja (10€): El título es totalmente descriptivo. La operación Barbarroja tuvo lugar durante la ocupación de la unión soviética por parte de las Fuerzas del Eje.

-Kampfgruppe ZBU (10€): Sigue a un grupo del ejército alemán, formado por insubordinados y personal “prescindible”, a los que encargan las peores misiones posibles.

-Vietnam War (10€): Ofrece una visión más amplia y documentada del conflicto de Vietnam, que la propia Cat Shit One.

-Omega 7 (12€): Sigue a un grupo especial japonés encargado de realizar misiones encubiertas de alto riesgo.

Nota: Como ya indiqué, todas ellas cuentan con protagonistas humanos, lo de Cat Shit One es una excepción en su trabajo.

Satoshi Kon: Al otro lado del espejo. (II)

2010-10-05T23:11:00.002+02:00

Tokyo Godfathers (2003)

Apartándose un poco de la línea que llevaba hasta entonces, en el 2003 Kon dirigió Tokyo Godfathers, escrita en colaboración con Keiko Nobumoto (Macross Plus, Wolf´s rain, Cowboy bebop).

Se trata de una historia navideña centrada en un grupo de indigentes que encuentran un bebé abandonado, y las aventuras que corren buscando a sus padres. Por el camino tendrán tiempo para conocerse mejor, preguntarse como acabaron siendo mendigos y la clase de personas que realmente son. El grupo es muy variopinto: un travesti, una chica joven que abandonó su casa y un pobre de mediana edad.

Es una película perfectamente realizada, que funciona a varios niveles. Funciona como película navideña, funciona como crítica social, funciona como estudio de personajes y funciona como homenaje a un tipo de cine que no es tan habitual como uno podría pensar, descendiente directo de Frank Capra.

Paranoia Agent (2004)

En el 2004 nos volvimos a sorprender cuando se anunció que el siguiente proyecto de Kon iba a ser una serie y no una película.

Sus colaboradores habituales repitieron y la historia de prolongó durante trece episodios. Con un tono más cercano a Perfect Blue que sus otras producciones, la serie sigue a un gran numero de personajes relacionados directa o indirectamente con “el chico del bate”, un gamberro que se dice va por ahí golpeando a la gente en la cabeza con un bate de baseball, aliviando a las victimas de los problemas por los que andaban pasando. El primer episodio gira en torno a una diseñadora de éxito, incapaz de soportar la presión a la que se ve sometida por su empresa, consciente de que no va a ser capaz de volver a diseñar algo tan bueno. Tras ser golpeada por el chico del bate y mandada al hospital, la presión editorial se esfumará y su vida cambiará a mejor.

Ese tipo de acciones se repetirán. Y lo que al parecer era una serie de gamberradas, deriva al poco en un grupo de personas muy diferentes entre sí, con el único nexo en común del chico del bate, enfrentados a sus mas serios problemas y con la policía en apuros para distinguir los hechos reales de los inventados. De un capitulo a otro, la cámara de Kon enfoca a un personaje diferente, y crea un mosaico de muchos de los grandes problemas que existen en la sociedad japonesa, que al final son prácticamente los mismos que en todo el resto del mundo.

Con claros ecos del cine de David Lynch, y una historia de fondo muy afín a Stephen King, Paranoia Agent es una de las mejores series de las últimas décadas, muy atrevida a nivel narrativo y con una calidad general que cuesta creer tratándose de una serie para televisión.

Paprika (2006)

Hay directores que parecen destinados a dirigir una historia en concreto. Creo que no soy el único que cuando vio el anuncio de Paprika (y leyó que se subtitulaba en España “Detective de los sueños”) pensó “Esto es Kon 100%”.

Basada en una novela del escritor Yasutaka tsutsui, narra la historia de una chica, Paprika, que ayuda a la gente entrando en sus sueños. Pero pronto surge un gran problema, al parecer un terrorista ha robado la maquina experimental que permitía entrar en sueños ajenos, y planea usarla de manera poco apropiada.

A nivel visual Madhouse tiró la casa por la ventana, y es un autentico portento estético. El diseño de personajes y el colorido de los “sueños” remiten directamente a algunos pasajes de Millenium Actress, mientras que por temática nos acercamos a Perfect Blue.

La película aumenta en espectacularidad y ritmo conforme va avanzando, culminando en una secuencia final digna de figurar entre las mejores escenas animadas de todos los tiempos. Desgraciadamente, en opinión del que escribe, en esa última parte el guión se queda un pelín corto, lo que evita que sea una película redonda.

En cualquier caso, se trata de una maravilla (otra más) que será muy recordada.

Ohayo (2007)

Seguramente los (pocos) que lean esta entrada no conozcan este cortometraje. Fue elaborado por Kon (y producido por Madhouse, como no) para una recopilación de pequeñas historias llamada Ani*Kuri15. Un proyecto conjunto en el que intervinieron directores de renombre como Mamoru Oshii, Makoto Shinkai o Shoji Kawamori, con una duración media de 1 minuto.

Para disfrutar del corto no hace falta saber japonés, basta con saber que su título (Ohayo) se traduce como “Buenos días”, es lo único que hay en el corto. No soy muy partidario de estas cosas, pero enlazo el cortometraje en cuestión que un amable usuario ha subido a Youtube: Ani*Kuri15 Ohayo

3. 2011 : El legado.

Tras terminar Ohayo, Kon empezó la producción de su siguiente película The dream Machine, producción que tuvo que dejar en Mayo de 2010 por recomendación médica ya que padecía cáncer de páncreas. Los últimos meses de vida los pasó en casa, llegando incluso a publicar un mensaje de despedida en su blog antes de morir. Tenía 46 años.

Hubo muchas dudas sobre que iba a pasar con The dream machine, película que para entonces ya llevaba bastante tiempo en producción. No solo ejercía como director, sino que el guión ya estaba terminado, y también había realizado el storyboard.

La productora Madhouse anunció recientemente que terminarán la peliculá y estrenarán la película en el 2011 como homenaje. El compositor habitual de Kon, Susumu Hirasawa, también ha confirmado que está trabajando ya en la banda sonora de la película.

Según parece la historia gira en torno a las aventuras de un trío de robots, en una especie de road movie infantil. Ya avisó Kon en su día de que el publico al que estaba dirigida era de muy reducida edad, pero aseguró que sería igualmente disfrutable por cualquier adulto.

A continuación dejo las (pocas) imágenes que se han publicado de esta esperadísima película, que esperemos, cierre con broche de oro una de las mejores filmografías de la animación japonesa.

Satoshi Kon: Al otro lado del espejo. (I)

2010-09-15T01:54:00.002+02:00

El pasado 25 de agosto se conoció la triste noticia de la muerte de Satoshi Kon a la edad de 47 años, uno de los directores más interesantes de la industria nipona.

Aunque no deja tras de sí una gran cantidad de títulos, la calidad de los mismos está fuera de toda duda.

1. 1963 – 1997 : Primera época.

Durante toda esta primera época, tras estudiar en una escuela de arte (iba para pintor), sus trabajos principalmente fueron como dibujante/guionista de manga y anime, al lado de Katsuhiro Otomo (Akira, Domu, SteamBoy) sobre todo.

Se encargó de dibujar la adaptación al cómic de la película de acción real “World apartment horror” del porpio Otomo y participó en la animación de “Roujin Z”, “Patlabor 2” y las OVAs de “Jojo´s bizarrre adventures”. Pero destacó sobre todo por dos trabajos:

Regreso al mar (Kaikisen)

Un manga de creación propia donde se encargó tanto del dibujo como del guión, sobre la leyenda de una antigua sirena y la industrialización de una pequeña zona pesquera japonesa.

Con un estilo visual todavía demasiado deudor de Otomo, es uno de los grandes mangas de aquella época, conjugando con maestría las profundas raíces tradicionales del Japón menos urbanita, con el progreso y la expansión que el país estaba desarrollando.

Fue publicado en España por Planeta hace ya 16 años, cuando Kon no había ni dirigido Perfect Blue aún. Sin duda, un imprescindible.

Memories

Fue una película producida por Otomo, que juntaba 3 historias muy diferentes, con distintos equipos técnicos. La mejor de ellas y la que deslumbró a medio mundo fue “La rosa magnética”, de cuyo guión se encargó el amigo Kon.

El segmento, dirigido por Koji Morimoto y basado en un manga corto del propio Otomo, trata sobre una pequeña nave que recibe una llamada de socorro en forma del tema principal de la ópera Madame Butterfly.

Es curioso notar como en este segmento ya hay algunos temas que posteriormente desarrollará como director: el mundo de los artistas y la fama o la diferencia entre lo real y lo ficticio.

2. 1997 – 2010 : Director de animación consolidado.

El año 1997 es el que cambió de la noche a la mañana la vida de Kon. Fue el año del estreno de su primera película como director: “Perfect Blue”. Desde entonces, y hasta su prematura muerte, quedó consolidado como uno de los mejores directores de animación del panorama mundial.

Perfect Blue (1997)

En un principio iba a ser una película de acción real directa a vídeo, pero tras un terremoto que causó grandes daños al estudio, redujeron el presupuesto y decidieron hacerla en animación, asignándole a Kon su primer gran trabajo de director cinematográfico.

Basada en una novela de Yoshikazu Takeuchi, sigue los pasos de Mima Kirigoe, una Idol japonesa (cantante pop joven) que decide abandonar su grupo musical para perseguir una carrera como actriz. Pero empezará a tener problemas para distinguir la realidad de la ficción cuando se ve acosada por sus antiguos fans, y una serie de asesinatos empiezan a ocurrir a su alrededor.

Casi un homenaje al “giallo” italiano de gente como Dario Argento, la película profundiza en el mundo de las Idols japonesas y el terrible fenómeno fan que llevan detrás. Al igual que en trabajos posteriores de Kon, la pequeña frontera que separa realidad y ficción se rompe, y la protagonista cae en una espiral obsesiva que la lleva a dudar de ella misma.

Fue una película clave en la década de los 90, una de las responsables de esa corriente de “Anime adulto” que llegó a occidente y creó toda una generación de aficionados. Desde ese mismo instante Kon pasó a ocupar un lugar privilegiado en la industria. Tres años después confirmó que no había sido casualidad.

Millenium Actress (2001)

Su siguiente proyecto le reunió de nuevo con Madhouse (productora de animación de Perfect Blue), en una relación que se prolongaría en sus siguientes proyectos. Por primera vez además de dirigir, Kon se sentó a guionizar su propia película (en colaboración con el guionista de Perfect Blue) y el resultado fue algo absolutamente maravilloso.

Volviendo una vez más al mundo de los actores y la compleja relación realidad/ficción, Millenium Actress fue un éxito a nivel mundial, con numerosos premios internacionales, incluido el Orient Express del festival de Sitges.

Un detalle importante es que por primera vez la banda sonora corre a cargo de Susumu Hirasawa, que participará con su maravillosa música electrónica en todas las siguientes producciones de Kon.

La historia gira en torno a un periodista, que ante el cierre de uno de los estudios cinematográficos mas importantes de Japón, decide realizar una entrevista a la actriz Chiyoko Fujiwara, principal figura del estudio. El periodista es un autentico fan de la actriz, y ella accede a narrar la historia de su vida.

En un ejercicio de cine dentro del cine, los recuerdos de la actriz se mezclan con las películas que protagonizó a lo largo de su vida, desde clásicos dramas de época, hasta futuristas cintas espaciales. El periodista, tan sorprendido como el espectador, reconoce las películas, pero no así cuanto de la vida de la actriz hay en ellas.

Poética, romántica, clásica… y narrativamente arrebatadora, posiblemente sea esta la gran obra maestra de Satoshi Kon, redonda en todos los aspectos y personal hasta la médula. Totalmente inimitable.

Robot

2010-08-03T03:26:00.005+02:00

En uno de los últimos listados de Glénat, se anunció que iban a descatalogar toda una serie de títulos. Algunos eran muy recientes, otros tenían bastante tiempo, pero parece ser que todos compartían lo mismo: ya no era rentable seguir manteniéndolos en las estanterías.

No es extrañó que uno de esos títulos fuese ROBOT, un cómic extremadamente peculiar, con vocación minoritaria y que por su formato tenía un precio abusivo para el mercado español: 25 euros el tomo. Lo que no me esperaba, es que al poco tiempo se anunció que iban a relanzar los 3 tomos que llegaron a editar, al más que deseable precio de 9.95. Son los mismos tomos que antes, no es más que una redistribución de material seguramente porque les quedaron muchas unidades sin vender.

Robot no es exactamente un manga, estaría mas cerca de una “revista que recopila historias cortas con periodicidad variable”. Empezó a publicarse en el año 2004, ideada por el artista Range Murata, célebre por sus maravillosos libros de ilustraciones y por su trabajo como diseñador de personajes de anime en Blue Submarine no.6, Last Exile o más recientemente Shangri-La. Además es el propio Murata el encargado de elegir los artistas de cada entrega.

Como digo la edición salió en su día a 25 euros y en el resto del mundo el precio ha sido similar. La razón es mas que evidente: 160 páginas, a todo color, con un papel y tamaño dignos del mejor art-book. Cualquiera que lo hojeé en una tienda se quedará muy sorprendido por lo atractivo que es a nivel visual

No hay un contenido concreto en estos tomos, cada artista tiene unas cuantas páginas para hacer lo que quiera, con total libertad (aunque como denota el título, lo habitual son historias de ciencia-ficción) y a color. El estilo visual varía cada pocas páginas, algunas historias duran tres páginas mientras que otras pueden repartirse en unos cuantos tomos. Al final de cada una se indica si la historia ha concluido o si continúa en el siguiente tomo. Aviso, eso si, que alguna historia continua más allá de los 3 tomos publicados en España (aunque hay más tomos publicados en inglés).

La selección de autores es impresionante, artistas serios con mucha personalidad, y algunos de ellos con un hueco bastante grande en la industria nipona. En Japón es habitual que un autor haga ilustraciones a color, pero la idea de hacer “manga” a color es bastante extraña, en las anotaciones que vienen al final del tomo muchos de ellos comentan el reto que les supone y lo inseguros que están sobre los resultados obtenidos.

Como muchos autores varían según el tomo que uno esté leyendo, me voy a centrar en los “habituales” y en los que colaboran en el primer tomo fundamentalmente:

-Range Murata: Como ya he dicho, es el diseñador responsable de Blue Submarine nº6, Last Exile o Shangri-La. Es perfectamente reconocible por la personalidad de sus diseños, y la calidez de sus colores. Suele realizar unas pocas páginas al comienzo de cada tomo, generalmente con poco dialogo.(Página web en inglés: http://www.pseweb.com/page/gallery.html).

-Yoshitoshi ABe: Famoso a nivel mundial por el éxito de Serial Experiments Lain, para la que creó todo su aspecto visual. Posteriormente ha tenido otros éxitos como Niea_7, Texhnolize, o Haibane Renmei (absoluta maravilla, basada en sus propios comics, y de la que hizo guión, diseños y supervisión). A la espera de su próxima serie, Despera, sigue publicando doujinshis (algunas portadas se pueden ver en su página: http://homepage.mac.com/abworks/cglib2.html).

-Makoto Kobayashi: Con un estilo muy europeo que recuerda a Moebius y similares, Kobayashi se ha hecho un nombre como diseñador de la parte tecnológica de diversas películas/series. Suyos fueron los diseños de Samurai 7, Last Exile o Venus Wars. Su web: http://aswars.tripod.com/

-Hanaharu Naruko: Especialmente conocido por su manga “Kamichu!” es uno de los valores mas jóvenes del panorama nipón. Caracterizado por un estilo muy colorido, también suele realizar cómics de contenido pornográfico. Como su página es +18, enlazo una ilustración suya: http://www.kawapaper.com/d/8528-3/Kawapaper_GA_0000164_1024x768.jpg

-Hiroyuki Asada: Planeta publicó hace ya bastante años uno de sus comics “Renka”, de samuráis, pero su fama se debe principalmente a la reciente “Tegami Bachi” (letter bee). Con un estilo que denota mucha personalidad, muy poético e inspirado. Imagen de muestra : http://img223.imageshack.us/i/01eb8.jpg/

-OKAMA: Especialmente conocido por su dibujo para el manga “Cloth Road”, ha trabajado también como diseñador en animes como Glass Fleet, Himawari!, Gunbuster 2 o Kamichu!. Como todo buen ilustrador que se precie, tiene una galería online: http://okama.nicomi.com/artIllust.html

-Yu Kinutani: Es ya algo veterano, incluso en España. Planeta publicó hace años su colección “Layla & Rei”, y suyas eran las ilustraciones del “Curso de Manga” publicado por la editorial Glénat. Sus obras mas célebres, eso si, no han llegado a España: “Leviathan” , “Shion”, y “Amon”, escrita por el ilustre Go Nagai.

-Kei Sanbe: Es otro valor joven que participa en la revista. En España tuvimos el placer (sobre todo visual) de conocerle gracias a “Kamiyadori”, que fue editado por Planeta hace un par de años. Además de colaborar en Robot, también ha realizado “Thestarotho” y “Hozuki no Shima”. Una pequeña muestra de su estilo: http://i585.photobucket.com/albums/ss297/Nezu_chan/Darkskin%20characters/Kamiyadori-Vivi.jpg

-Sho-U Tajima: Uno de los grandes ilustradores actuales, dibujante de un cómic tan célebre como “MPD-Psycho” (Glénat), y diseñador de personajes del segmento animado de Kill Bill.

-OTROS: Mami Itou (Pilgrim Jäger), YUG, SABE (PetoPeto-san), Shin Nagasawa (mardock Scramble), Mie Nekoi (especializado en parodias eróticas), HACCAN (ilustrador de videojuegos como Avalon Code o Mushihimesama), Ugetsu Hakua (Burst angel, Tower of druaga), Shigeki Maeshima (The book of bantorra), Yasuto Miura, MIGGY, Suzuhito Yasuda (Durarara!). Todos ellos también intervienen en el primer número, son menos “celebres” pero muchos demuestran tanto talento como el resto.

Ponent Mon: Una de cal y otra de arena

2010-04-13T21:44:00.004+02:00

Son de sobra conocidos los problemas de ventas que ha atravesado la editorial Ponent Mon a lo largo de su historia. Bajas ventas que les han llevado a cancelar y descatalogar numerosas colecciones en los últimos tiempos.

Las razones pueden ser muchas: desde lo minoritario de los títulos que editan, hasta los exagerados precios de sus ediciones, pasando por lo irregular de su catálogo.

Editar material “peculiar” es un arma de doble filo. Hay que seleccionar muy bien porque uno corre el riesgo de editar obras que no le interesan a nadie. En este pequeño post voy a comentar dos cómics descatalogados de la editorial, que son dos casos totalmente dispares pero ejemplifican perfectamente el catálogo de Ponent Mon.

Cuando las cosas se hacen bien: Sexy Voice and Robo

Aunque la han descatalogado hace (relativamente) poco, la editaron hace ya 5 años. Seguramente desde entonces se llevan arrepintiendo de haber puesto “Tomo 1” en la portada. Y es que Ponent Mon solo llegó a publicar el primer tomo, según parece las bajas ventas evitaron que decidiesen publicar el 2º. Una pena, porque de haberlo hecho, seguirían teniéndola completa hoy en día.

Con guión y dibujo de Iou Kuroda, la obra ganó el premio a la excelencia en el Japan Media Arts del 2002. Su autor desde entonces la tiene abandonada, (aunque sigue prometiendo continuarla algún día) constando solo de 2 tomos. Unos años después publicó el cómic de corte ciclista “Nasu”, especialmente conocido por España ya que ocurre en Andalucía y está protagonizado por “Pepe” (y tuvo adaptación en forma de película).

Sexy Voice es una chica de 14 años, que forma parte de uno de esos populares sistemas telefónicos de citas en Japón, generalmente usados para todo tipo de intercambios, sean sexuales o no. Con su innata habilidad para modificar su voz y reconocer la voz de otras personas, en compañía de su sidekick Robo (que nunca se entera de nada de lo que pasa) revuelven todo tipo de situaciones por el Tokyo más urbano y violento.

El dibujo es bastante underground, de líneas bastante irregulares y a veces muy bocetado. Colabora enormemente al extraño y vibrante mundo que refleja. La chica protagonista está llena de vitalidad y se aproxima a todo de forma inteligente (más de lo que su propia edad indica). Hay acción, mucho humor, historias personales, delincuentes… y el siempre despistado Robo.

Un gran cómic repleto de vitalidad y muy divertido de leer, que además tiene más capas y niveles de lectura de lo que parece a primera vista. No me extraña que fuese publicado en una revista de corte independiente. Hace unos años se realizó una serie de acción real, que cosechó bastante éxito.

Cuando las cosas se hacen mal: Elegía Roja

Es otro cómic japonés muy underground, obra de Seiichi Hayashi, publicado originalmente en 1970. Mucho ha llovido desde entonces, y en teoría, tiene un cierto estatus de obra importante.

Está compuesto por 5 relatos sobre una pareja. Él es un aspirante a dibujante de cómics que no despega, y ella una chica que huye del matrimonio concertado que sus padres quieren para ella. Los dos se quieren… no se quieren… beben, se acuestan juntos… y con otras personas… hay flashbacks… y el cómic se acaba. Perdón por semejante destripe, pero es que si de verdad hubiese una narrativa o de verdad pasase algo, no lo diría así. Por en medio sale Godzilla, King Kong e imágenes de todo tipo.

El dibujo, por muy independiente que quiera ser, debe tener unos mínimos. Los personajes son deformes, hay viñetas que no se entienden, a veces cuesta saber quien está hablando y es feo feo.

La historia esta totalmente desestructurada, los personajes apenas tienen desarrollo, y es difícil simpatizar con ninguno de ellos, hay veces que no sabes cuando ocurre la acción… y lo peor de todo, las piezas narrativas que hay desperdigadas por ahí, no forman un cuadro de verdad. Es un poco como cuando alguien se quiere reír del “cine de autor”, solo que en serio.

Yo he leído mucho cómic “diferente”, pero es que esto me parece sencillamente horrendo. Lo de publicarlo en España ya no es que sea un suicidio, es que hasta me cuesta creer que en la editorial pensasen que esto merecía ser editado. Yo formo parte del público potencial de este manga y he salido escaldado. Supongo que algún publico tendrá, pero me cuesta creerlo.

Lo compré de saldo a 2 euros y todavía me arrepiento de haberlo hecho. Como ya he dicho antes… a veces no hay quien entienda a Ponent Mon.

Junji Ito

2010-03-30T00:32:00.002+02:00

De entre todos los grandes autores japoneses habituales del genero de terror, pocos tienen tanto renombre como Junji Ito (1963). Influenciado por la obra de Kazuo Umezu (Aula a la deriva), empezó su carrera bastante años antes de que llegase la moda “the ring”.

Sus dos obras más célebres e importantes están editadas en España (con algún pequeño matiz) y todo aficionado al género no debería perdérselas. Eso si, hablamos de terror bastante explícito, repleto de viñetas macabras y hemoglobina en abundancia. Abstenerse los débiles de corazón.

TOMIE

Tomie fue el mayor éxito de Ito en su momento. Estructurado a base historias cortas en torno al personaje del titulo: Tomie, una chica que ejerce una profunda fascinación en todos los que le rodean, fascinación que se va tornando en obsesión y destrucción.

La peculiaridad de Tomie, viene de lo que ocurre tras esa fase destructiva. Sea por los motivos que sea, Tomie es asesinada y mutilada salvajemente en todas las historias. Y de cada parte de su cuerpo, poco a poco, empieza a crecer una nueva Tomie, convirtiéndose en algunos relatos en una autentica plaga. Así, cada relato puede estar protagonizado por diferentes Tomies y diferentes lugares.

Por supuesto esta premisa le sirve al autor para mostrar un amplio abanico de personajes diferentes, todos ellos victimas de una obsesión malsana por Tomie. Y desde luego, las consecuencias de cada obsesión son a cual más terrible.

Se nota bastante que es una obra anterior a Uzumaki. Tiene un dibujo bastante simple y narrativamente tiene algunos altibajos. Al ser historias auto-conclusivas también varia mucho la calidad entre ellas. Con todo, la abundancia de buenas ideas y la creatividad de Ito están fuera de toda duda, y cualquier aficionado al género disfrutará como un enano, sobre todo con las historias finales.

Su éxito en Japón la ha llevado a ser adaptada ya en 8 películas (muchas de ellas tras la moda “the ring”), de calidad bastante dispar. En cualquier caso, este tipo de premisas funcionan mejor en historias cortas que en largometrajes completos.

Se publicó en dos tomos hace unos pocos años, en la línea dedicada al Terror de la editorial La Cúpula. Desgraciadamente solo incluye los dos primeros tomos originales. Posteriormente Ito retomó la idea en “Tomie Again”, que sí ha sido incluida en la edición americana (Museum of terror).

Ha sido una auténtica lástima que esa línea editorial no tuviese más continuidad. Desde entonces se ha quedado solamente es un par de tomos de Hideshi Hino anuales.

Uzumaki

El manga más largo de toda su carrera. Supuso su segundo gran éxito, y aquí en España fue el cómic por el que muchos le descubrimos. Supuso su (sorprendente) nominación al premio Eisner y le colocó en el punto de mira internacional.

A diferencia de Tomie, aquí las historias tienen progresión y protagonistas recurrentes. Cada capitulo se convierte en todo un “tour de force” para ver hasta donde es capaz de llevar la premisa inicial. Sobra de decir que hacia la mitad de la obra, ya está rozando unos extremos que hay que ver para creerlos.

En esta ocasión, a través de una serie de personajes veremos la transformación que sufre todo un pueblo. Al principio, unas pocas personas empezarán a ver extrañas espirales en algunos sitios, pero progresivamente todo el pueblo empezará a transformarse y todo el mundo caerá victima de la locura. ¿Que son esas espirales? ¿Por qué las personas se obsesionan con ellas y no pueden pensar en otra cosa?

En este cómic el dibujo de Ito alcanza su punto culminante, con un grado de detalle enorme y algunas imágenes realmente estremecedoras. Para mí, constituye una de las grandes obras maestras del terror japonés, digno heredero de toda una tradición que viene de muy lejos.

Tuvo una adaptación al cine, adaptando un poco los momentos clave del cómic y con resultado irregular. Sus pobres efectos especiales y factura técnica le hicieron bastante daño. No es una adaptación demasiado inspirada.

En España, la publicó Planeta hace ya bastantes años, en 6 pequeños tomos de su línea Pachinko. Es la obra completa, y se trata de una edición más que aceptable. Para evitar posibles errores, comentar que en algunas versiones se llamó “Spiral”.

OTRAS

Obviamente Junji Ito no tiene solo estas dos obras. Año tras año sigue publicando one-shots (historias auto conclusivas) en diferentes revistas.

Lo que mas a mano puede tener un lector Español, seguramente sean las ediciones americanas de algunas de sus obras. Que yo sepa, están disponibles:

-Museum of terror (3 volúmenes): El primer y segundo volumen contienen Tomie (lo editado en España) y Tomie Again. El tercer tomo en cambio, es una recopilación de historias cortas tremendamente interesante, que espero comprar algún día.

-GYO (2 volúmenes): Una historia larga, centrada en una isla de Okinawa donde el mar empieza a oler de forma tremebunda y extraños cuerpos empiezan a llegar a la costa. Ito en estado puro, y tremendamente recomendable.

-Flesh Colored Horror: Es otro recopilatorio de historias cortas que no he podido leer. Desgraciadamente se encuentra descatalogado desde hace años y no parece que vaya a ser reeditado en breve. No se trata de los mismos relatos de Museum of terror vol. 3.

Estrenos de Anime: Invierno 2009/2010

2010-03-14T20:38:00.002+01:00

Los estrenos de invierno, con bastante retardo, para variar. Dejando de lado Hipira-kun que comenté hace unas semanas, he seleccionado 7 series que me parece que tienen un nivel más o menos aceptable y el resto las comento luego muy por encima, que hay morralla para aburrir. Desde luego de recomendar solo dos, serian Durarara!! y Katanagatari, sin duda.

Cobra the animation: TV

Tras los OVAS Cobra: Time Drive y Cobra: The psychogun del año pasado, faltaba la serie de Tv para completar el revival de este carismático personaje de los 80.

En todos los aspectos sigue la misma línea de los ovas, solo que desarrollando mejor las tramas y con una duración prevista de 13 episodios. Acción, mujeres con muchas curvas, ciencia ficción, malos malísimos… es difícil hoy en día encontrar una serie que sabe exactamente lo que quiere ser, y esta no solo lo sabe, sino que lo logra al 100%.

Hay series mejores, pero muy pocas tienen el estilo de Cobra. Ya nadie parece hacer este tipo de series. Se agradece y mucho el revival.

Sora no wo to

Kanata Sorami es una chica que entra en el ejercito para ser Corneta, estos soldados que tocan la Corneta con el alzamiento de bandera, al amanecer, al anochecer y demás.

Su destino es la ciudad de Seize, en Helvetia, donde está destinada la división 1121. Allí se integra con sus compañeras de división en el día a día, y empieza a aprender el oficio. El conflicto bélico mundial que parece ocurrir en el mundo no se especifica del todo.

Con un estilo visual muy a la ultima moda (tipo K-on!) y grandes paisajes inspirados, por increíble que parezca, en la ciudad española de Cuenca (casas colgantes incluidas). La serie mas que de corte bélico, es un Slice of Life que sigue la rutina diaria de la división. Con toda una galería de personajes muy bien definidos y un tono muy agradable.

Dance in the vampire bund

Tras la genial Bakemonogatari en otoño, su director y su mismo estudio de animación vuelven con una historia de vampiros. Las expectativas estaban muy altas, y los resultados… son algo cuestionables.

Con solo 13 episodios, la trama parece no ir a ningún lado en muchos de los que se han emitido hasta ahora. Los personajes no acaban de ser todo lo carismáticos que deberían y ese estilo tan caótico de narrar no acaba de pegar con esta serie.

La premisa es : “Los vampiros existen, y la líder anunciá públicamente que ha comprado al gobierno japonés toda una isla, donde los vampiros podrán vivir tranquilamente al margen de los humanos”. Una premisa algo rocambolesca, que da pie a unos cuantos desnudos gratuitos de la líder en cuestión (que para mas inri, tiene aspecto de niña), y toda una serie de intrigas políticas que no acaban de resultar demasiado interesantes. Una lástima.

Ookamikakushi

Ookamikakushi tiene no pocas cosas a su favor: me gustan los diseños, tiene una ambientación realmente conseguida y los personajes me interesan. Pero tiene un enorme problema, se parece taaaanto a “Higurashi no naku koro ni” (When they cry…) que es difícil ver algo mínimamente original en ella.

Por supuesto todo puede cambiar, apenas llevo 5 episodios y es una serie muy correcta en todos los aspectos, pero la sensación de Deja Vú es constante. Veremos en su conclusión si la resolución de los misterios planteados es satisfactoria.

La historia gira en torno a Hiroshi, un chaval que se muda a una próspera ciudad campestre que está divida en dos por un un rio. A un lado está toda la nueva ciudad y al otro la zona antigua, donde las viejas tradiciones aun perviven. Nada más llegar se convierte en un estudiante extrañamente popular, pero todo el mundo parece advertirle de que no cruce el rio hacia la zona vieja. Ritmo pausado y atmósfera de misterio y terror para una serie que cumple bastante bien.

Durarara!!

Uno de los grandes estrenos del periodo invernal. Adaptando unas novelas del autor Ryohgo Narita (Baccano!), sigue los pasos de un enorme plantel de personajes, en el caótico y oscuro barrio de Ikebukuro.

Cuenta con todos los elementos que uno puede pedirle a este tipo de series, grandes personajes, un ritmo por momentos endiablado, una gran narración y grandes incógnitas que se irán progresivamente desvelando.

Parece que su autor es un especialista en narrar historias fraccionadas, y logra mantener la coherencia de todo el conjunto de forma muy satisfactoria, al menos hasta donde yo he visto. No se si 24 episodios serán demasiados para este tipo de propuesta, más aun cuando las novelas (van 7) aún siguen en curso. Claro que Baccano! eran 14 novelas, sigue también en curso, y su anime de solo trece episodios quedó muy bien según parece.

Katanagatari

Nisioisin es uno de los grandes escritores de Light Novels actualmente en Japón. Sus brillantes diálogos, sus planteamientos originales y la inmensa popularidad de sus libros hacen de él un autor ideal para ser llevado a la pantalla.

Tras la excelente adaptación de Bakemonogatari el año pasado, ahora le toca el turno a Katanagatari, una serie de 12 novelitas que serán adaptadas en forma de 12 ovas de 45 minutos cada una.

Ambientada en el Japón feudal, sigue los pasos del último descendiente de la disciplina marcial “kyoto-ryo”, capaz de usar estilos de esgrima sin usar una espada, solo usando las propias extremidades del cuerpo. Un consejero militar le pide que le ayude a obtener 12 espadas legendarias, que podrían desestabilizar la unión del país.

Han logrado respetar muy bien el estilo de las ilustraciones del libro, cosa que me ha sorprendido muy positivamente. Sufre un poco de lo que muchas de estas adaptaciones, de que los personajes hablan mucho, pero los diálogos son lo suficientemente ingeniosos como para que se note poco. La historia se sigue muy bien, y la fidelidad es casi absoluta. Muy recomendable.

Hanamaru Kindergarten

A veces cuesta entender las decisiones que toman determinados estudios. GAINAX, apartándose de todo lo que uno podría esperar de ellos, se ha metido a adaptar una sencillísima comedia ambientada en un centro de preescolar, siguiendo los pasos de un profesor novato.

Es una serie que tiene poco que rascar. Visualmente es muy simple y funciona de manera muy episódica. Hay personajes muy graciosos, otros que no tanto, chistes conseguidos, otros a medias… en general es una serie agradable, sin más.

Otros

WeiB Survive R, Yume o Kanaeru Zou, Gag Manga Biyori+, Hidamari sketchx3, Nodame Cantabile Final, Heartcatch Precure!: Son todas ellas nuevas temporadas de series ya emitidas. Especialmente esperada por sus fans, “Nodame Cantabila Final” es seguramente la más destacable de todas. Solo llegué a ver la primera temporada de la serie, pero tenía calidad de sobra.

Kanokon: Manatsu no Daishanikusai, Aika Zero, Utawarerumono, Hellsing Ultimate y Saint Seiya : the lost canvas : Siguen sacando temporada tras temporada sus OVAS. También ha salido el segundo ova de la muy recomendable “Denpa teki na Kanojo”, un año después del primero.

En el apartado de “series que son una excusa para mostrar carne” tenemos: Chu-Bra!! (una chiquilla que se dedica a probar diseños de ropa interior para una compañía de lencería), Ladies Vs Butlers! (La llegada de un nuevo chico mayordomo a un colegio femenino de ricachonas), Omamori Himari (Un chico alérgico a los gatos que se enfrenta a demonios… con la ayuda de una espadachina-gata) , y Seikon no Quasar (Donde unas chicas acompañan a un enigmático chico capaz de manipular el metal, que logra su poder bebiendo leche… femenina). Vaya tanda de series, increíble. Parece que temporada tras temporada intentan superarse.

HIPIRA

2010-02-27T00:18:00.002+01:00

Uno de los animes estrenados en estos últimos meses ha sido Hipira, adaptación animada de un cómic/cuento ilustrado que compré hace ya un par de año.

LIBRO

La principal razón por la que se publicó en Estados Unidos es sin duda su guionista: Katsuhiro Otomo, el hombre detrás de Akira, Pesadillas, Steamboy, Metrópolis o Freedom en mayor o menor grado. Si me he informado bien, de momento es su última producción en papel. Lo realizó en el año 2002 entre las películas Metrópolis y Steamboy.

Hay que aclarar que no es exactamente un cómic. Si hacemos algo de memoria recordaremos aquellos libros infantiles que leíamos de pequeños, en los que la historia se narraba con un pequeño párrafo en cada hoja, y el resto era una gran ilustración a página completa. Ese es el formato que usan sus creadores aquí, y resulta muy apropiado porque es un producto claramente dirigido a los más pequeños.

Solo tiene 48 páginas, de gran tamaño y a todo color. Estamos ante uno de esos casos donde el dibujante destaca por encima de todo. Shinji Kimura es uno de los grandes artistas japoneses que nunca recibe todo el crédito que se merece. Trabajó realizando los fondos de películas como Akira, Angel´s egg o Mi vecino Totoro y ha sido el director artístico de Steamboy y Tekkonkinkreet. Su estilo artístico impregna cada página, y dota a la historia de una gran personalidad.

La historia de Otomo se aparta mucho de sus manías habituales, tiene un tono muy ligero y divertido. Gira en torno a una ciudad de vampiros, Salta, donde siempre es de noche y nunca amanece: “la ciudad con la que todos los niños que no quieren irse a dormir sueñan”. Hipira es un joven vampiro que aun no puede volar, y el libro se compone de las diferentes y fantásticas aventuras que le ocurren.

Como digo, además de muy divertido e imaginativo, el libro es toda una obra de arte, con un dibujo y coloreado como hecho a lápiz sencillamente irresistible.

ANIME

El anime se emitió desde Diciembre del año pasado hasta acumular 10 episodios. Duran apenas 5 minutos cada uno, pero expanden de forma considerable el libro original. No solo añaden alguna historia más, sino que amplían considerablemente las que ya estaban.

Cuando vi los primeros episodios me sorprendió lo perfecta que había sido la adaptación a nivel visual. Cualquiera que haya visto las ilustraciones de Kimura consideraría una tarea muy complicada lograr una buena fidelidad. Los fondos son todos en 2D con un estilo muy artesanal, y los personajes son en 3D… esto último a mi me daba miedo, pero no solo están bien integrados con los fondos, sino que gozan de una expresividad y animación simplemente perfectos. Uno pausa la imagen y podría pasar perfectamente por una ilustración del libro.

Se puede decir que el apartado visual es de autentico lujo. Y todo ese mimo tiene una razón de ser, y es que el propio dibujante, Kimura, es el director, guionista y director artístico. El resultado es que la serie luce tan bien como el propio libro, y toda la historia añadida es sumamente interesante.

La verdad es que esta adaptación ha sido una de las que más me ha sorprendido últimamente. Es difícil ponerle pegas a una producción de tanto nivel y tan agradable de ver.

Curiosamente en este estilo el dibujante y director Shinji Kimura ya había realizado uno de los cortos de Genius Party, algo inferior a esta serie, pero que ya indicaba muy bien por donde iban a ir los tiros.

La cara y la cruz del anime en España

2010-02-15T19:48:00.002+01:00

PASADO

Primero una lista rápida de compañías que han editado animación japonesa en España y algunas muestras de su catálogo:

-Selecta-Visión: Ghost in the shell, Saint Seiya, Dragon Ball, Evangelion, Serial Experiments Lain, Last Exile.

-Jonu Media: Colección Rumiko Takahashi, Key the metal Idol, Patlabor, Black Jack, Berserk, X.

-Aurum: Colección Estudio Ghibli.

-Columbia-Tristar: Tokyo Godfathers, Metropolis, Memories.

-Sony Pictures: Paprika, Steamboy.

-Cameo: Haru en el reino de los Gatos.

-Divisa: El gato con botas, Las aventuras de Hols, Hi No Tori el niño del espacio, Único, Animación experimental de Osamu Tezuka.

-Planeta: Heidi, Marco, La abeja Maya.

-Anime Project: Fate/Stay night.

-Manga Films: Black jack la pelicula, Vampire Hunter D.

PRESENTE

Parecen bastantes compañías, pero a día de hoy la realidad es otra:

-Jonu Media según sus propias palabras está “Congelada por la situación del mercado”.

-Columbia, Cameo y Manga films hace años que no editan nada de animación japonesa y dudo que vuelvan a hacerlo.

-Sony saca alguna película muy de vez en cuando, siempre si la filial americana se ha hecho con los derechos.

-Planeta lleva años reeditando las mismas series para niños emitidas por TVE y encima usando siempre los viejos masters de TV.

-Divisa sacó una nueva tanda de clásicos de la animación japonesa, y ya ha anunciado que es lo último que saca porque las ventas fueron paupérrimas.

A día de hoy lo que de verdad queda en España es Selecta-visión, Aurum y la recién estrenada Anime Project. Nos quedamos progresivamente sin editoras de animación. En una reciente rueda de prensa, los responsables de Selecta-visión reconocieron que también editan películas de acción real y programas infantiles “porque una editorial española no puede subsistir solo con animación japonesa”.

Todo el mundo parece estar muy de acuerdo es cual es la situación actual del mercado Español en estas cosas. El aficionado a la animación japonesa no compra, ycreo que el precio no es una de las causas.

- Serie completa Planetes (26 eps) de Selecta-Visión : 29.95 €

-Serie completa Paranoia Agent (13 eps) de Selecta-Visión : 19.95€

- Manga completo de Planetes (4 tomos) de Panini : 36 €

- Los mangas al ser catalogados como libros, no los vas a ver rebajados mas de un 5%. En cambio hay varias veces al año magnificas ofertas en dvd, y sin ir mas lejos, yo compré Planetes a 19.95€ y Paranoia Agent a 14€.

Comparando precios, tenemos ediciones muy competitivas con el resto de países. Pero a diferencia de UK, Francia, Italia, Alemania o Rusia, aquí cada vez se edita menos. En USA es fácil leer como muchos aficionados esperan impacientes los anuncios de las compañías importantes, esperando y deseando que editen X serie para comprarla. En Japón, las ventas siguen siendo buenas, a pesar de que te puedan vender 2 episodios de una serie por 50 euros (y 13 dvds de duración) o que pueden ver esas mismas series en la televisión meses antes de que se editen.

No, el problema no es el precio y tampoco, desde hace ya unos años, la calidad. Tras un comienzo discreto, las ediciones de Anime en nuestro país en general son muy notables.

Es un problema de mentalidad. El aficionado medio español ve mas anime que manga, gracias a la estupenda labor de algunos fansubs. Pero ¿Como consumen los cómics? comprándolos. ¿Como consumen animación? Bajándose la serie entera de X fansub. Y claro que algunos luego compran la serie si se edita (yo lo hago), pero es un porcentaje tan bajo que no basta para sostener el mercado. La mayor parte de los aficionados ni saben lo que está editado, ni les importa realmente, porque no consumen.

Es habitual leer que alguien que ve una serie de fansub, luego o es mala y no la compra por ello, o es buena y solo la compran si de verdad merece la pena. Aunque atendiendo a los datos, solo deben ser “buenas series comprables” Dragon ball, Los caballeros del zodiaco, Evangelion y 4 más. Selecta-Visión reconoció abiertamente lo decepcionante de las ventas de una serie tan popular como Death Note. Obviamente aquí hay algo que no se corresponde con la realidad.

FUTURO

-Aurum : Seguirá editando películas Ghibli, y ya ha confirmado que las irá sacando de blu-ray conforme salgan en Japón. Cuidando los doblajes, y cuidando las ediciones. Una iniciativa totalmente loable que hacía falta desde hace bastante tiempo.

-Selecta-visión : Lleva dos años que la mayoría de las cosas que saca, son reediciones a precio reducido o remasterizaciones. Pero el futuro es prometedor, editando bastantes cosas simultáneamente en Dvd y Blu-ray. Anuncios como las series FREEDOM o Shin Mazinger Z en Blu-ray, demuestran que quieren estar al día. Han confirmado que están en tratos con otras editoras europeas para hacer ediciones en cooperación y así reducir costes.

-Anime Project : Solo han editado una cosa: el primer volumen de Fate/Stay night, y lo han sacado con una falta de profesionalidad preocupante. Un primer disco doblado… y un segundo disco con los mismos episodios en V.O. con unos grotescos subtítulos multicolor quemados en la imagen y con notas sobreimpresas en pantalla (lo llaman “versión fansub” y efectivamente, es lo que es). El formato Dvd empieza ya su declive, y sin embargo parece que hay compañías que ni saben las ventajas que tiene respecto al VHS. Lamentable. Ojalá tomen buena nota y aprendan.

¿Algo mas que decir sobre toda esta situación? Pues que me alegro de tener un nivel de entendimiento del ingles más que bueno, porque a este paso me veo comprando cada vez más Anime fuera de España, tal y como progresa la cosa. Espero que las compañías que quedan, aguanten, y el futuro sea mas positivo.

Bokko

2010-01-24T19:01:00.002+01:00

Uno de los periodos mas turbulentos de la historia de China, fue el de los “Reinos Combatientes” . En el siglo III a.C. siete reinos diferentes ocupaban toda China, y mantenían constantes luchas entre ellos por el poder.

En esta época, surgió un pequeño grupo denominado los “Mo Jia”, una organización fundada por Mo Zi, de carácter claramente antimilitarista. Propugnando la paz entre los reinos, eran un grupo de élite entrenados en artes marciales, filosofía, religión y todo tipo de saberes. Durante aquella turbulenta época, los Mo Jia eran célebres por su ayuda a los pueblos más oprimidos, y por ir en ayuda en tiempos de guerra de aquellas zonas que iban a ser arrasadas.

Todo esto son hechos históricos de un periodo crucial en la historia de China. El manga “Bokko” editado por Ponent Mon sigue los pasos de uno de los mas eminentes Mo Jia de la historia: Ge Li. Al comienzo del primer tomo, Ge Li se dirige en solitario a socorrer a un pueblo pequeño del asedio por parte de mas de 10.500 soldados de un país vecino. Aunque al principio parece que un solo hombre no puede marcar ninguna diferencia, Ge Li logrará organizarlos a todos y repeler los numerosos ataques del enemigo.

Hideki Mori realizó esta adaptación al cómic, basándose en una historia original de Kenichi Sakemi, y adaptada por Sentaro Kubota. Publicada entre 1992 y 1996, recopiló once tomos y ganó el Shogakukan Manga Award al mejor manga en 1995.

Además de la interesantísima situación histórica, y el gran protagonista que tiene, el dibujo que emplea el autor es sencillamente abrumador. Capaz de darle a sus viñetas un tono brutalmente realista y detallado, es a la vez capaz de dotar de un aire épico y magnífico a las aventuras de Ge Li.

No me extraña lo mas mínimo que Kazuo Koike le eligiese a él para ilustrar la continuación de “Lobo solitario y su cachorro”. Aunque su estilo es un poco mas moderno que el de la antigua versión del cómic, tiene ese realismo y detalle tan típicos del género Jidaigeki (obras épicas ambientadas en el Japón feudal), vertiente a la que sin duda pertenece este Bokko, aunque no esté ambientado en la historia de Japón.

Tras leer los once tomos si una cosa queda clara es que se trata de una obra redonda, que arranca y termina de forma rotunda. Dibujo, guión, historia… todo casa a la perfección y nos ofrece uno de los mangas de mayor calidad editados en España en los últimos años. Puede que haya sido hecho en los 90, pero tiene poco que envidiar a obras clásicas de Hiroshi Hirata (Satsuma Gishinden), Sanpei Shirato (Kamui), Goseki Kojima o tantos otros grandes autores del género.

La editorial Ponent Mon editó los 11 tomos que lo componen en una edición bastante cuidada, con buen papel, traducción, reproducción, y conservando el sentido de lectura original. Todo ello a un precio demasiado elevado, dicho sea de paso.

El año pasado (2009) la editorial anunció que descatalogaba toda una serie de cómics debido a problemas de ventas. Por suerte esta estaba terminada, no como otras muchas obras que dejaron inconclusas, y aún se puede encontrar en diferentes tiendas especializadas.

Por último, comentar que este manga tuvo una adaptación en forma de película en el año 2006 bajo el nombre de “A battle of wits”, protagonizada por el taquillero Andy Lau y dirigida por Jacob Cheung, que gozó de bastante éxito y buena crítica.

Lo mejor del 2009

2010-01-08T01:37:00.002+01:00

Nos abandona el 2009 y toca recapitular una vez más.

ANIME

Mal año en temas de animación japonesa. No solo este último otoño ha sido realmente decepcionante (con tres o cuatro excepciones), sino que los estrenos de este enero se presentan incluso peor.

He aquí mi listado del 2009, teniendo en cuenta las series que he visto completas:

7.- K-on!: Una de las series de más éxito del año. Liviana, con una mezcla bastante apañada de slice of life y comedia musical, es una serie mas que correcta y demuestra que el estudio kyoto animation sigue al pie del cañón. No pasará a la historia, pero su repercusión mediática justifica que esté en la lista.

6.- Rideback: Serie a la que no demasiada gente prestó atención, y que logró sobreponerse a las circunstancias, con un desarrollo casi impecable. La mezcla de acción, personajes bien desarrollados y una situación sociopolítica muy llamativa, lo han convertido en una de las mejores experiencias de este año.

5.- Phantom – requiem for the phantom – : La nueva serie de Koichi mashimo, es lo mejor de lo mejor que puede dar de sí. Intriga, cine negro, espectaculares secuencias de acción, y una gran fidelidad a la historia de origen. Los que disfrutaron con Noir o Madlax, están de enhorabuena.

4.-Hajime no ippo – New Challenger -: La continuación del mejor anime deportivo de los últimos años era difícil que decepcionase. No lo hizo. Visualmente cambiaba un poco, pero la intensidad y los magníficos combates (posiblemente los mejores de toda la serie) la han colocado en un lugar privilegiado. Queremos la tercera.

3.- Bakemonogatari: La propuesta diferente del año. El estudio Shaft apostó por una estética arriesgada, por una narración peculiar y un tipo de historia bastante extraña. ¿Lo bueno? Que les salió bien. Seguramente gran parte de internet esté de acuerdo conmigo en que es la gran sorpresa del año.

2a.- Eden of the East: Tras ghost in the shell SAC y Moribito, su director, Kamiyama, continua confirmando que es un valor seguro. La historia de un chico sin identidad que busca sus posibles conexiones con una serie de recientes atentados, está narrada con pulso y calidad. Veremos como rematan la jugada con las películas.

2b.- Aoi Bungaku: Rescato esta serie del pozo del otoño, pero puedo hacerlo con la cabeza muy alta. Adaptar historias clásicas japonesas no es fácil, pero salieron victoriosos.

1.- Tokyo magnitude 8.0: No niego mi predilección por el estudio BONES, pero es que esta serie es magnifica. En las antípodas de los que haría Roland Emmerich (2010, El día de mañana), la serie nos coloca en la comprometida situación de ver lo que ocurriría en Tokyo si hubiese un terremoto de magnitud 8. Un enorme drama humano, salpicado con las imágenes mas realistas que se han visto en los últimos tiempos.

Mención especial.- Spice & Wolf II: Siguen las desventuras de la loba economista, y son tan buenas como siempre. Un oasis de calma y calidad en la industria japonesa. Ojalá su éxito siga garantizando la adaptación tan magnifica que están realizando.

Película.- Ponyo en el acantilado: Aunque en realidad tiene más tiempo, nos llegó a los cines españoles este año. Es otro monumento de Hayao Miyazaki, exquisita en lo visual, y encantadora en la historia, que nos transporta a un mundo maravilloso durante el tiempo que dura la película.

OVA.- Eve no Jikan : Que trataré de comentar lo antes posible. La nueva obra de Yasuhiro Yoshiura es una pequeña maravilla. Solo seis episodios de 15 minutos le sirven para dibujar un fresco de una sociedad que convive con robots. Sin artificios y con mucha naturalidad. Imprescindible.

Mejor edición de anime en nuestro país este año: The sky crawlers. Debut de Selecta Visión en el formato blu-ray, y magnífico ejemplo de como deben hacerse las cosas: imagen perfecta, sonido espectacular y soberbios extras (aunque a resolución estándar). Su making off de más de 100 minutos, y su impecable apartado técnico la convierten en todo un referente a partir de ahora.

MANGA

La edición de manga en España ha sido algo mas limitada este año que otros, sobre todo en cuanto a títulos nuevos. Cosas destacables:

-La llegada por todo lo alto de Hiroshi Hirata a España, con sus obras “Héroes Anónimos” y “Satsuma Gishiden”. Historias japonesas de samuráis de las buenas, realizadas por uno de sus mejores artífices. Glénat ya ha dicho que editará mas tomos.

-También fue el año en que se editó una obra de Shigeru Mizuki: “Hitler, la novela gráfica”. El anuncio de Astiberri de la edición de Nonnomba, y sobre todo Gegege no Kitaro para este año 2010 es algo que llevaba mucho tiempo esperando.

-Volvió el mejor Suehiro Maruo con “La extraña historia de la isla panorama”, y el ya habitual Naoki Urasawa está deslumbrando con su reinterpretación del Astroboy de Tezuka en “Pluto”.

-Panini ha apostado fuerte por Tsutomu Nihei con dos de las obras que faltaban por editarse en España: “Biomega” y “Abara”. Y Planeta se ha arriesgado con dos obras de calidad como son “Astral Project” y sobre todo “Gaku”, un manga que la gente no debería perderse.

-El mercado mas juvenil sigue apostando por el “Shonen” y el “Shojo” que mas vende en Japón. Los grandes éxitos como One piece, Bleach o Naruto se siguen manteniendo. Mención especial a la llegada a España de los cómics originales del videojuego The legend of Zelda, que se están vendiendo muy bien.

-La cúpula sigue publicando las obras de Hideshi Hino, el maestro del horror. Cada vez editan menos manga, con precios cada vez más altos, pero al menos, siguen confiando en Hino.

-No todo podía ser bueno: Las cancelaciones han sido más de las deseadas, sobre todo por parte de Ponent Mon. Las editoriales además, parecen estar de acuerdo en que el mercado Español anda un poco tocado.

-Reediciones: Dr. Slump o Monster han vuelto por la puerta grande. Y Glénat ha dado una nueva oportunidad a series con malas ventas, reeditándolas a menos de 4 euros (entre ellas la imprescindible Say hello to black jack!)

Y con esto, damos carpetazo a otro año más. Por mi parte, aquí seguiré posteando lo que pueda, a pesar de que sé que es menos de lo deseable. Hacer entradas mas regularmente parece un buen propósito de año nuevo… pero juraría que ya lo hice el año pasado.

Feliz año 2010 a todos.

Estrenos de anime: Otoño 2009

2009-12-12T03:32:00.002+01:00

Con muchísimo retraso, llego por fin con los estrenos de Otoño. Por una vez hasta me había planteado dejarlo, pero como no he faltado aún a la cita ninguna vez y he recibido mensajes de varios lectores interesados (muchas gracias por el seguimiento), aquí lo tenéis.

Antes de ponerme con ello: La temporada de otoño ha sido mala. Muy mala. Tradicionalmente es la mejor época del año, pero parece que la crisis que está pasando el sector de la animación japonesa empieza a notarse mucho. Por un lado tenemos este desastroso otoño… y por otro, el ínfimo numero de series que se van estrenar en invierno, prácticamente una decena menos que el año pasado. Algo está pasando en Japón, y no tengo muy claro por donde va a salir.

Como siempre, voy a comentar las más interesantes. Y el resto las reseñaré brevemente al final del post.

Darker than black: Gemini of the fallen star

Personajes comunes y personajes nuevos para la continuación de una serie más que notable. La original se emitió en el año 2007, y fue una de las mejores del año. Acción y ciencia ficción se daban la mano en una historia muy bien llevada por el siempre solvente Studio Bones.

Esta continuación, de solo 12 episodios, continua la historia de la primera parte. Como habrá quien quiera ver la original (cosa totalmente recomendable), diré que la historia trataba sobre un gran muro que aparecía en Tokio, ocultando el cielo, y una serie de personajes con habilidades especiales que surgían a la vez en la ciudad.

Leí hace poco a propósito de esta serie que “Más Darker than black no puede ser nunca una mala cosa”. Y no le faltaba razón.

Aoi bungaku

Una de las propuestas mas interesantes del año, sin duda. A lo largo de 12 episodios, esta serie adapta 6 obras clásicas de la literatura japonesa, con algunos famosos dibujantes de manga actuales proporcionando algunos diseños.

Es una propuesta seria, con un dibujo y animación mas cercano a una producción cinematográfica que a una serie de tv. Es una adaptación sobria, muy fiel a las obras originales (aunque desgraciadamente solo puedo comparar la que conozco, que abarca los 4 primeros capítulos y sale muy bien parada).

Aquellos buscando una obra de calidad, no tienen que buscar más. Cada historia aquí presentada ha probado su calidad hasta convertirse en un clásico y las adaptaciones son de primerísimo nivel. Producciones así son las que ponen encima de la mesa la indudable calidad que puede alcanzar la industria japonesa cuando quiere.

The sacred blacksmith

Basada en unas novelas juveniles muy populares, llega la que pretende ser la serie medieval de la temporada. Con un estudio de animación potente detrás, es una producción de nivel más que aceptable.

La historia gira en torno a una joven caballero, Cecily, que lleva poco tiempo con esa distinción (que ha ido heredándose en su familia). En uno de sus primeros combates, contra un ex-militar que esta causando destrozos en una zona comercial, interviene y queda claro que su experiencia y nivel no están a la altura. Tras rompérsele la espada familiar, es rescatada in extremis por un joven que estaba de paso y usaba una espada de tipo oriental (la ambientación es medieval europea). El chico pertenece a un linaje de forjadores de espadas, y la protagonista le pedirá que le forje una.

No hay demasiada cosa destacable en la serie la verdad. Mezcla de forma mas o menos interesante la figura de los creadores de espadas, con las ordenes de caballería que defendían las ciudades medievales. Pero por lo demás, tiene un tono muy ligero, la protagonista se dedica la mitad del tiempo a gritar su nombre y frases rimbombantes (creo que en el primer episodio conté 5 veces) de forma un tanto ridícula, y los diseños en general son un tanto rutinarios. La historia podría ir a más conforme avancen los episodios, o podría ocurrir todo lo contario. Pero bueno, es entretenida al menos, y su realización es más que correcta.

Armed librarians: Book of bantorra

Otra adaptación de unas novelas de moda por Japón. Aquí se recrea un mundo fantástico donde los humanos al morir se convierten en libros, y su vida queda impresa en palabras a lo largo de sus paginas. En la serie hay una especie de “guerra” encubierta entre una asociación que se hacen llamar Libreros (porque custodian las “lapidas” de la gente) y una Iglesia que desprecia a los seres humanos, y los usa como armas contra los Bibliotecarios.

La verdad es que tiene elementos muy raros y algunos no acaban de encajar del todo, supongo que conforme avance la serie se explicarán más. Los Libreros tienen un grupo especial de miembros con habilidades especiales, para neutralizar a los de la Iglesia, y esos son los protagonistas.

A nivel de producción oscila bastante, y los diseños de personajes van desde los aceptables, hasta los totalmente genéricos. Es competente en general, pero tiene que conseguir una historia y narrativas coherentes para que de verdad llegue a merecer la pena. La parte inicial es demasiado inconexa como para interesar del todo.

Letter Bee

De las nuevas series, posiblemente esta sea la que mas me ha llamado la atención. Por la historia e imágenes me imaginaba algo tipo “Kino´s journey” y no he andado muy desencaminado, pero ha estado muy por encima del nivel que preveía.

Letter Bee se ambienta en un mundo donde las bestias campan a sus anchas. Las ciudades son lugares seguros, pero el transporte de información y mercancías entre ellas es complicado. Por ello hay una división de mensajeros, ampliamente preparados, que se encargan de ello. El protagonista pertenece a ese grupo y normalmente todas las entregas son de cartas, pero en esta ocasión lo que tiene que transportar es algo más peculiar: se trata de un niño.

A pesar de los reparos del chaval, acaban viajando juntos, rumbo a la casa de su tía. Parece ser que su madre (el remitente) le ha mandado allí. Mientras, somos testigos de como su familia fue atacada y los asaltantes le dejaron atrás.

Por esos parajes desolados, los dos personajes empezarán a trabar una relación de amistad, tratando de sobrevivir y llegar su destino.

Con tintes bastante “líricos” y una estupenda ambientación, la historia se hace muy interesante. Y tras los primeros episodios de introducción, la serie no hace sino conservar ese tono melancólico, añadiendo algún que otro personaje más y haciendo que el protagonista se plantee realmente su futuro.

Bonita, bien hecha, hasta cierto punto original y muy bien llevada. Esta es una serie que seguiré regularmente y espero en unos meses poder comentar mas en profundidad.

11 Eyes

Esta serie tengo bastante dudas de por donde puede tirar. La premisa es magnífica y tiene un look visual por momentos muy logrado, pero solo en los dos primeros episodios ya le he visto no pocos inconvenientes.

La historia arranca con un par de estudiantes de instituto, un chico y una chica, ambos huérfanos. Son un tanto retraídos, pero van tirando. Al comienzo del primer episodio, cuando están volviendo a su casa, hay como un terremoto y el mundo pasa a ser de color rojo. Todo el mundo desaparece salvo ellos, las calles están vacías, la luna es de color negro… y hay monstruos por las calles. Antes de ser atacados la realidad vuelve a ser como era antes.

No tardarán en ver que hay otras personas en su misma situación, en total son seis (el titulo de “11 ojos” viene de que el protagonista por una serie de circunstancias, perdió uno de los ojos y lleva un parche). Para sobrevivir no les quedará otra que juntarse.

¿Atractivo verdad? Y las imágenes de ese “mundo rojo” son impresionantes. Pero la serie tiene sus problemas: algunos personajes que no despiertan el suficiente interés, planos gratuitos de ropa interior femenina (que aun no sé muy bien a que venían), algunos chistes fuera de lugar y un protagonista un poco mustio. Si la serie logra que todo lo interesante que tiene, sobrepase a todos estor “peros”, podría llegar a ser una de las estrellas de la temporada.

Trapeze

Esta serie es mas rara que un perro verde con collar amarillo. Una completa marcianada, que sin embargo tiene cierto interés.

El protagonista es un trapecista de circo, muy joven, que ha sido contratado recientemente por un circo itinerante. Pero tiene un problema, da igual cuanto lo intente, en los saltos no logra alcanzar a sus compañeros. El resto del circo parece dejarle de lado, creyendo que es un inútil. Desesperado, decide ir a ver a un psicólogo, porque no puede dormir por las noches, la tensión y presión le pueden.

Aunque suene un poco redundante esta serie no es seria. Exageradísimas caras, situaciones surrealistas, una psicóloga que parece tener personalidad múltiple, actores reales… hasta un psicólogo de carne y hueso aparece de vez en cuando para hablar de los trastornos que se ven en la serie. Todo con un ritmo totalmente alocado. Los “casos psicológicos” de cada episodio tienen, no obstante, cierta base real.

Cosas así de raras son difíciles de recomendar, pero se trata de algo diferente y hasta cierto punto, interesante.

Winter Sonata y Kimi ni todoke.

Son las dos series románticas “de calidad” de esta temporada.

La primera esta basada en una serie de acción real Coreana que arrasó en Asia hace cosa de un año. La historia de dos estudiantes cuya vida parece ir ligada, y una serie de tragedias les ocurren a ellos y los que les rodean durante una época determinada de sus vidas.

Kimi ni todoke, por su lado, es la historia de una introvertida estudiante de instituto, que por su aspecto es llamada “Sadako” (como la de The Ring). Sus compañeros de clase huyen de ella, por su siniestro aspecto, que para nada es intencionado. Solo un chico la trata con una sonrisa, el chico del que ella está enamorada. Pero para acercarse a él seguramente tendrá que esforzarse mucho.

Ambas son series muy actuales, muy competentes, y francamente recomendables si este tipo de series son de vuestro agrado.

Otras series

1.- Battle Spirits, Asura Crying, Queen´s Blade, Sugo Chara, White Album, Inu Yasha, Koihime Musou, Natsu no Arashi, Kiddy Girl, Negima! o Kanokon… todas ellas han recibido secuela esta temporada. No las he visionado ya que casi todas las deseché en su primera temporada, pero también son estrenos de Otoño y seguramente mas de uno estará interesado en conocer su existencia. Especialmente destacables me parecen White Album y Inu Yasha, porque ambas finalizan ya del todo sus historias, y tienen una cierta repercusión.

2.- A Certain Cientific Railgun: También es una secuela, pero en este caso tiene algo de interés para mi porque si vi la primera serie (To aru majutsu no index, alias… la serie de la monja). Esta segunda temporada viene a ser una especia de spin off, basado en uno de los personajes de la serie original, Misaka, alias “la chica biri biri” o “La rayitos”, una Esper de nivel 5. Si disfrutasteis de la primera serie (correcta, sin más) seguramente la encontréis interesante.

3.- Kobato: La nueva serie de las chicas CLAMP (X, Clover, Tsubasa reservoir chronicle, Card Captor Sakura, Angelic Layer), muestra el lado mas ñoño de estas chicas. La protagonista es una chica que debe probar que puede vivir como una humana y lograr llenar su frasco interior con el sufrimiento de la gente, para que le sea concedido su deseo. Muy edulcorada, y con una protagonista francamente irritante. Los diseños están bien, como viene siendo habitual en sus creadoras.

4.- Miracle Train: Tras la serie de los niños que eran países (¿?) ahora llega otra que parece querer repetir el éxito de la primera… una serie donde un grupo de adolescentes son versiones humanizadas de estaciones de metro. Y juntos, se dedican a escuchar los problemas de las jovencitas y ayudarlas a resolverlos. En fin… no se muy bien que comentar, es todo tan ridículo y ñoño…

5.- Fairy Tail: Es la serie Shonen del año. Mientras los grandes éxitos como One piece o Naruto, siguen emitiéndose semana a semana, algún nuevo shonen animado tenia que llegar. Fairy Tail ocurre en un mundo mas bien medieval, y los jóvenes protagonistas son magos. Pertenecen a un clan de magos que les manda misiones y cosas así. No tiene nada especial, pero mucha gente quiere series de este tipo, y desde luego no es la peor que hay, parece bastante competente en su limitado espacio.

6.- Nyan Koi! : Un chico recibe la maldición de un dios gato, y pasa a poder escuchar todo lo que dicen los gatos. Es una serie de humor bastante poco inspirada, que además progresivamente se convierte en un harén (chico rodeado de chicas), lo cual le quita mas aún la gracia.

7.- Kampfer : Es una serie tan genérica y gratuita que es difícil hasta hablar de su argumento. Va de un chico que a veces se convierte en chica… para luchar con otras chicas. Travestismo, Fan service, poderes…todo pasado por la batidora de la forma mas plana posible. Cosas así hacen queme cuestione lo que se está cociendo por Japón.

8.- Seitokai no ichizon: No es un producto de primer nivel, pero es divertida a ratos. Se trata de una comedia, sobre un grupo de estudiantes en su grupo de actividades extraescolares como consejo estudiantil. Vamos que toda la serie tiende a ocurrir con 5 personajes en una misma clase. Los diálogos son muy acelerados, las situaciones absurdas, y el humor referencial está a la orden del día. Se acerca a lo que serían unas tiras cómicas de pocas viñetas.

9.- Heaven´s lost property: A un chico le cae una chica del cielo con forma de ángel (y poca ropa, dicho sea de paso) que le da una cadena y afirma ser su “mascota personal” y que hará “todo lo que su dueño le pida”. Para hacerse una idea del tono de la serie, lo mejor es ver lo primero que pide el chaval: hacerse invisible para poder ver a su vecina desnuda. ¿Tanto han cambiado los tiempos desde “Oh! mi diosa”?

10.- Sasameki Koto: Es otra serie romántica, solo que en este caso entre chicas. La historia no pasa de típica, con una chica abiertamente homosexual, y otra que tiene sus reparos y no acaba de aceptar su condición, ocultándola. Visualmente esta bien, pero no es nada que no se haya visto antes.

11.- Thriller Restaurant: Cada episodio son tres parte. Dos son un “slice of life” de un grupo de chicos en el colegio, y el último segmento es una pequeña historia de fantasmas que se cuentan entre ellos. La última parte podría haber tenido algún interés, pero en general es un producto bastante desangelado.

Y eso es todo (que no es poco) por ahora. En breve llegará la temporada de invierno, que seguramente podré comentar rápidamente, ya que aparte de que parece que va a ser algo floja (de calidad), también viene escasa (en cantidad).

Otoño: Dos sugerencias

2009-11-16T01:52:00.002+01:00

Mientras termino el post de animes de Otoño, me he dado cuenta de que hay dos propuestas muy pequeñas y muy curiosas, que me gustaría comentar por separado.

La primera de ellas, Fumiko no Kokuhaku, ha recorrido todo internet a una velocidad de espanto (casi tanto como su protagonista). Ya que su autor lo ha difundido libremente por la red, no veo ningún motivo para no enlazarlo. Apenas son dos minutos y medio. (Nota: La traducción no es mía, todo el mérito va para 13Jfdp13, que es quien lo ha subido subtitulado a Youtube)

Su autor es un estudiante universitario de animación, Hiroyasu Ishida, que aspira a ser director de anime. Aunque varios amigos suyos han colaborado en diversos aspectos de su realización, la mayor parte del trabajo esta realizada por él.

Cuando lo veo, no puedo evitar recordar animes como FLCL, o la desternillante secuencia de Lupin corriendo tejado abajo en la película de Hayao Miyazaki “El castillo de Cagliostro”. Ahora solo queda ver si su carrera irá hacia delante.

En segundo lugar, está Cencoroll, que muchos llevábamos un tiempo esperando. Su historia se remonta al 2005, cuando Atsuya Uki ganó el premio Grand Prix de kodansha con su manga corto “Amon Game”. Anime Innovation Tokyo surgió para esponsorizar proyectos independiente de anime, y eligió la historia corta de Uki para ser animada. Así, dirigido por el propio autor, se lanzó en el 2007 un corto, ya titulado Cencoroll, a través de la red, con un éxito tremendo. Lo pongo aquí a continuación.

Pero la historia sigue. Tras el abrumador éxito de la propuesta, Atsuya Uki se lanzó a hacer un corto de 30 minutos de animación, dibujado, animado, dirigido, y escrito por él mismo. La empresa de animación Aniplex, se ofreció por primera vez en su historia a dar respaldo al proyecto (a pesar de ser realizado por solo una persona). Y ha sido ahora, en pleno 2009 cuando ha salido a la luz esta pequeña película.

Con una historia más trabajada, un maravilloso estilo visual, y un acabado totalmente profesional, Cencoroll es una de las grandes sorpresas del año. La historia de esos seres deformes que se transforman según la voluntad psíquica de quien les controla, se narra de forma seria, pero con un sentido del humor muy atractivo. Con él, Uki confirma que es un nombre a seguir seriamente en el futuro, y que sabe dirigir muy bien.

Estos dos casos me recuerdan un poco a gente como Makoto Shinkai (Hoshi no koe, The place promised in our early days o 5 cm por segundo), o Yasuhiro Yoshiura (Eve no jikan, Pale Cocoon), directores/animadores que empezaron con obras pequeñas de muy alta calidad, y se han ido abriendo camino de una forma espectacular en la industria. ¿Llegarán igual de alto? Solo el tiempo lo dirá.

Héroes Anónimos

2009-11-09T18:56:00.002+01:00

Los autores mas clásicos tienen problemas para llegar al mercado Español, con muchos grandes nombres tristemente ausentes de las estanterías españolas. Con todo, poco a poco algunas editoriales van llenando los (enormes) huecos que tiene esta línea editorial en España. Uno de los grandes nombres que ha llegado este año ha sido Hiroshi Hirata.

Hirata es uno de los muchos autores que se sumaron a la corriente “Gekiga” creada e impulsada por Yasuhiro Tatsumi a finales de los años cincuenta, que trataba de distanciarse del estilo caricaturesco mas clásico, apostando por una estética mas realista y seria. Grandes autores como Goseki Kojima (Lobo solitario, Asa el ejecutor), Takao Saito (Golgo 13), Sanpei Shirato (Kamui) o el Osamu Tezuka mas tardío (Oda a kirihito, Adolf) estuvieron muy metidos en el movimiento. Se podría decir que esta tendencia acabó siendo lo que hoy en día llamamos Seinen.

Con la llegada de éste autor se ha vuelto a dar de nuevo un curioso caso ya bastante habitual en España. Años y años sin que se publicase nada suyo y de repente varias editoriales a la vez se lanzan de golpe. Glénat ha publicado este tomo y anuncia más para el año que viene… mientras Dolmen editorial está editando a la vez Satsuma Gishiden, una colección de 5 tomos considerada una de sus obras magnas.

“Héroes Anónimos” es un tomo único que contiene once historias cortas protagonizadas por diversos personajes históricos, cuyas acciones tuvieron mucha relevancia en su época. El tomo se completa con una páginas donde el autor comenta las historias.

La comparación más sencilla de hacer, en cuanto al dibujo de Hirata, es compararlo con el de Goseki Kojima (Lobo solitario) porque van en una línea realista bastante similar. Su estilo es muy detallado pero sin sobrecargar las viñetas más de la cuenta, con mucha fuerza a la hora de narrar las secuencias de acción. Hirata emplea viñetas de gran tamaño e incluso realiza algunas maravillosas ilustraciones a página completa en los momentos clave.

Aunque las historias son algo irregulares, todas tienen elementos muy interesantes y el poso de tremenda humanidad y dignidad que deja cada una de ellas al finalizar, es digno de elogio. Para no pocas personas, Hirata es el gran autor del “Jidaimono” (Historias de época, normalmente sobre samuráis y el estilo de vida medieval) más realista y crudo, interesándose especialmente por el sistema de castas y los personajes mas pobres. No me parece justo ponerle por delante o por detrás de otros compañeros del género, pero decir que está a la altura de Koike/Kojima o Ishinomori es buena muestra de que estamos ante todo un peso pesado.

La edición de Glénat es de la calidad a la que nos tienen acostumbrados. 300 páginas, incluidas algunas a color, en un formato mas grande que tomos habituales (en la línea de Adolf o Eagle). Papel de buena calidad, anotaciones históricas muy interesantes… y el aceptable precio (dado su tamaño y número de páginas) de 12 euros.

Y con esto queda saldada por el momento una deuda del panorama editorial Español. Hiroshi Hirata entra por la puerta grande con una magnifica obra, que muestra las muchas satisfacciones que nos puede brindar en el futuro. Desde luego tras haber leído este tomo, Satsuma Gishiden (Editorial Dolmen) pasa a ser una de mis prioridades de compra a corto plazo. Y que siga la racha.

Spectrum

2009-10-27T01:22:00.003+01:00

El mercado de los videojuegos ha ido evolucionando a pasos agigantados con el paso del tiempo. Hoy en día, raro es el hogar donde no haya una consola, millones y millones de juegos se venden a diario y la industria ha alcanzado una madurez bastante buena.

Pero hubo una época en que aquello no era así. Durante un tiempo la gente jugaba con sus ordenadores Spectrum, Amstrad, Atari, Commodore… era la gran “Época dorada del software español”. El marketing ha cambiado mucho, y con el la publicidad que se hace de los videojuegos. En aquella época las compañías contrataban a grandes ilustradores y autores de cómic, para hacer espectaculares portadas y para ilustrar su publicidad en revistas.

Y el software español usaba a autores españoles: Juan Giménez, Luis Royo, Alfonso Azpiri… y otros muchos poblaban las estanterías con sus portadas, que muchas veces eran las que hacían que algunos usuarios comprasen su juego. En realidad, no pocas veces, los gráficos eran radicalmente diferentes de lo que representaba la portada, pero aun así, portada y juego quedaban completamente unidos para siempre.

Hoy en día se siguen usando ilustraciones “artesanales” para las portadas, por supuesto. En Japón es habitual usar portadas hechas por gente que trabaja en el propio diseño gráfico del juego, y en el resto del mundo también se usan de forma habitual. Pero no suelen contar con la fuerza, el vigor y el impacto de las de aquella época. También es tristemente habitual el “collage” chusquero, la rotulación chapucera, y los “brillitos” made in photoshop… aunque no a los (horribles) niveles a los que han llegado los posters de cine.

Yo viví con intensidad toda aquella época, tenia un Spectrum ZX, que fue el más extendido por esta zona del mundo, debido en gran parte a su extenso catalogo y su asequible precio (comparado con otros ordenadores, claro). Cuando recibí la noticia de que Planeta DeAgostini iba a editar un recopilatorio de portadas del Spectrum di saltos de alegría.

Salió hace apenas unas semanas al precio de 14,95, y con el nombre de “Spectrum”. Recopila las ilustraciones (y bocetos) para videojuegos que hizo a lo largo de su carrera el prestigioso Alfonso Azpiri. Desde las adaptaciones de sus propios cómics (Mot y Lorna) hasta el juego erótico que supervisó (La colmena), pasando por auténticos clásicos como Camelot Warriors, Mad mix game, Sirwood, Phantomas… y montones más.

Son 130 paginas a todo color en formato Art Book con pastas duras y papel de muy alta calidad. Complementan el volumen algunas ilustraciones inéditas que no llegaron a publicarse, un prólogo de Gonzo Suarez, una biografía de Azpiri, varias ilustraciones adicionales relacionadas y pequeñas capturas de los juegos. Las mejores ilustraciones incluso gozan del privilegio de venir a doble página. El lomo y contraportada además, simulan el diseño de la caja que usaban los juegos de la época, todo un detallazo.

Absolutamente recomendable a todo aquel que disfrute de las buenas ilustraciones, a aquellos que vivieron nuestra época dorada de creadores del software con pasión, o a los seguidores de Azpiri. No es nada habitual ver en España material de esta calidad, y merece ser apoyado. Al menos yo, ya pasé por caja.

Una curiosidad: Un aficionado Vasco y un grupo de programadores este mismo año han publicado de forma independiente “La corona Encantada”, un juego para Spectrum y MSX hecho para homenajear a los juegos de aquella época. Para rematar la jugada han logrado editarlo en sus formatos originales (se pueden comprar en http://www.matranet.net/ ) con una suculenta portada nueva realizada por el propio Azpiri. Dicha portada está incluida en el recopilatorio, y es espectacular. Podéis verla sobre este párrafo.

Sakura Wars

2009-10-17T17:09:00.002+02:00

Llamada en Japón Sakura Taisen, Sakura Wars es una de las sagas de más renombre por el país del sol naciente. Durante los más de 12 años que lleva en curso se han sucedido multitud de juegos, novelas, cds, series de animación y mangas.

A pesar de su inmensa popularidad, apenas ha salido de Japón. En España solo hemos tenido la suerte de ver editadas los OVAs iniciales, y una película que no esta muy claro que pretendían trayéndola. Nuestra suerte de todas formas, parece haber cambiado este año, con la publicación del manga por parte de Glénat y con la llegada del 5º juego a occidente, dentro de unos meses.

Pero, ¿Que tiene de especial esta saga? ¿Por qué despierta tanto interés? Todo comenzó, como no podía ser de otra forma, con el primer videojuego de la saga, publicado en 1996 para la Saturn de Sega. Esta es la historia que nos ha llegado en el manga de Glénat y en los OVAs que editó Selecta-Visión.

Con diseños de Kosuke Fujishima (Estas bajo arresto, Oh! mi diosa), el juego original nos narraba las peripecias del joven Alférez Ichiro Ogami, que es destinado oficialmente a servir en el “Teatro Imperial”. La acción ocurre en los años 20, y se combina una ambientación propia de aquella época, con muchas maquinas de vapor.

La realidad es que la compañía de teatro imperial es solo una tapadera para un grupo encubierto que combate contra unos monstruos que están atacando la ciudad. Las mismas chicas que por las tardes actúan de cara al publico, cuando es requerido, usan unas armaduras especiales a vapor para eliminarlos. La misión de Ogami será doblemente dura: por un lado deberá conciliar a personajes tan dispares preparando las obras, y por otro deberá planificar las estrategias y comandar las misiones contra el enemigo cuando se requiera.

En el fondo es una serie que no sigue un esquema especialmente nuevo. Pero lo peculiar de su ambientación, los carismáticos personajes y lo entretenido de la historia, hizo que el videojuego tuviese una gran repercusión. Alternaba fases de juego de estrategia (las de los enfrentamientos) con largas secuencias de interacción entre personajes, e incluía numerosos finales, para los diferentes personajes femeninos.

Los siguientes juegos elevaron aun mas sus niveles de producción, con suntuosas secuencias animadas, y a día sigue fuerte en Japón. Han acumulado ya 5 juegos principales, 16 secundarios o menores, 8 series de Ovas, una serie de TV, y una película. No obstante, aunque los números sean apabullantes, en realidad la historia son los 5 juegos principales, y el resto de cosas solo son adaptaciones o simples cosas secundarias.

¿Y que es lo que tenemos editado en España? Desgraciadamente solo tres cosas (y una futurible 4ª) :

Sakura wars (DVD)

Editado por Selecta-visión, y que incluye 4 ovas. Cuando se editó en Estados Unidos su éxito propició que se fuesen editando mas cosas.

Desde mi punto de vista, parece destinado a los que ya habían jugado el juego o conocían de que iba la historia. Los dos primeros Ovas son precuelas de la historia principal, y los otros dos ocurren en algún lugar durante el desarrollo de la misma. Es decir, parece mas un complemento que una serie en sí. Con todo, la historia es buena presentando personajes, y la animación raya a buen nivel.

Aconsejable totalmente si uno ya se ha leído el manga o conoce la historia.

Sakura wars : the movie

Hay rumores que dicen que esto se licenció porque pensaban que estaban comprando una película de “Card captor Sakura”. No se si será verdad, pero se me escapan las razones de traer algo como esto, que ocurre entre el tercer y cuarto videojuego. Quien la vea de primeras no se va a enterar de quien es quien, ni nada parecido.

Sakura wars (manga)

Glénat nos sorprendió a unos cuantos con este anuncio. El manga de Sakura Wars es muy reciente, del 2003 para ser mas exactos, y es una adaptación fiel de la historia original del primer juego. El dibujo, a cargo de Ikku Massa, conserva el dibujo característico de Fujishima (es precioso, para que negarlo) y narra la historia con muy buen ritmo. Del guión se encarga el mismo autor de la historia original.

La edición de Glénat es magnifica.Todo aquel interesado en toda esta saga debería leerla, y parece desde luego el mejor punto de partida para el aficionado occidental. Tras su lectura, los Ovas antes mencionados son un complemento perfecto.

Hay un “pero” como casi siempre. La revista donde se estaba publicando cerró, dejando la colección en 9 tomos. Unos meses mas tarde el cómic prosiguió en otra revista. Pues bien… Glénat ha editado esos primeros 9 tomos, y no se ha pronunciado aún sobre la posibilidad de publicar la continuación. Es cierto que el tomo 9 no queda nada mal como final, pero sabiendo que hay más por delante, seria deseable que lo sacasen.

El quinto videojuego

Va a salir en Europa el próximo mes de marzo, para Wii y Playstation 2. Puesto que el juego se desarrolla en una nueva división creada en nueva york, y narra las peripecias de un joven encargado de ella, parece que será fácil meterse en él aun sin conocer nada de este universo. Desde luego parece una decisión bastante acertada, y ya trataré de poner impresiones cuando salga.

Como curiosidad final, a modo de anécdota, comentar que hasta hace un par de años en el centro de Tokyo había una cafetería tematizada en Sakura Wars. Para mi desgracia la cerraron el verano anterior a mi visita y me quedé sin verla. Pero da buena nota de la popularidad que llegó a alcanzar la saga.

Black Lagoon

2009-09-09T01:51:00.002+02:00

Pregunta en cualquier foro sobre series de acción y Black laggon saldrá rápidamente a la palestra. Hay quien llega a calificarla de “la mejor serie de acción de los últimos años”, y aunque es muy exagerado, es difícil no meter a Black lagoon entre las mejores, sin duda.

El manga original es obra de Rei Hiroe y apareció por primera vez en el año 2002, llevando recopilados solo 8 tomos en Japón. Es una obra de publicación francamente lenta (poco más de un tomo al año), y es la primera de larga duración de su autor.

Su creciente popularidad llevó a que en el 2006 se hiciese por fin la deseada adaptación animada. Se encargó del proyecto el estudio Madhouse, uno de los más prestigiosos de Japón. Una enorme productora que está detrás de obras monumentales como Millenium actress, Metropolis, Tehxnolyze, Kaiba, Paranoia agent, Dennou Coil… por citar algunas. Tiene obras muy menores también, pero que es una productora capaz de lo mejor, nadie lo duda.

La historia de la serie sigue a Rock, un sencillo ejecutivo de una gran empresa japonesa, que mientras está en viaje de negocios es secuestrado por la compañía Lagoon, en un tira y afloja por una información de capital importancia. Cuando la compañía para la que trabaja le deja de lado, decide unirse a sus secuestradores.

La compañía Lagoon, con sede en Roanapur (la ciudad a la que los peores delincuentes del mundo van a parar) , es un grupo de tres personas que se dedican un poco a cualquier tipo de encargo, principalmente el transporte de mercancías, para las diferentes mafias que operan en la zona. En realidad todo lo que pueda darles dinero, les puede parecer una buena idea. El grupo esta compuesto por Revy (la fuerza bruta), Dutch (el cerebro) y Benny (el informático). En ese sórdido ambiente es donde Rock debe empezar una nueva vida.

Se estructura por sagas, aunque rara vez son sagas de un solo episodio. Cada arco argumental suele ser de 2-4 episodios, aunque no es raro que personajes que aparecen en una, reaparezcan más adelante en otra. El tono de ellas también varía considerablemente, desde las de acción más peliculera, hasta las más serias.

Tras salir una primera serie de 12 capítulos, el mismo año de su emisión salió “The second barrage”, secuela directa. Por tener esa naturaleza de sagas, en muchos sitios se ha editado como una única serie de 24 episodios. En España nos llegó así, en un único pack, de la mano de selecta-visión. Para el año que viene se prevé una continuación en forma de OVA (original video animation), ya que el manga aún se sigue publicando.

¿Que hace de Black Lagoon una gran serie? Pues es la suma de muchas cosas, pero principalmente el hecho de que las espectaculares escenas de acción (de lo mejor que se ha visto últimamente), van apoyadas de fondo por unos personajes que verdaderamente tienen interés. Todo lo que rodea a los protagonistas, desde ciudad donde viven hasta los personajes secundarios que van encontrando en sus misiones, tienen una ambientación realmente lograda.

Así pues los ingredientes están todos ahí: unos altísimos valores de producción cortesía del estudio Madhouse, unos carismáticos protagonistas y secundarios, ese tono de cine de acción/cine negro que tan bien queda y unas espectaculares secuencias de acción, todo sin despegar demasiado tiempo los pies del suelo. Su éxito no me extraña, es una grandísima serie. Si tuviese que compararla con su versión manga, diría que es fiel a ella y también que está bastante mejor llevada.

Me gustaría comentar un detalle que me parece muy curioso. Y es que ahora se trata de una serie muy popular, su continuación prevista para el año que viene lo demuestra. Y sin embargo cuando Norma editorial publicó el manga original en España, allá por el 2003 (un año antes que en Francia, tres años antes que en Alemania, y cinco antes que en Estados unidos) poca gente parecía conocerla. Su adaptación animada no se realizó hasta tres años después, en el 2006. Buen ojo el de la editorial española, si señor.

Estrenos de Anime Verano 2009

2009-08-27T19:21:00.002+02:00

Otra vez con un poco de retraso, os traigo las series de animación que se han estrenado en Japón en esta temporada veraniega. Entre lo que he tardado en ver todos los primeros episodios, y que blogspot me ha dado problemas con las imágenes, por poco llegamos a otoño.

Bakemonogatari

La nueva serie del estudio Shaft, basada en unas novelas de NISIOISIN, uno de los mejores y más celebres autores de “light novels” en Japón.

Narra la historia de un chaval que sobrevivió recientemente al ataque de un vampiro gracias a la ayuda de Oshino, un experto en temas sobrenaturales. En un día normal de escuela, Koyomi (el protagonista) salva a una chica que estaba cayendo por las escaleras y descubre para su sorpresa que la chica no pesa nada. Según le cuenta, ha sido recientemente atacada por un monstruo y su peso “le ha sido robado”. El protagonista se ofrece a ayudarla.

Tan rocambolesca historia, repleta de referencias a espíritus y monstruos folklóricos, es acompañada del extrañísimo estilo visual de Shaft (mas serios de lo habitual) y de un ritmo narrativo perfectamente calculado. Prometedora, bien realizada y muy diferente. Uno de los estrenos fuertes.

CANAAN

Basada en una popular “novela interactiva” con actores reales, Canaan ha sido otro de los grandes estrenos del verano.

Un montón de personajes se reúnen en torno a una importante celebración cultural en Shangai. Entre ellos: una pareja de reporteros, una asesina profesional (Canaan), y una organización aparentemente criminal. Los hechos que suceden durante esa celebración tendran una importancia capital en el futuro de millones de personas.

Esta es de esas series difíciles de valorar viendo pocos episodios: una narración muy fraccionada, muchísimas preguntas en el aire, muchos personajes… el tipo de series que solo en los episodios finales juntan todas las piezas del puzle.

El nivel de producción es muy alto a todos los niveles. Buen dibujo y animación, buena banda sonora y una planificación de las secuencias de acción muy bien llevada. Veremos como evoluciona, pero promete ser una gran serie.

Umi Monogatari

“Historia marina” o algo así. Basada es unas populares maquinas de pachinko (¿?), narra la historia de dos hermanas que viven en el fondo del mar y deciden internarse en el mundo “del cielo” para devolverle a su dueña un anillo que han encontrado.

Por supuesto no pasa mucho tiempo hasta que una de ellas por error abre una tumba sellada, y la isla se ve amenazada. Por lo demás: Unos toques de humor por aquí, imágenes agradables por allá, música bien puesta y dos chicas en bikini todo el rato.

La verdad es que pensé que sería un producto de desecho pero es bastante agradable de ver, y los niveles de producción son bastante decentes. Si tan solo la historia tuviese más interés…

Tokyo Magnitude 8.0

Y no podía faltar una estupenda producción del estudio Bones, como no.

La serie se ha estado publicitando incesantemente como “¿Que pasaría si un terremoto de magnitud 8.0 asolase la ciudad de Tokio?”, cosa que parece ser es posible que ocurra algún día. La serie hasta mete un pequeño texto al comienzo de los episodios indicando la gran investigación que han llevado a cabo para que todo sea verosímil.

Cuando uno habla de este estudio resulta monótono… gran nivel de dibujo y animación, magnifica banda sonora, personajes bien desarrollados y todo eso. Si, la realización técnica es impecable.

Sobre la historia ya más en profundidad, sigue los pasos de una niña y su hermano, a los que el terremoto les pilla cuando estaban visitando juntos la isla de Odaiba (una pequeña isla que forma parte de Tokio y que está unida al continente por un puente).

Si uno solo pudiese ver una serie este verano, debería ser esta.

Umineko no naku koro ni (When seagulls cry…)

Tras el sonoro éxito de la magnifica “Higurashi no naku koro ni”, el autor Ryukishi07 se puso manos a la obra con su siguiente proyecto, volviendo a narrar una historia a medio caballo entre una historia de misterio y una de terror.

En esta ocasión la acción transcurre en una pequeña isla, propiedad de una adinerada familia. Una vez al año, el líder familiar reúne a todos sus hijos y nietos para ponerse al día y hacer una pequeña celebración. Hay una vieja leyenda que dice que ese líder vendió su alma a la bruja de la isla a cambio de una fortuna en oro, y el patriarca de la familia parece preocupado temiendo la vuelta de la bruja.

Siendo del autor de Higurashi, la ambientación es magnifica, la sensación de no saber del todo que hay detrás de todo lo que ocurre es absoluta. Y vemos a lo largo de los capítulos como algunos personajes son salvajemente asesinados, y como todos se van sumergiendo en un mundo absolutamente demencial.

Veremos como evoluciona, pero promete tanto como la anterior, y eso no es decir poco. Pocas cosas tan atractivas hay como una maldición, una leyenda, y un grupo de gente asesinada en una isla aislada. (Nota: aunque la historia de fondo es buena, al final al adaptación se ha quedado muy corta y por momentos queda llena de agujeros. Muy decepcionante viendo el material de partida)

Saint Seiya: Lost Canvas

Vuelven los caballeros del zodiaco, adaptando uno de los mangas mas recientes: “Lost canvas” (editado en España por Glénat).

Los personajes protagonistas son diferentes de los de la serie de toda la vida, pues en esta ocasión se nos narran los hechos de la anterior guerra sagrada. Tenma, el protagonista, tras lograr salvar a sus amigos de una inundación, empezará un entrenamiento para convertirse en el caballero de Pegaso, mientras su gran amigo de la infancia parece destinado a ser la reencarnación de Hades, rey del inframundo. La lucha entre los dos es algo que tarde o temprano tendrá que suceder.

El manga original era mucho más ágil de lo habitual en la saga, más dinámico y con una historia mucho mas variada que la original. Su éxito ha sido el que ha propiciado esta adaptación animada. Gran parte de la culpa de ello la tiene el espléndido diseño de personajes de Shiori Teshirogi, autora del cómic, y que es preservado fielmente en esta adaptación.

Sorprendentemente, el dibujo y la animación (dos cosas que, en mi modesta opinión, dejaban algo que desear en anteriores series) rayan a gran nivel. La animación, la dirección y la banda sonora son de alta calidad, y dan una gran sensación de serie “actual” que le sienta muy bien a la historia.

Taishou yakyuu Musume

Una serie “pequeña” pero que resulta más original de lo que pensaba, la verdad.

Con un más que correcto apartado audiovisual, nos narra la historia de un grupo de chicas que deciden formar un equipo femenino de baseball. Lo interesante de esta historia es que esta basado en hechos reales, y transcurre en 1925, narrando la formación del primer grupo femenino de baseball de Japón, una época en que se consideraba aun un deporte exclusivamente masculino.

No pasará a los anales de la historia (creo) pero es muy competente, y la ambientación de época esta logradísima.

OTRAS

-Kanamemo: Una chica menor de edad se queda sin familia y acaba trabajando en una tienda que reparte periódicos, junto a una pareja de lesbianas, una borracha aficionada a tocar a la gente, y la jefa que tiene como 10 años. Sinceramente… no le veo interés alguno, tremendamente sosa y en muchos momentos “gratuita”.

-Element Hunter: Un trio de chicos en el futuro que “saltan” a una dimensión paralela cazando monstruos que son “elementos” de la tabla periódica. Serie juvenil del montón, con un diseño medio decente solo a veces, pero que obviamente esta dirigido a chavales con el pretexto de enseñar la tabla periódica. Por supuesto, no me interesa.

-Princess Lover: Si el titulo es terrible, el contenido no es mucho mejor. Es una de esas historias con un chico con varias chicas a su alrededor, y una chica especial (en este caso una chica rica importante, de ahí lo de Princess). Totalmente indiferente me ha dejado.

-Aoi Hana: Esto ya se parece mas a un producto de calidad. Hay que reconocer que el nivel de producción es mas que bueno. Pero la historia de dos chicas, amigas de la infancia, que van a colegios diferentes… y que empiezan a sentir cosas la una por la otra, me interesa poco o nada. Pero bueno, supongo que este tipo de historiaa románticas femeninas tienen su publico, y no parece mala.

-Needless: Futuro post-apocalíptico, personajes con poderes, tirano que gobierna con mano de hierro, mujeres de grandes pechos, niñas en paños menores, hombres hipermusculosos y mucha acción. Es ese tipo de serie de acción genérica que no me atrae, y la serie encima trata a cada segundo de ser lo mas “cool” posible, produciendo algunas cosas bastante risibles.

-Yoku wakaru gendai mahou: Una aprendiz de maga, torpe y tontorrona, que estudia en una pequeña clase de magia. Comedia de situación con el tema magico de por medio, y 5 o 6 personajes en su día a día. Se deja ver, pero dista mucho de ser una serie a seguir, no pasa de agradable.

-Fight Ippatsu! Juuden-chan!!: Premio a la serie “¿Pero alguien ha aprobado esto?” del verano. Una chica de otra dimensión se encarga de recargar a los humanos deprimidos… sacando un enchufe y enchufándolos a la red eléctrica. Según parece, si andan demasiado “descargados” se deprimen y podrían llegar a suicidarse, así que ella les recarga las pilas… en un traje ajustado medio transparente y con todos los planos gratuitos posibles (o incluso más, con la llegada de una segunda compañera de grandes pechos). Increíble.

-Sora no manimani: Serie de estudiantes en torno al club de astronomía. El protagonista se ve arrastrado allí por una vieja amiga de la infancia. Me pregunto porqué cada temporada hay series así sobre diferentes clubs… ¿de astronomia? En fin… de todo tiene que haber supongo. Me gustan algunos diseños de personajes, pero poco aprovechable veo aquí.

-Kuroneko: Chistes de 2 o 3 minutos sobre gatos. Sin más.

Por ultimo esta “Spice and Wolf II” que no he comentado al ser una continuación de la primera temporada, y que sigue tan recomendable como siempre.

Y eso es todo. Hay no pocas cosas aprovechables, y muchas cosas sorprendentemente terribles. Pero bueno, variado ha estado el tema.

PLUTO

2009-08-09T22:59:00.002+02:00

7 de Abril de 2003. Esa fue la fecha de nacimiento que eligió Osamu Tezuka para el protagonista de “Astroboy”, cuando empezó a publicarse en los años 50. Hace ya unos cuantos años que dejamos esa fecha atrás, pero el 2003 fue indudablemente el año Astroboy: reemisiones, reediciones, nueva serie de animación y… Pluto, manga realizado para la ocasión por Naoki Urasawa.

Urasawa es ya un gran conocido entre los lectores Españoles: sus comienzos con Yawara (Cinturón negro), o la gran revelación que supuso Monster y su siguiente cómic 20th Century boy. Siendo un gran fan, Urasawa quiso aprovechar ese año de homenajes a Astroboy para homenajear a su modo al maestro, y se ofreció voluntariamente para realizar un remake de la saga mas popular del robot: “El mejor robot sobre la faz de la tierra” (Publicada por Glénat en su edición Española de Astroboy en el tomo 3). Tras alguna que otra discusión con los descendientes de Tezuka, se decidió que lo mejor sería que Urasawa hiciese su propia versión personal de la historia…. más que un Remake con todas las de la ley. Y así nació Pluto.

A diferencia del cómic original, éste no está protagonizado por el célebre Astroboy, sino por un detective robot llamado Gesicht, de la Europol. La historia comienza con el asesinato de un robot, poco después un humano de un movimiento de defensa de los derechos de los robots correrá la misma suerte. El investigador Gesicht tratará de llevar a cabo la investigación, y ver si detrás de todo el asunto se encuentra un humano que odia a los robots o (peor aun) se trata de un robot asesino. La única pista que tiene son dos enormes cuernos negros que aparecen como señal en todas las escenas del crimen.

Urasawa lleva la historia a su terreno, creando un cómic de misterio y suspense, mientras explora la complicada relación entre hombres y robots, y qué separa a unos de otros. Quien haya leído la historia original, sabe parte de lo que va a ocurrir, pero hay que tener en cuenta que hablamos de una de las historias mas leídas en Japón, Urasawa cuenta con ello y mete varias capas de historia adicionales que además de enriquecer el cómic, llegan a tener tanto interés como la propia historia principal.

No hay cambios en el personal estilo de dibujo que suele emplear Naoki Urasawa, todos los personajes del universo Astroboy (incluido el propio Astroboy, que obviamente no puede faltar) están rediseñados a su manera. No voy a ponerme a decir ahora lo grandísimo dibujante y narrador que es, baste con decir que en Pluto está en plena forma y el cómic es todo un regalo para la vista. Estamos ante el mejor Urasawa.

La edición de Planeta es buena. Los seguidores del autor lo agradecerán, tras las más que discutidas ediciones de Monster y 20th century boys. Con la reedición de Monster (muy buena edición) y Pluto… parece que la editorial está tomando el buen camino.

Es un cómic relativamente asequible. Solo son 8 tomos, y han salido a 7.95€ cada uno. Teniendo en cuenta la calidad del cómic en sí, debería ser compra obligada para cualquier aficionado (y si además uno se lee la historia original, mejor aún).

¿La historia más celebrada del personaje más celebre de Osamu Tezuka, versionada por uno de los mejores autores de las ultimas décadas? Cosas así son difícilmente superables.

GAKU (Cumbres)

2009-07-31T00:05:00.007+02:00

El mes pasado Planeta De Agostini publicó "GAKU", manga de Sinichi Ishizuka, con el que ganó el premio Taisho en el año 2008, y el prestigioso Shogakukan manga award al mejor Seinen en este mismo año 2009. Actualmente lleva ya nueve tomos recopilados en Japón, y se sigue publicando con gran éxito de ventas.

No es el primer manga sobre montañerismo que nos llega, Jiro Taniguchi ha hecho no pocas incursiones en el tema: La cumbre de los Dioses, El viajero de la Tundra o K, por poner 3 magníficos ejemplos. Pero la verdad es que el enfoque varía bastante.

Normalmente las historias de personas que escalan una gran montaña se centran en las dificultades, en su perseverancia ante la adversidad, en la superación humana... aquí en cambio, nos encontramos ante un protagonista que es rescatador voluntario y que parece que ya dejó hace tiempo su epoca de escalador aventurero. Colabora activamente con el grupo de rescate en montaña en los Alpes japoneses, y su pericia la aprovecha tratando de salvar a montañeros en apuros.

En cada capítulo, una pequeña historia. Personas muy diferentes que quieren cumplir un sueño, vivir una aventura... y cometen un error fatal o tienen mala suerte. El protagonista es bastante desenfadado en su trabajo, pero el realismo en todas las escenas y situaciones es muy palpable.

Quizás lo que más me ha sorprendido es ese enfoque a veces hasta ligero de la historia. No por las situaciones en sí, sino por la agilidad al narrar, la ausencia de un dramatismo exagerado y el caracter afable del protagonista. Y por el camino de este primer tomo vemos un pequeño flashback y algunos comentarios que nos hacen preguntarnos quién era el protagonista y porqué se dedica ahora a ese trabajo.

El dibujo es espléndido. Los personajes tienen mucha personalidad, y se apartan bastante del tipo de diseño habitual hoy en dia. La narración es ágil, muy dinámica, y los paisajes y movimientos de los personajes se notan completamente naturales y realistas.

Un nuevo acierto de la editorial Planeta, que espero que reciba una ventas acordes a su calidad.

La extraña historia de la isla panorama

2009-06-24T02:00:00.002+02:00

Ediciones Glénat publicó el pasado Salón del cómic de Barcelona, la obra mas reciente de ese artista único llamado Suehiro Maruo.

Maestro de lo macabro, buscador incansable del lado mas oscuro y depravado de la sociedad… cada cómic que publica despierta opiniones totalmente encontradas. Por un lado los que le ven como un gran artista, y por otro… bueno, no vamos a negar para mucha gente siempre será un autor bastante enfermizo.

Creo que no sería capaz de contar cuantas veces me han dicho aquello de “¿Te compras eso? Hay que estar muy mal para que te guste algo así”. El caso es que si uno lo piensa, si siguen publicando sus cómics es que de ventas no debe andar tan mal.

Aunque se han publicado varios libros de historias cortas, creo que donde más brilla el autor es en las historias que duran un tomo entero. Fácilmente podría citar sus mejores obras: La sonrisa del vampiro 1 y 2, Dr. inugami, Midori, y esta que nos ocupa. Todas son historias largas y curiosamente la mayor parte de ellas son mas o menos recientes, así que creo que Maruo es de esos autores que obra a obra se va superando a si mismo.

“La extraña historia de la isla panorama” se publicó originalmente el año pasado (2008) y parte de una historia del escritor Rampo Edogawa (Célebre escritor de misterio japonés. Escribí una reseña sobre un anime basado en sus obras: Aquí). Es un cómic algo peculiar para ser Maruo, porque deja a un lado (hasta cierto punto) las viñetas más explícitas, y nos deleita a cambio con una páginas dobles absolutamente magistrales y bellas.

Aunque sigue siendo un cómic para adultos y contiene unas cuantas escenas de sexo algo explícito, puede tratarse de la obra más accesible del autor hasta la fecha. Sigue mostrando una habilidad asombrosa en la disposición de viñetas, puede que incluso mejor que en obras anteriores. No solo se trata de un tomo bien gordo, sino que se lee con total fluidez y sus magistrales viñetas nos harán detenernos más de una vez a contemplar el espectáculo visual que contienen.

La historia tiene un punto de partida bastante “habitual” en las historias de misterio: La suplantación de identidad. El protagonista es un joven escritor que no tiene demasiado éxito con sus publicaciones y sueña con crear una utopía: una isla paradisiaca donde poder vivir, un lugar perfectamente bello a semejanza del Edén del que el hombre fue expulsado. Su oportunidad llega cuando muere un viejo conocido, asquerosamente rico, y el enorme parecido físico que tienen hace que pasarse por él, sea tarea fácil. Lo que quizás no sea tan sencillo es engañar a su mujer y gastar la fortuna de la familia en el proyecto de la isla.

Como viene siendo habitual, Maruo retrata con maestría las dudas y sombras que tiene el protagonista, enfrentado constantemente a los ojos de los demás. La segunda parte del comic (sin destripar nada) contiene las viñetas mas hermosas que ha dibujado nunca, y eso tratándose de Maruo es decir mucho.

El mes pasado, por cierto, empezó la publicación de “La Oruga”, un nuevo manga de Maruo basado una vez más en un relato de Rampo Edogawa. Trata sobre un veterano de guerra que vuelve a casa con el cuerpo destrozado y depende de su mujer para vivir, ya que no puede ni moverse. Veremos si cuando llegue el momento Glénat nos lo publica también. Os dejo la portada:

Otsuichi en España

2009-06-15T23:55:00.001+02:00

Hirotaka Adachi, alias “Otsuichi”, es un escritor Japonés que suele moverse por varios géneros. Además de escribir novelas, ha realizado los guiones de sus adaptaciones manga y ha intervenido en unas cuantas películas.

Glénat parece haberle cogido afición porque ya ha editado tres mangas suyos, el último en el pasado Salón del cómic de Barcelona. Los tres han salido dentro de su línea Seinen, una de las que más calidad tiene en España (aunque con algunos errores, como “Apocalipsis en el instituto”).

GOTH

La primera obra que nos llegó fue GOTH. Llamó bastante la atención en su momento por la atractiva portada (prácticamente negra) y su estilizado y sombrío dibujo. En occidente es seguramente su obra más conocida.

La historia no era para menos tampoco, una pareja de estudiantes a cual mas raro, metidos en todo tipo de macabras investigaciones. El título supongo que hace alusión a la personalidad del chico protagonista: sombrío, pesimista y bastante obsesionado con la muerte. El primer capitulo se llama “El caso de las muñecas cortadas”, que ya indica muy a las claras de que va todo el cómic.

Encargándose del dibujo tenemos a Kendi Oiwa, un gran dibujante que también se encargó de la adaptación en cómic de “Welcome to the N.H.K.” (a la que dediqué un post: Aquí). Hace un gran trabajo con los personajes, y dibuja con todo lujo de detalles las explicitas escenas que ven los protagonistas (no es un cómic apto para estómagos sensibles).

Como es costumbre en su autor, el tomo se cierra atando todos los cabos, y a pesar de venir de una novela, no se nota precipitación alguna en el ritmo, ni se hecha en falta ningún tipo de información.

Missing Holiday

Cuando había pasado más o menos un año desde la publicación de GOTH, Glénat decidió volver a apostar por este peculiar autor y sacó al mercado “Missing Holiday”.

El tipo de historia es muy diferente al tomo anterior, mucho más sencilla y más ligera. La protagonista es una chiquilla consentida de familia rica, que cree que su padre no la hace el suficiente caso por la nueva pareja que tiene. Así que ni corta ni perezosa se encierra en las dependencias de una de las sirvientas y escribe una nota fingiendo su propio secuestro. Lo que en un principio iba a ser solo un toque de atención a su padre, se complicará cuando la policía entre en juego.

Hiro Kiyohara se encarga del dibujo. Se trata de un joven talento que apenas acaba de empezar, éste y “Callng you” son sus únicas obras destacadas… por el momento. De trazo fino y muy expresivo, casa perfectamente con la historia que se narra.

El cómic esta un peldaño por debajo de GOTH, pero no le falta calidad. La historia empieza de una forma bastante sencilla, pero conforme avanza se va complicando hasta llegar a un desenlace que no deja nada abierto. Desde luego si algo hay que destacar de Otsuichi, es que sus historias funcionan como un reloj suizo.

Calling You

La tercera y última (hasta este momento) obra suya editada en España. Si la primera podría ser un comic sobre el lado mas oscuro de la sociedad y las personas, y el segundo giraba en torno al tema de una familia desestructurada, este tercer cómic tiene un tema muy claro: la comunicación. Y si del primer al segundo cómic había un abismo de diferencia en tono y en tipo de historia, aquí vuelve a ocurrir.

La protagonista vendría a ser la chica rara de la clase. Todo el mundo tiene amigos y se pasan el día entero con el móvil hablando. Ella no, no tiene prácticamente amigos, y eso hace que lo de tener un móvil sea innecesario.

Pero aun así, le gustaría tener uno, y empieza a imaginarse como podría ser. Día tras día se obsesiona con el tema, hasta el punto de empezar a actuar como si fuese real. El auténtico problema llega cuando un día, recibe una llamada de otra persona.

Aunque el punto de partida es algo… peculiar, una vez tomado ese punto de partida, la historia se desarrolla de una forma tremendamente coherente. Al otro lado del teléfono, hay un chico con dificultades para relacionarse socialmente y entre los dos se establece una relación de comprensión y ayuda mutua. No es una historia necesariamente de amor, de hecho es un tema que directamente ni se menciona.

Tampoco es una historia tan sencilla como parece, hay montones de elementos aquí y allá que solo cobran sentido al finalizar el manga, formando un cuadro completo realmente sorprendente. No voy a poner ejemplos porque arruinaría algunas de las cosas mas interesantes, y es solo un tomo. Al final lo que queda, es una maravillosa parábola sobre la incomunicación en un país líder en tecnologías de la comunicación. Me ha recordado agradablemente a las películas de Makoto Shinkai.

El dibujante es el mismo de Missing Holiday, en su segunda colaboración con el autor. Hay una gran simbiosis entre los dos, es difícil separar sus dibujos de la historia y viceversa. Lo cual tiene bastante merito teniendo en cuenta que parten de un relato ya escrito.

Las tres ediciones son buenas. Hasta se han tomado la molestia de realizar una presentación similar en las tres, en negro y con las letras en blanco. Eso si, bastante criticable es desde el punto de vista del contenido, así como ese estilo pegaba mucho en GOTH, en las otras dos no, y seguro que mas de uno las ha comprando esperando algo similar (con el consecuente disgusto). Ha sido una elección de títulos algo extraña, porque sí tiene más cosas de terror y quizá era lo que algunos esperaban.

¿Habrá mas Otsuichi en España? Ya veremos, por lo pronto Glénat parece interesada. Ya tenemos tres comics, cada uno bastante destacable en su estilo de historia. Mientras sigan manteniendo este nivel, son compras aseguradas por mi parte.

Estudio Ghibli en España

2009-06-05T18:26:00.002+02:00

No suelo hacerme eco de demasiadas noticias, pero esta lo merece.

Tras editar un buen puñado de películas Ghibli (El castillo ambulante, Mis vecinos los Yamada, Cuentos de Terramar, Puedo oír el mar) en los últimos años, Aurum ha anunciado que se ha hecho al fin con los derechos para editar en España todo el resto del catálogo Ghibli.

Así, durante este mismo año 2009 y el próximo 2010, irán saliendo los siguientes títulos:

-Nausicäa del Valle del Viento.

-El Castillo en el Cielo.

-Mi Vecino Totoro.

-Nicky, La Aprendiz de Bruja.

-Recuerdos del Ayer.

-Porco Rosso.

-Pompoko.

-Susurros del Corazón.

-La Princesa Mononoke.

En el comunicado de prensa se indica que estarán supervisadas por el propio estudio Ghibli, y que ya están trabajando en un planning de doblaje. También se editará Ponyo, claro. Y están barajando editar los títulos en Blu-Ray conforme vayan saliendo en Japón.

Eso si, habrá que ver a que se refieren con lo del doblaje. Si bien Porco Rosso, Mi vecino Totoro o La princesa Mononoke ya tenían excelentes doblajes, otras películas necesitan de un redoblaje o una mejor edición como el comer:

-Nausicaä del valle del viento: Fue editada como “Guerreros del Viento” con media hora menos de metraje y el guión cambiado (Nausicaä se llamaba Sandra, por ejemplo).

-El castillo en el cielo: Aunque llegó integra, en su anterior edición los subtítulos partían del doblaje americano, mostrando montones de frases de “relleno” cuando nadie estaba hablando. Además la imagen no era todo lo buena que uno desearía.

-Nicky, la aprendiz de bruja: Fue peor aún, porque el propio doblaje castellano partía del original americano, que cambiaba parte de la banda sonora y también añadía ese “relleno” en el doblaje. Se ve que la gente no es capaz de estar atenta a una película de dibujos animados si hay escenas en silencio (sigh…)

Veremos que hace Aurum con todos estos detalles, pero sea como sea… es una de las mejores noticias que podíamos recibir los aficionados a Ghibli. Tras muchos años de espera, al fin Ghibli aterriza en España en condiciones.

Estrenos de Anime Primavera 2009

2009-06-03T22:18:00.002+02:00

Un poco más y se me junta con la de verano. El retraso ha sido debido en parte al voluminoso numero de novedades que trae esta época del año, y en parte a mi desgana crónica. Por si alguien no anda muy enterado del tema, se producen estrenos de Anime al comienzo de cada estación, y los momentos fuertes son primavera y otoño (donde se estrenan las series de primer nivel). Eso es en teoría, todo los años hay grandes excepciones.

Hay tal volumen de series que he optado por comentar solo las que pueden ser mas interesantes. Allá van:

Eden of the east (Higashi no eden)

Es una de las más esperadas del año, producida por Production I.G. y escrita y dirigida por Kenji Kamiyama (Ghost in the shell: stand alone complex / Moribito), quien ya se ha hecho un hueco como gran director en Japón a sus 43 años.

Un apartado visual de autentico lujo y con un buen ritmo narrativo como es costumbre en su director. El argumento trata sobre Saki, una estudiante japonesa que cuando visita Washington se ve envuelta en una situación muy comprometida con la policía, ahí hace su aparición un hombre japonés desnudo que solo lleva una pistola y un móvil, que la ayuda a salir del apuro. El hombre no es capaz de recordar quien es, ni porque tiene un arma en sus manos. Juntos decidirán volver a Japón y en el aeropuerto descubren que el país ha sido bombardeado por unos terroristas con unos misiles. La cuestión que se plantea desde un principio es… ¿podría ser ese hombre amnésico un terrorista encubierto?.

Serán un total de 11 episodios, seguidos de una película mas tarde que cerrará la historia. Un planning bastante peculiar, la verdad.

Fullmetal Alchemist: Brotherhood

Si bien la serie Full Metal Alchemist fue todo un exitazo hace unos años, su adaptación animada tuvo algunas quejas por haber sido poco fiel al manga original. Los chicos del estudio Bones, que no son tontos, ahora que el cómic esta a punto de finalizar, se han lanzado a hacer de nuevo la serie adaptándola esta vez fielmente.

Los primero episodios son más o menos resúmenes del comienzo de la antigua serie, alcanzando rápidamente el punto donde se desviaron de la historia. ¿Es mejor así? ¿Es peor? Lo cierto es que es difícil de precisar, la serie original tenia una apartado audiovisual bastante superior a esta nueva versión, y el ritmo de los capítulos resumen ha sido un tanto discutible. Habrá que ver en que queda.

Puede verse de forma gratuita a través de youtube, con subtítulos en castellano, al poco de salir los episodios en Japón. Una buena iniciativa sin duda.

Guin saga

Hace pocas semanas falleció Kaoru Kurimoto, una veterana escritora de novelas de fantasía. Su principal legado es “Guin Saga”, una monumental saga de 126 volúmenes cuya publicación empezó en 1979 y ha durado hasta su muerte. Se considera la gran saga de fantasía escrita en Japón.

Guin es un hombre incapaz de recordar quien es, lleva una mascara de Leopardo mágicamente adherida a su cabeza y su carácter oscila entre lo normal y la agresividad más violenta cuando se le presenta un combate. Al comienzo de la historia, dos gemelos huyen del castillo de sus padres por un ataque enemigo y van a parar a un oscuro bosque. Allí se encontrarán con Guin y emprenderán viaje bajo su protección.

Visualmente cumple, aunque quizás esperaba mas del estudio Satelight (autores de la sublime Macross Frontier el año pasado) y la épica banda sonora corre a cargo de Nobuo Uematsu (Final Fantasy VII). En principio parece que va a adaptar las primeras dieciséis novelas, que según parece forman todo un arco de historia. La sensación que me da es que está más cerca de Conan que de algo tipo El señor de los anillos.

Destacar la importancia histórica que tiene, fuente inspiración para casi todos los autores del género posteriores: desde Lodoss War hasta Barserk de Kentaro Miura.

K-ON!

Mientras no soltaba prenda de la segunda temporada de Suzumiya Haruhi no Yuutsu, el estudio Kyoto Animation ha lanzado una nueva serie. K-on hace referencia al “Club de música ligera” de un instituto japonés. Las cuatro protagonistas se juntarán para tocar juntas y cumplir su sueño de llegar un día a tocar en el célebre teatro Budokan de Tokyo.

El producto es típico del estudio. Un dibujo y animación bastante buenos, un ritmo ligero siguiendo a los personajes casi día a día, buena música y en general con un tono muy agradable. Parece mentira lo sencillo que suena, y sin embargo pocos estudios logran cosas tan majas como ellos… señal de que es mas difícil de lo que parece. Con todo, es claramente una serie que aporta poco nuevo a su catálogo.

Shangri-La

Es la apuesta fuerte del estudio Gonzo (Last Exile, Samurai 7, el conde de montecristo…) para este año y parece que se les puede quedar en nada.

A nivel visual tiene poco que reprochar salvo el como siempre metido con calzador uso de ordenador que hacen. La historia trata sobre una chica, hija de la cabeza visible del principal movimiento de oposición al gobierno, que acaba de salir de la cárcel. Todo ocurre en un futuro donde el control del CO2 ha hecho que toda la economía mundial gire en torno al mercado del carbón. Según se puede ver en el primer episodio, Tokio esta totalmente destruida y sus ruinas están llenas de vegetación.

Si bien visualmente me parecía atractiva, la historia es una gran decepción, con decenas de personajes diferentes, una narración que salta de uno a otro sin ton ni son, y con una premisa de fondo (el mercado del carbón) que es cualquier cosa menos interesante. Sospecho que conforme avancen los episodios la cosa puede mejorar bastante, pero se me han quitado las ganas.

Basquash!

Realizada por el estudio Satelight (como Guin Saga), la premisa de esta serie es bastante “peculiar”: ¿A quien se le ocurrió combinar robots pilotados con baloncesto?

La verdad es que su gran punto a favor es al gran apartado artístico y visual que tiene. Con unos diseños bastante originales, una ambientación en los suburbios de la ciudad muy conseguida, un toque futurista muy atractivo y con una calidad de animación muy alta.

El protagonista es un chaval rebelde al que le apasiona el baloncesto y que sobrevive a base de robar. Ha adoptado una identidad oculta para cometer sus actos delictivos y pronunciarse en contra del baloncesto robótico. Desde que años atrás por culpa de uno de esos robots su hermana estuvo a punto de morir, desea que el baloncesto vuelva a ser entretenido y divertido, no la abominación lenta y mecánica que se ve en la tele. Odia profundamente los robots gigantes.

Un gran apartado artístico al servicio de una historia un tanto rutinaria por momentos pero prometedora.

Suzumiya Haruhi no yuutsu : “2ª temporada”

Tras bastante tiempo esperándolo, finalmente es un hecho: Vuelve Suzumiya Haruhi con nuevos episodios, intercalados con los de la primera temporada. En realidad el resultado va a ser una única temporada de 26 episodios que adapta fielmente de forma cronológica las novelas originales.

De momento solo ha aparecido el primer episodio (que corresponde al numero 8 de la serie antigua) y ha estado al nivel de lo esperado. Buen nivel audiovisual, buena historia, nuevo Ending… cumple con todo lo que se le pedía (y no era poco). Sobra decir que en Japón movilizó a media población.

Pandora Hearts

Del bastante rutinario estudio Xebec, nos llega la historia de un chico de 15 años que vive a cuerpo de rey en una entorno medieval. Cuando llega la hora de su coronación, cuando sin saber muy como o porque, le agarran y le arrojan a un prisión llamada “El abismo”, y un grupo de nombre Pandora quiere que se una a ellos.

Visualmente es un poco del montón y la historia tampoco parece que sea la bomba, aunque tiene un toque algo oscuro bastante atractivo. Los dos primeros episodios apenas han presentado la historia, y son algo rutinarios.

Cross Game

El maestro Adachi (Bateadores, Short Program) volvió a la carga con el tipo de historias que mejor se le dan con Cross Game, manga que ganó el Shogakukan Manga Award el año pasado. Esta adaptación animada logra recrear perfectamente su estilo, con esa estética tan particular suya. Es cierto que la animación en si no es para tirar cohetes, pero al recrear tan fielmente el estilo de Adachi, hace que todo parezca mas una serie hecha a principios de los 90 que ahora. Y eso le da un toque bastante especial.

La serie sigue los pasos de unos personajes que se conocen desde que eran niños, ya que son vecinos y siempre acaban pasando el tiempo libre entre ellos. Uno es bueno en natación, otro en Baseball, y la chica de la historia disfruta su tiempo libre con ellos. Pero puede que pronto algo cambie en sus tranquilas vidas.

Una vez mas nos encontramos con esos personajes tan humanos, con esas situaciones de la vida que cambian todo lo que te rodea, y esas pequeñas pero grandes decisiones que todos debemos tomar. La verdad es que es difícil hoy en día encontrar cosas con tanta personalidad como la de Adachi, y uno lo agradece.

Phantom: Requiem for the Phantom

Tras encargarse de “Blade of the inmortal”, Koichi Mashimo y su estudio Bee Train vuelven a la carga con una de esas historias que tan bien saben explotar: las de asesinos en serie.

En este caso está basada en un juego original de Pc que tuve ocasión de jugar entero hace un par de años. La historia es de alta calidad, con personajes muy bien desarrollados y con momentos impresionantes. Con suerte, la adaptación sabrá recoger todo esto.

El primer capitulo actúa un poco a modo de presentación, y apunta muy buenas maneras. Se ve que el amigo Mashimo sigue fiel a su estilo. Todos los que disfrutasen Noir o Madlax estarán encantados.

Lupin III vs Detective Conan

Más de uno puede emocionarse al leer el título. No, no es una serie ni una película. Es solo un Ova especial con los dos personajes en una misma historia, pero sin ningún enfrentamiento real entre ellos en plan “bueno vs malo”. Mas bien coinciden durante una misma investigación y se echan un cable.

Es un crossover bastante curioso, con el nivel técnico habitual de un especial de tv (normalito vamos) y con una historia que realmente no afecta al final a ninguna de las dos sagas de forma sustancial… pero entretenido de ver. Una curiosidad, sin mas, que reúne a dos de los personajes mas populares de Japón.

OTROS

-Queen´s Blade: Chicas, grandes pechos, muchos desnudos, referencias sexuales y una historia malísima. Producto totalmente de desecho.

-Asura Crying: Chico convive con el fantasma de una antigua amiga suya y hay varios grupos de gente que buscan un objeto que posee. Mediocre.

-Ristorante Paradiso: Una de tipo costumbrista siguiendo las andanzas de un restaurante de tipo italiano. La verdad es que se hace agradable.

-Sengoku BASARA: Basada en una conocida saga de videojuegos medieval. En plan batallas feudales MUY exageradas. Visualmente no está mal.

-Charade no Joke na Mainichi: Un chiste corto para cada día del año. Corto, mal dibujado y lo peor de todo… sin gracia.

-Saki: Jovenzuelas en minifalda jugando al Mahjong. Bastante deplorable, porque encima explotan todo lo que pueden lo de las minifaldas.

-Shin Mazinger Shougeki! Z-hen : Enésima revisitación de Mazinger Z. Para los fans del personaje supongo.

Hay más, pero en una época así uno es incapaz de verlo todo: 42 series de TV y 20 series de ovas. Y en breve empiezan las de verano, ¡ Esto es un no parar !

Ponyo en el acantilado

2009-05-27T23:04:00.003+02:00

Hace ya unas cuantas semanas que llegó a nuestras pantallas la nueva joya de Hayao Miyazaki. Más de cuatro años han pasado desde su anterior película “El castillo ambulante” y ocho desde “El viaje de Chihiro”. Como se ve, el maestro se toma su tiempo con cada producción, de seguir a este ritmo su siguiente película no aparecerá hasta el 2012, casi nada.

El argumento empieza con un pequeño pececito con aspecto de niña (una sirena algo sui generis) que se escapa de un barco sumergido y emprende un viaje hacia el exterior. Al llegar a la costa conocerá a Sasuke, un niño de cinco años que vive en lo alto de un acantilado con su madre.

Según como se mire puede dar la sensación de que es una película poco ambiciosa o bien puede uno inclinarse a pensar que es en su sencillez donde reside su gran atractivo. Está claro que la película está dirigida a niños más pequeños que otras producciones, pero creo que precisamente lo ha elegido así porque su inocencia permite un cuento rebosante de imaginación y sinceridad.

El protagonista tiene cinco años pero no es un chaval que tenga comportamientos muy infantiles, Miyazaki nos lo muestra como una persona que sabe lo que quiere, muy responsable y aplicado. Al poco de empezar decidirá que lo que realmente desea es estar junto a Ponyo y esa decisión inquebrantable la mantendrá siempre, pase lo que pase. Es ese tipo de relación inocente que solo se puede conseguir a través de los ojos de un niño.

Posiblemente sea una de las películas más entretenidas de ver de su director. Con un ritmo muy vivo, constantemente están ocurriendo cosas. Es difícil quedarse con una sola escena de la película, tiene tantas secuencias imaginativas que es complicado elegir: desde la escena de apertura hasta el maremoto, pasando por la historia de los barcos en alta mar o la aventura de Ponyo y Sasuke en barca… todas ellas son momentos para el recuerdo.

Los dos niños son los protagonistas casi absolutos de la historia. Esto hace que las historias de otros personajes queden algo más desdibujadas (especialmente las figuras paternas), y que en ocasiones uno pueda echar en falta algo más de información sobre todo lo que rodea a la película. Pero no se ni si pueden ser considerados realmente fallos, porque parece bastante evidente que está hecho así a propósito, y seguramente ningún niño eche nada a faltar. Seguramente un segundo visionado me haga percibir más detalles que la primera vez.

El apartado visual nos devuelve al mejor estudio Ghibli tras el fiasco (a todos los niveles) de “Cuentos de Terramar”. Si algo distingue a esta película del resto, seguramente sea el uso del color, asemejando las ilustraciones a acuarela de Miyazaki y con un aspecto totalmente artesanal. Para dotar al mar, lugar donde ocurre casi toda la película, de ese aspecto tan especial que tiene en la película, el propio Miyazaki se empeñó en dibujarlo personalmente, y ha reconocido en varias entrevistas que disfrutó tremendamente experimentando con el tema.

El apartado sonoro tampoco se queda atrás. La partitura de Joe Hisaishi es exuberante y vibrante, siguen pasando los años pero sus colaboraciones con este director siguen sacándole lo mejor que lleva dentro. Además, la tierna canción que acompaña a la película seguramente se convertirá en una de las favoritas de los niños que la vean: inocente, sencilla y preciosa.

La frase final, al igual que en todas las películas de Hayao Miyazaki, seria: Visionado obligado. Miyazaki lo ha vuelto a lograr.

El blog cumple un año

2009-05-18T21:42:00.004+02:00

Mas de 3.000 visitas y un año de publicación, son dos cosas por las que me siento bastante contento. Es cierto que la periodicidad es algo discutible, pero para lo “pequeño” que es este blog creo que no esta muy mal.

Cuando empecé a publicarlo no las tenia todas conmigo de que fuese a durar demasiado, pero al final he logrado mantenerme fiel todo un año. A partir de ahora solo puedo esforzarme más para mejorarlo todo lo que pueda y seguir adelante.

Esta es la entrada numero 36, así que supongo que voy a una media de tres post mensuales. Prometo durante el próximo año tratar de llegar a cuatro o mas.

He realizado este pequeño recopilatorio por temas de lo que he publicado en este tiempo. No están todos los post porque he dejado fuera la presentación inicial o las felicitaciones navideñas:

MANGA

-Compras del mes de Junio 2008 (tras salón del comic): Parte 1, Parte 2.

-King of thorns.

-Daydream.

-Ikigami: Comunicado de muerte.

-Aula a la deriva.

-EAGLE #1.

-Repaso a la obra de Tsutomu Nihei. Y comentario sobre BIOMEGA.

-Repaso a la obra de Ryouji Minagawa , D-live! incluido.

-Hideshi Hino en España. Parte 1, Parte 2 y Parte 3.

-Shuna no tabi, de Hayao Miyazaki.

-Astral Project.

-Nijigahara Holograph.

ANIME

-Comentarios sobre los animes de primavera/verano 2008.

-Capitan Harlock: Mi juventud en la arcadia.

-Peter Chung: retrato de un animador con personalidad.

-Serial Experiments Lain.

-Comentarios sobre los animes de otoño 2008: Parte 1, Parte 2.

-Evangelion 1.0: You are (NOT) alone en Cines.

-Comentarios sobre los animes de Invierno 2008.

-Repaso a la obra de Kunio Kato, ganador del Oscar al mejor corto de animacion en los Oscars.

-COBRA: 30 aniversario.

-Galaxy Express 999: La película.

-Spice and Wolf.

-CHIKO, Heiress of the Phantom Thief.

OTROS

-Shiro Sagisu: Musica de Evangelion 1.0. La banda sonora.

-¿Que son las Light Novels?

-Welcome to the N.H.K. (light novel).

Como es una cosa bastante importante para mi, en próximos días colgaré nuevas entradas. Además, estoy revisando poco a poco todas las entradas anteriores, ajustándolas y corrigiendo errores.

A los (pocos) que me leéis, muchas gracias.

CHIKO, Heiress of the Phantom Thief

2009-05-15T00:51:00.002+02:00

El año 2008 ha dejado bastantes buenas series, muchas de las cuales se han quedado a la sombra de las producciones “mayores”, de forma difícilmente justificable. Todos los años hay pequeños “sleepers” que solo una pequeña parte del publico llega a ver enteros, a pesar de su calidad. Nijū Mensō no Musume (CHIKO, Heiress of the Phantom Thief) es una de ellas.

Surgida de la colaboración entre el prestigioso estudio Bones (Eureka Seven, Wolf´s Rain, Fullmetal Alchemist) y Telecom Animation Film, colaboradores de Hayao Miyazaki y el estudio Ghibli en muchas producciones animadas, la serie esta basada en un personaje mítico: El célebre ladrón de las veinte caras, creación de Rampo Edogawa.

Nijū Mensō (Veinte Caras) es un personaje conocido de sobra de Japón, pero que apenas ha salido de allí. Normalmente enfrentado al sagaz detective Kogoro Akechi (el primer gran detective de la historia de las novelas de misterio japonesas, también creación de Rampo Edogawa a principios del siglo XX) en unos duelos intelectuales de gran altura. Sumidos en un respeto mutuo, a lo largo de toda una saga de novelas, el audaz e inteligente ladrón anunciaba robos que el detective Akechi trataba de evitar a toda cosa.

La presente serie cuenta con la aprobación de los descendientes de Edogawa y esta ambientada en ese mundo y época. Hasta el detective Kogoro asoma la cabeza un poco.

Pero no son ellos los protagonistas, sino que el personaje principal es una chica de 11 años, que vive con una familia despreciable, y que tras el primer episodio se unirá al afamado ladrón e ingresará en su “familia” de ladrones. Los primeros episodios de la serie, mas o menos autoconclusivos, nos muestran la integración en el grupo y como poco a poco trata de conocer a ese enigmático personaje. Mas adelante, en la tradición de las historias clásicas de ladrones, ocurrirán sucesos extraños, giros de guion bastante llamativos y sorprendentes revelaciones. A lo largo de la serie, no es raro que cada X episodios el esquema hasta entonces habitual, se cambie.

Aunque ocurra en un mundo creíble y este perfectamente ambientada en esa época determinada del Japón del siglo XX, la serie no tiene pretensiones realistas ni mucho menos. Ese espíritu de historia de ladrones aventureros impregna toda la serie: dirigibles, trenes, submarinos, persecuciones, robos espectaculares y grandes villanos, hacen que todos los episodios sean un entretenimiento de primera, apoyado sobre unos personajes y una historia tremendamente interesantes. El hecho de que su protagonista vaya creciendo tanto física como mentalmente conforme avanza la serie, le da a la historia una progresión en el tiempo muy dinámica.

A nivel de producción se le puede reprochar poco. No es de altísimo presupuesto, pero mantiene un nivel francamente bueno en todo su desarrollo, y por momentos se torna espectacular, especialmente en las secuencias mas de acción. La ambientación en general es muy creíble, se ve que hay un trabajo de documentación detrás bastante exhaustivo.

No es la mejor serie del 2008 pero si una de las mejores, y desde luego de las más entretenidas de ver. Cada episodio aporta nuevos datos y situaciones… toda la serie es muy amena y logra mantener el interés durante todos sus 22 episodios.

PD: Si queréis leer algo de Rampo Edogawa, Ediciones Jaguar ha editado dos libros suyos: “Relatos japoneses de Misterio e Imaginación” y “La lagartija negra y la bestia entre las sombras”.

Spice and Wolf (Ōkami to Kōshinryō)

2009-05-01T00:13:00.002+02:00

El año pasado dejó bastantes series de calidad. Obviamente también hubo mucha morralla, pero la calidad de unas pocas, compensa el nivel general.

La verdad es que antes de ponerme a ver “Spice and wolf” estaba convencido de que sería la típica serie romántica con una chica lobo de por medio. Desde luego, más no podía haberme equivocado.

Todo empezó como una serie de Light Novels a comienzos de 2006 y hasta la fecha ya se han publicado ocho libros mas. Por ahora ya se han vendido mas de dos millones y medio de unidades en Japón. Un éxito que allanaba el camino a diversas adaptaciones, en cómic primero y en animación después.

No puedo hablar mucho de las novelas originales porque no están disponibles en inglés. Pero si he visto el anime, y he leído el primer tomo de su versión manga. Personalmente me quedo con la versión animada, creo que es un tipo de historia a la que le sienta bien este formato.

Cualquiera que vea las imágenes que acompañan esta entrada puede preguntarse que tiene de especial esta serie. En general es casi todo, mezcla muchos temas y lo hace de una forma muy atípica, tratando cuestiones que jamás pensé encontrar en un anime japonés.

La época es indeterminada, aunque parece bastante obvio que es un mundo ficticio creado a semejanza del Medievo europeo metiendo alguna pequeña influencia asiática.

El protagonista es Craft Lawrence (25 años), un sencillo mercader que se gana la vida de ciudad en ciudad comprando y vendiendo bienes. Es un negocio duro, que requiere una mente despierta para distinguir las mercancías de mejor calidad y conseguir buenos precios por ellas. Los viajes son largos, duerme en su propia carreta por las noches en el camino y viaja solo.

En el primer episodio Craft llega a un pueblo que conoce bastante bien, donde se celebra una festividad pagana a los ojos de la iglesia. Se adora a la Horo, una diosa lobo que cuida de las cosechas desde tiempos inmemoriales. Cuando Craft se dispone a seguir su camino, se encuentra con que una muchacha se ha ocultado en su carruaje. Dice que se llama Horo, y tiene orejas y cola de loba.

La serie es básicamente el día a día en el viaje de estos dos, trabajando como mercaderes. Es la crónica de un cambio de época, cuando los campesinos aprendieron a valerse por si mismos con nuevos métodos de agricultura, cuando la Iglesia tenía tanto poder como los reyes (tiene bastante peso en la historia) … y donde una “diosa” lobo ya no tiene lugar ni razón para existir. Ella quiere hacer el viaje de regreso al lugar en que nació, y él se ofrece a acompañarla a cambio de que le ayude con su negocio.

Una serie sobre la vida y la economía medieval, a través de los ojos de un sencillo mercader cualquiera. No hay acción, es una serie tranquila, de ritmo pausado y largos diálogos entre personajes. Y por encima de todo esta el personaje de Horo, posiblemente uno de los personajes mejor caracterizados y mas interesantes de cuantos han salido últimamente. Su visión de los hombres y de la sociedad humana en general, no tiene precio.

La serie son trece episodios animados por el estudio Imagin, y dirigidos por Takeo Takahashi. La animación es bastante solida, y recrea los paisajes y ciudades medievales de forma muy creíble. Acompaña además una banda sonora magnifica repleta de temas inspirados en la época.

Hace unos meses se anunció que tendrá continuación en forma de ovas (directos a video) a partir de Junio. Cambia el estudio (Brain´s Base) pero el staff seguirá siendo el mismo. Así que es de esperar que la calidad se mantenga.

Una serie diferente, muy agradable de ver, con un apartado audiovisual mas que decente y un personaje principal femenino francamente carismático. Pocas pegas se le pueden poner, aunque desde luego no es apta para los que buscan series mas… “rápidas” por así decirlo.

Nijigahara Holograph

2009-04-26T23:52:00.004+02:00

Hace ya unos cuantos meses que Ponent Mon inauguró su línea de terror. Los títulos que la inauguraron fueron “Aula a la deriva” (Que ya comenté AQUÍ) y “Nijigahara Holograph”, obra del prometedor Inio Asano, que se publicó en Japón hace solo un par de años.

El argumento de Nijigahara Holograph es algo complicado de explicar. Vendría a ser un mosaico de la vida de diferentes personas, cuyas acciones repercuten las unas en las otras. Es una historia repleta de vidas abocadas a la violencia.

No hay un protagonista definido, normalmente cada capítulo trata sobre personas diferentes. Dentro del propio capítulo se nos alternarán imágenes del presente, con recuerdos de un pasado común en el colegio, y con la vida de otras personas.

En el fondo de la historia hay elementos muy diversos: desde una pobre chiquilla en coma que se niega a despertar, un pozo y la desembocadura de unas alcantarillas (llamadas Nijigahara) que presencian los actos más bajos realizados por el ser humano, una leyenda sobre un monstruo que podría destruir el mundo, y un montón de vidas sesgadas incapaces de ser felices.

Lo de catalogarlo como cómic de “terror” es un tanto discutible. Es un cómic claramente para adultos, con bastante violencia explícita e implícita, que se mueve entre la realidad y la fantasía. Pero no aprecio ningún elemento de terror en la historia, mas allá de lo terrible que puede llegar a ser ver lo bajo que puede caer el ser humano.

A pesar de su arriesgado tipo de narración, el autor se desenvuelve bien. Seguramente hagan falta varias lecturas para llegar a vislumbrar este pequeño puzle en su conjunto, pero Inio Asano logra con creces que tengamos ganas de hacerlo.

El dibujo es magnífico. Es capaz de alternar viñetas de gran crudeza, preciosas panorámicas y un gran detalle apreciable en todas sus páginas. Se trata de un estilo serio, maduro, y a la vez muy atractivo visualmente.

Ponent Mon ha acertado plenamente con este Manga (cosa que no se puede decir siempre de su catálogo). El tomo contiene casi trescientas páginas (sesenta u ochenta más de lo habitual), con un precio que se me antoja bastante elevado: 15 euros. La edición cuenta además con algún que otro punto negativo, como algunas palabras que aparecen juntas cuando deberían estar separadas, algún bocadillo/aclaración que queda cortado, y un papel con una calidad algo inferior a lo que seria deseable (se transparenta a veces un poco, y tiene un tono demasiado amarillento).

Con esto y con todo, se agradece el esfuerzo por traer un cómic tan interesante y diferente a lo acostumbrado en nuestro país. Es difícil de recomendar porque es una historia dura y fraccionada, pero desde luego calidad le sobra por los cuatro costados. Aquellos que quieran sumergirse en él, saldrán plenamente recompensados.

Galaxy Express 999: La Película

2009-04-20T03:25:00.004+02:00

La serie original “Galaxy Express 999” del maestro Leiji Matsumoto se emitió en Japón entre el 78 y el 81 (113 episodios). Cuando apenas llevaba un año de emisión, el propio director de la serie dirigió una adaptación en formato película. Posiblemente sea la forma mas accesible y mejor de meterse en esta saga.

No hay que pensar en la película como “menor” respecto a la serie original. Aunque la historia básicamente es la misma, cuenta con los mismos creadores (con el prestigioso director Rin Taro a la cabeza) y condensa bastante bien toda la historia, modificando algunas líneas argumentales. Posteriormente se publicarían dos entregas más de la saga, que actúan como secuelas tanto de la serie original como de esta película.

La cinta narra la ya clásica historia de como Tetsuro se embarca en el tren espacial Galaxy Express 999 rumbo al ultimo planeta de la galaxia, para conseguir cambiar su cuerpo humano por uno mecánico y así poder vivir eternamente. Es la historia de un chiquillo que por el camino se convierte en hombre, visitando planetas, presenciando todo tipo de sucesos, y afrontando grandes retos.

Maetel, el personaje femenino co-protagonista de la historia, es uno de los mas recordados de Matsumoto. Totalmente etérea y enigmática, lleva a Tetsuro por su largo y arduo camino, sin estar realmente claras sus razones e intenciones. Su extrema popularidad la llevó a protagonizar su propia película “Maetel Legend”, su serie de televisión “Space Simphony Maetel” de trece episodios y unos episodios especiales de “Galaxy Railways”.

También hay cameos de relevancia del universo Matsumoto. Creo que “Capitán Harlock: Mi juventud en la arcadia” es su complemento perfecto. Recomiendo ver antes la película de Harlock de cara a conocer mejor los personajes. (Hice un post sobre esa película: AQUÍ)

La calidad de la producción es buena para hablar del año 1979. Aunque no es todo lo fluida que debería en ocasiones y se repiten algunas animaciones, es superior a la serie original de tv. Las voces de los personajes, su maravillosa banda sonora y su magnífica historia suplen todas las carencias que uno pudiese ponerle.

Es la obra mas poética de Leiji Matsumoto y se nota. Nunca el espacio había sido tan bello y tan terrorífico a la vez. Plagado de personajes inolvidables, en un viaje que en realidad es solo el auténtico comienzo en la vida de un joven.

La película salió a la venta en Estados Unidos y es bastante localizable por internet. En Dvd como nadie tiene ya los derechos, la única edición con subtítulos en ingles es una coreana que trae esta película y su secuela en un pack. Esta es la versión que yo compré via Ebay, con una imagen y sonido de muy alta calidad (remasterizados) y buena traducción en los subtítulos.